ВЫСТАВКИ | СОБЫТИЯ

 

ВЫСТАВКИ | СОБЫТИЯ

ХУДОЖНИКИ

КОНТАКТЫ

Login

ВАДИМ ИВАНКИН, АНДРЕЙ МАШАНОВ, СЕРГЕЙ ЧЕРКАСОВ. АКВАРЕЛЬ, ОФОРТ, ЖИВОПИСЬ.

Ольга Зотова
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка трех известнейших художников России Вадима Иванкина (Новосибирск), Андрея Машанова (Омск), Сергея Черкасова (Владивосток) откроется 11 сентября в 17 часов в залах Приморского отделения «Союза художников России».


Их имена известны  далеко за пределами регионов, в которых они проживают. Творчество новосибирского художника В. Иванкина ассоциируется в первую очередь с библейской темой, положенной в основу цикла живописных и графических работ. Омский художник А. Машанов известен как один из серьезнейших в России мастеров офорта, немногих, кто работает в этой технике с цветом. Имя С. Черкасова сразу же вызывает в памяти образ Владивостока, ставшего главной темой, которой приморский живописец и график занимается самозабвенно и глубоко, открывая зрителю тайну души города.

Каждому из авторов жизнь подарила удивительную творческую судьбу. При всей непохожести биографий  и творческих  манер у участников выставки  есть нечто общее  -  способность следовать собственным, очень индивидуальным путем, сохраняя лучшие традиции российской художественной культуры, сформированные в советский период.

Вадим Иванкин закончил художественно-графический факультет Новосибирского педагогического института.  Социальный накал конца 1980-х, коснувшийся в том числе и сферы искусства,  обусловил критическое осмысление многого из того, что было создано в предшествующее время. Однако Вадим идет не по пути революций, а по пути определения способа самовыражения. Начавший работать после института в живописи, он постепенно, не без мучительных поисков,  приходит к технике акварели, в которой воплощает тему, ставшую центральной. Библейский цикл, начатый им в начале 1990-х, включает серии «Откровение», «Полуночный мир», «Эскизы утраченных фресок», «Лицевая книга». Обращение к византийскому, древнерусскому искусству  явилось не данью моде, возникшей в начале перестройки, а способом исследования духовной составляющей человеческого бытия (если говорить о содержательной стороне), всегда волновавшей художника. Что касается формальной стороны – это интерес к форме, цвету, пластическим возможностям, композиционным построениям, обусловленным спецификой темы. Искусство русской иконописи, основные иконографические сюжеты стали тем зеркалом, в котором В. Иванкин видит и свое искусство. Размышляющий о духовности современников  и очевидных утратах в этом  вопросе, художник приходит к выводу: ее истоки в опыте отцов.

Андрей Машанов осознал себя как художник довольно рано. По его признанию, он всю жизнь рисовал и хотел заниматься именно печатной графикой. Много читавший в детстве, внимательно относившийся к книжной иллюстрации, считал художников-графиков более интересными.  Художественно-графический факультет Омского педагогического института   был осознанным выбором взрослого человека, уже закончившего политехнический институт. Думается отсюда и удивительное упорство, проявленное в освоении техник тиражной графики – офорта, литографии.  

Эстамп (и офорт, в частности) привлекал А. Машанова широтой возможностей, эстетическими качествами. Впервые попав на творческую дачу «Челюскинская» в 1992 году, попробовал себя в офорте, литографии, монотипии. Там же началась серия офортов «Древнерусские мастера», представленная во Владивостоке.

 

Известный книжный график, в 1990-х С. Черкасов обратился к станковому искусству. И здесь вырабатывается его особый фирменный почерк - утонченный, изысканный, очень узнаваемый. Он выбирает для себя  несколько тем, в  которых работает последовательно и самозабвенно, одна из них тема Владивостока.

Художник пишет поэтический образ города, лишенный фотографически точных деталей. В его работах есть особый лирический строй, настроение.  Вместе с тем, если говорить об отношении автора к натуре – это скрупулезность и умение подметить каждую деталь, состояние. Метод С. Черкасова - фиксация натуры в карандашном рисунке, фактически скетче, когда в нескольких тонких и точных штрихах художник запечатлевает фрагмент реальности.

Что касается художественного языка С. Черкасова – он живописен и графичен одновременно. Причем графичность работ Черкасова – не столько внешняя характеристика, хотя понятно, что опыт работы в книге изваял мастера, особенно внимательного к линии. Но думается, что графичность – это проявление некоего внутреннего склада художника, в последние годы много работающего в живописи. Этот склад воплощается в соотношении пятен и масс на холсте, в особенностях техники, когда из последовательного наложения линий получается целостное полотно, имеющее объем и фактуру, в готовности к эксперименту (одна из новых работ выполнена на фанере и включает аппликацию).

Выставка трех замечательных художников дает уникальную возможность увидеть во Владивостоке в первую очередь искусство графики, которому авторы служат не только собственным творчеством. Так, В. Иванкин занимается исследовательской работой: в 2015 году вышел художественный альбом «Акварель. Традиции и современность»,  посвященный аспектам развития школы акварельной живописи с середины ХХ века по настоящее время. А. Машанов является куратором творческой дачи «Челюскинская».  С. Черкасов популяризирует графику в издательской серии календарей. А значит умное и тонкое искусство будет продолжаться.

Куратор выставки Ольга Зотова,  кандидат искусствоведения, доцент ШИГН ДВФУ, почетный член Российской академии художеств.

Выставка проходит при поддержке администрации г. Владивостока в рамках цикла мероприятий, посвященных Дням мира на Тихом океане.

 

Выставка работает с 11 сентября по 2 октября

 

Вход свободный


графика офорт акварель коллективная выставка владивосток

Выставка творческой группы «Горынычи» (Санкт-Петербург)

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка творческой группы «Горынычи» (Санкт-Петербург) «Навстречу солнцу против ветра» откроется 21 августа в 17 часов в залах Приморского отделения «Союза художников России».

Ее авторы – художники из Санкт-Петербурга Анна Щеголева и Денис Саунин, и Виктор Норкин из Пензы. Это третья по счету выставка группы, образованной в 2017 году. Сами авторы говорят о том, что идея долго витала в воздухе. И не случайно: Анна Щеголева и Денис Саунин закончили Дальневосточный институт искусств, работали творчески и участвовали в выставках во Владивостоке и Приморском крае. Несколько лет назад оба переехали в Санкт-Петербург, где успешно занимаются творческой деятельностью. Связь с любимым городом у моря, который они продолжают считать своим («Владивосток далеко, но ведь это город-то нашенский…»), не прерывалась. Однако это были в первую очередь дружеские контакты. В какой-то момент пришло осознание, что практически ни одна выставка современных живописцев Санкт-Петербурга так ни разу и не добралась сюда за последние десятилетия. К ним присоединился Виктор Норкин.

В феврале 2017 года «Горынычи» провели первую выставку группы в Москве в галерее «Визит». А летом того же года во время творческой поездки в г. Харбин, в которой участвовала искусствовед Ольга Зотова, решили показать «Горынычей» во Владивостоке, связав тем самым Санкт-Петербург и Владивосток. Арт-проект «Навстречу солнцу против ветра» заявлен как двухчастный: первая – стартовая - выставка состоялась в начале года в выставочном центре Санкт-Петербургского Союза художников.  От нее начался отсчет и подготовка к нынешней выставке в Приморском отделении. 

Каждый из художников группы обладает своим индивидуальным лицом. Вместе с тем их объединяет очень важный – общий для всех – поиск эмоции, стремление философского осмысления действительности, творческое отношение к жизни. ​

Почему «Горынычи»? Это название группы часто вызывает некоторое недоумение. На самом деле всё просто – все три художника родились в год Дракона по восточному гороскопу. А русский «дракон» - это Горыныч. И тут уж точно есть «сходство и объединяющее начало». 

   

Выставка продлится до 9 сентября 2018


творческая группа «Горынычи» коллективная выставка Анна Щеголева Денис Саунин Виктор Норкин

Выставка памяти Заслуженных художников РФ Юрия Волкова и Игоря Кузнецова

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка памяти Заслуженных художников РФ Юрия Волкова и Игоря Кузнецова откроется 6 августа в 17 часов в залах Приморского отделения Союза художников России. Представлены работы разных лет, в том числе знаковые полотна, созданные на протяжении нескольких десятилетий художниками, стоявшими у истоков основания знаменитой Шикотанской группы.

Имя Юрия Ивановича Волкова широко известно за пределами нашего края и России. Неутомимый путешественник, совершивший две кругосветные экспедиции, он прошёл с этюдником по всему Сахалину, Приморью и Курилам. В состав выставки вошли работы разных лет, произведения из фондов Приморской государственной картинной галереи, Музея Дальневосточного морского университета, а также из мастерской художника. Становление Волкова как художника связано с тем временем, когда вслед за художниками - «шестидесятниками» пришло поколение, захваченное общим стремлением изменить взгляд на жизнь, со своим мироощущением и пониманием творческих задач. Юрий Волков тоже был подвержен общему стремлению увидеть жизнь иную и настоящую, ему были близки искания «шестидесятников», но при этом творчество художника обрело свой образно-пластический язык и силу.

Юрий Иванович Волков родился в городе Александровске-Сахалинском в 1941 году. В 1962 году окончил Владивостокское художественное училище, в 1967-м –   Дальневосточный институт искусств, в том же году стал членом Приморского отделения Союза художников СССР. Отныне художник навсегда связал свою жизнь с Приморьем, но при этом никогда не забывал Сахалин, творческие поездки на остров стали для художника регулярными. Юрий Волков – один из «шикотанцев», так называли художников, объединившихся в творческую группу во второй половине 1960-х годов. Он является автором пейзажей, портретов, тематических полотен. Художественное и нравственное неразделимы в работах художника. Ему близка позиция оценивать современность, понимать её через человеческую личность.

Экстремал по характеру, с неиссякаемой энергией и силой духа, жаждущий открытий и новых впечатлений, Юрий Волков совершил несколько кругосветных путешествий. Дважды он побывал в кругосветках – на «Палладе» и «Надежде». Итогом экспедиций стали сотни работ. Девиз художника – изображение современности современными средствами. Об этом в статье к последней персональной выставке Ю. И. Волкова писала искусствовед А.А. Даценко

Вторая часть выставки состоит из произведений еще одного художника Шикотанской группы И.А. Кузнецова. Игорь Кузнецов принадлежит к поколению художников, пришедших в искусство в конце 1960-х годов. После окончания Владивостокского художественного училища он сразу же начал участвовать в больших серьезных выставках, выбрав для себя в качестве основной область графики. Он единственный из шикотанцев, кто для воплощения островной темы выбрал выразительные средства графического искусства. В его листах отражен и космический масштаб территории, и бытовые ситуации, непосредственно связанные с друзьями-художниками, и быстрые наброски карандашом.

Второй пласт творчества И. Кузнецова посвящен Приморскому краю, в разных уголках которого активно работал художник. В целом Дальний Восток – основной мотив творчества художника. Персональная выставка И. А. Кузнецова – редкая возможность увидеть работы художника разных лет и в разных техниках, собранные в едином пространстве.  

 

Выставка продлится до 19 августа


Волков Юрий Иванович Кузнецов Игорь Александрович Заслуженный художник РФ персональная выставка живопись графика Шикотанская группа

Алексей Иванович Плешивцев

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Алексей Иванович Плешивцев – живописец, художник-педагог, член Приморского отделения ВТОО «Союз художников России», заслуженный работник культуры РФ – принадлежит к числу интереснейших живописцев Приморья. Он родился 2 октября 1943 года во Владивостоке. Здесь же получил сначала среднее, а потом высшее художественное образование, здесь более тридцати лет работал директором и преподавателем в детской художественной школе №2, здесь трудится сегодня в творческой мастерской.

На отделении живописи во Владивостоком художественном училище А.И. Плешивцев учился у педагогов Ф.Н. Бабанина, Н.П. Прокурова, И.И. Васильева (1960-1965), а на художественном факультете Дальневосточного института искусств – у В.В. Бочанцева и В.И. Лытнева (1965-1970). Окончив учёбу, он не представлял будущего вне творчества и в этом пункте жизненных планов проявил настойчивость, безжалостное к себе самому упорство. С 1972 года началось участие Алексея Ивановича в художественных выставках всех рангов. В 1980-м он совершенствовал живописное мастерство на творческой даче «Старая Ладога». В 1990-м стал членом Приморского отделения Союза художников РСФСР (ныне Приморское отделение ВТОО «Союз художников России»), где неоднократно избирался членом правления.

1970-е – 1980-е годы – ранний период творчества А.И. Плешивцева, время художественных проб и создания большого запаса впечатлений на будущее. Главную роль в самоопределении его художественной культуры играли тогда постимпрессионистическая традиция и суровый стиль. В 1974 году Алексей Иванович стал членом шикотанской творческой группы художников Приморья и Москвы. Одновременно с поездками на Курилы его маршруты пролегли на БАМ. Из серьёзных пейзажей и жанровых полотен того времени нужно отметить картины «Ловцы» (1974), «У родного берега» (1974), «Тишина» (1974), «Островной рыбокомбинат» (1984), «У кромки прибоя» (1988), «Бригада» (1978), «Дусе-Алинь. Переезд» (1978), экспонировавшиеся на четырёх зональных выставках «Советский Дальний Восток» и на республиканской выставке «Мы строим БАМ».

Это на удивление крепкие, отточенные и завершённые произведения. Впечатление завершённости рождается от внутренней весомости картин, в которых нет натурной рыхлости, цветовой и композиционной случайности. Эмоциональное переживание красоты дальневосточной природы уравновешено здесь личными представлениями художника о том, что есть Курилы и БАМ. Уже тогда он больше руководствовался светоцветовым впечатлением, а не предметно-осязательным ощущением от природы. Натурные впечатления сразу перерабатывались в его сознании, освобождаясь от ненужных подробностей.

В эпоху перестройки (1990-е – 2010-е гг.) А.А. Плешивцев проявил серьёзный интерес к различным течениям модернистского и постмодернистского искусства, к экспериментальному познанию многочисленных возможностей формы и цвета. Сегодня это мастер своеобразного письма с хорошо поставленной живописной «речью», художник-философ, одержимый поисками «машины времени» – связи утраченного исторического прошлого человечества с современностью. В большинстве его ассоциативно-философских, и, как правило, символических произведений речь идёт о вечных, корневых вопросах бытия. Их предметный мир иногда абстрагируется до отвлечённой знаковости. Такие полотна действуют на зрителей как бы помимо собственно художественных приёмов – силой духовных энергий, излучаемых содержанием, качеством ищущей мысли автора. Картины как образы сознания, не обязательно буквально похожие на жизнь, картины как символ-знак, как живописные гармонии сильных цветосозвучий – вот к чему ближе всего лежит теперь душа художника.

С начала 1990-х годов зазор сдвига между реальностью и её изображением в работах А.И. Плешивцева ощущается постоянно. Теперь, в 2010-е, он рисует кистью, словно шпателем, ею формирует материально осязаемый красочный рельеф, порой абстрагируя натуру до распластанного пятна. Вместо предметов на холсте появляется их сокращённые цветовые обозначения, их маски и символы. Есть полотна, где всё это выражено с крайней определённостью, например, «Интерьер с Фрейдом» (1994), «Лифт» (1995), триптихи «Диалог», (1997), «Мастер и Матрона» (2000), «Времена» (2007), диптих «Старый мотив» (2011). Эти произведения напоминают витражные картины из отколотых кусков цветного стекла, как у фовистов, к которым А.И. Плешивцев непроизвольно близок по энергии цветоизлучения. Специфический тон его полотнам придаёт их сложная фактура. Он прокладывает цветной тон щедрыми пластами краски, оставляя затем надолго просыхать загрунтованный холст. Неровность, шероховатость грунта передаётся живописному слою написанной картины. Бугристый рельеф корпусной красочной лепки, игра фактуры вносят в картины А.И. Плешивцева ощущение динамики.

Среди наград художника – Диплом Министерства культуры РСФСР и Союза художников РСФСР (1976), Диплом ВТОО «Союз художников России» (2011), Почётная грамота Управления культуры Примкрайисполкома в связи с 40-летием Шикотанской творческой группы художников (2007); Благодарственное письмо Приморской картинной галереи (2001); Благодарственное письмо Департамента культуры Приморского края (2013) и многие другие. 

Основные произведения находятся в Художественном фонде Союза художников РФ, Москва; в Приморской государственной картинной галерее (30), Владивосток; в Бурятском республиканском художественном музее им. Ц.С. Сампилова, Улан-Удэ; в Читинском областном художественном музее; в Магаданском областном краеведческом музее, в частных собраниях в России и за рубежом. В 2013 году правление и общее собрание Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» единогласно рекомендовали Алексея Ивановича Плешивцева к представлению на звание «Заслуженный художник РФ».

 

Варламова Людмила Ивановна

заслуженный работник культуры РФ,

член Приморского отделения ВТОО «Союз художников России»

(членский билет №1212), историк-искусствовед,

ст.н. сотрудник Приморской государственной картинной галереи

 
Алексей Иванович Плешивцев персональная выставка Владивосток

Выставка «Владивосток-158»

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Выставка «Владивосток-158» в залах Приморского отделения «Союза художников России» посвящена очередной годовщине со дня основания города.   В этом году выставка объединила две самостоятельные экспозиции: в первую включены произведения художников Белоруссии, Эстонии, Литвы, Монголии, Японии, Вьетнама, КНР, Юж. Кореи, во второй представлены произведения российских художников.

По замыслу организаторов проект дает возможность увидеть искусство художников разных территорий, что соответствует сложившейся во Владивостоке ситуации: зарубежные художественные проекты стали едва ли не повседневной практикой. Это способствует созданию универсального культурного и художественного ландшафта, в котором есть место разным формам и традициям искусства.

Свой уникальный опыт организации художественных выставок накоплен и Приморским отделением Союза художников России. Первые шаги были сделаны после 1990-х годов, когда стало возможным налаживание партнерских связей с художниками разных стран.  Не первый год длится российско-вьетнамский проект «Рукопожатие», включивший несколько совместных выставок в России и Вьетнаме. Также имеет свою историю сотрудничество с художниками Японии, КНР, Юж. Кореи, воплотившееся в свое время интереснейшие совместные выставки «Радуга Востока», «Восток-Восток», «Вы свет миру», ассоциации женщин-художников «Цветы мира» и др. В последние годы это сотрудничество стало практически непрерывным.   Художники этих стран приезжают во Владивосток, российские также принимают участие в художественных событиях за рубежом. Это партнерство питается искренней взаимной симпатией художников разных стран и сравнимо с народной дипломатией, что способствует более глубокому узнаванию культуры друг друга.

Произведения, представленные художниками Вьетнама, дают прекрасную возможность увидеть уникальный синтез национальной традиции и современных тенденций, которые органично существуют в современном искусстве Вьетнама: самобытная лаковая картина, трудоемкая и кропотливая в производстве, абстрактная графика, яркая, подчеркнуто декоративная живопись.

Эстетической выверенностью, философским подтекстом, ассоциативностью отличаются произведения художников Японии. Разные по творческой манере, они говорят о многогранности японского искусства. Так, «Куклы Хина» отсылают к традиции национального праздника девочек Хинамацури, а черно-белые абстрактные графические листы с символическим названием «Дальняя мысль» говорят о глубоком внутреннем ощущении пространства как меры метафизического порядка. Свои ощущения автор этих листов художница Акико Кондо передает не только посредством художественных материалов. Так, в этом году она стала автором цикла лекций для студентов Ташикава-колледжа, одна из которых была посвящена опыту В. Кандинского и К. Малевича.     

Современным прочтением национальной живописи Китая отличаются работы Ван Сюэ Лин и Чжоу Цзюнь Чэн. Они по-новому осмысляют традиционные жанры, сложившиеся в китайской живописи столетия назад, но   остающиеся актуальными и сегодня.

Творческие контакты с Российской академией художеств отделением «Урал, Сибирь и Дальний Восток» дали возможность знакомства с искусством художников других регионов России (представлены эмали и живопись известных далеко за пределами России художников РФ С. Ануфриева и К. Кузьминых) и Монголии, а с художественным музеем г. Нарвы – с коллегами из Эстонии, Литвы и Белоруссии О. Тюриной, Э. Зеньчиком, С. Ветровой. А. Березой. Их участие в выставке символически возвращает нас к истории Владивостока периода его основания, когда город был открыт не только всем ветрам, но и всем флагам.

Благодаря работам четырех авторов из Белоруссии и Прибалтики в нынешнюю выставку включена замечательная коллекция графических листов. У каждого из художников богатая творческая биография и свое художественное видение. Ольга Тюрина – художник, дизайнер, педагог (Narva Kunstikool). В одном из интервью она говорит о творческом методе: «Чёрно-белое изображение имеет множество возможностей передать воздушность, фактурность и глубину пространства, которое бесконечно. У меня есть серия «Игра в Японию». Или серия работ со средневековыми мотивами и образами. Возможно, в этом присутствует некий уход от действительности, но это все очень искренно. А через образность и символы можно многое ощутить и почувствовать. Это как некий коллективный разум, насыщенный знаниями о мире людей разных времён и народов. Это никуда не пропадает, это всегда с нами. Люблю работать долго. Графика для меня как медитация. И это всегда сюрприз. Неясно, как себя поведёт образ, какую атмосферу создаст вокруг себя, что потребует дальше от меня. Это мне очень нравится».

Эдуард Зеньчик - живописец, фотограф, график, дизайнер, автор инсталляций, перформансов и музыкальных импровизаций. Организатор молодежных выставок и мероприятий. За годы творчества провел более ста персональных выставок. В творческой характеристике говорится: «Художник смешивает жанры и техники, реформирует традицию, попеременно играет роли, внешне несовместные. Его опыт состоит из параллельных линий, которые в конечном итоге сходятся в метафизическом измерении.  …Картины Зеньчика составляют фантастическое пространство, распахнутое во все стороны: здесь как будто есть место для любых артефактов и идей. Ни одна эпоха, ни одна культура не свободна от тактичного произвола - Дзен у Зеньчика идет рука об руку с Кришной, Христом и Олимпийцами. Однако за эклектичным фасадом стоит определенная, пусть и загадочная, система».

 

Светлана Ветрова – художник, дизайнер. Серьезное увлечение исторической реконструкцией и белорусской этнографией повлекло участие авторскими программами в крупных фестивалях и праздниках Беларуси и России. О себе Светлана пишет, что ей близки идеи сближения повседневной жизни людей и изобразительного искусства – как альтернативы и элитарности, и попсе, китчу, рекламе.

Анастасия Береза неоднократно являлась резидентом "Gjesteatelieret i Vadsø" (Норвегия), Uzupio Meno Inkubatorius (Литва). Она из ее тем посвящена Северу.

В цитируемых словах очень точно сформулировано главная идея нынешней выставки: все, что представлено, является коллективным художественным видением, наполненным опытом людей разных ментальностей.     

Вторая часть выставки, посвященной Владивостоку, традиционно включает произведения приморских авторов, большая часть из которых создана в этом году. В них улицы и уголки города, бухты и заливы, мосты, маяки, корабли, храмы.  Этот материал отражает современный облик Владивостока, стремительно меняющего архитектуру в последние годы. Высотные здания и мосты, связавшие берега бухты Золотой Рог придают городу футуристический вид. В то же время неизменно остается линия побережья, соединяющего две стихии. И трудно, а подчас невозможно провести черту, разделяющую рукотворную и природную сущности в нашем городе, ведь море является видимой частью городского пейзажа во многих точках.  Эти произведения пронизаны острым чувством, которое трудно передать словами. Пожалуй, это чувство передано в замечательном фильме кипрского композитора Мариоса Иоанну Элиа «Звуки Владивостока», премьера которого состоялась в этом году, ставшем акустическим и визуальным портретом Владивостока, созданным из множества образов и звуков. Невозможно представить этот портрет без творчества приморских художников.


Ольга ЗОТОВА,

кандидат искусствоведения,

доцент ШИГН ДВФУ,

ответственный секретарь

Приморского отделения «Союза художников России»

Владивосток-158 коллективная выставка

Владивосток-158

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка «Владивосток-158», посвященная очередной годовщине со дня основания Владивостока, откроется в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России». В этом году две даты открытия - 13-го и 22-го июня, так как выставка объединила две самостоятельные экспозиции: 13 июня в 17:00 откроется первая, в которую включены произведения художников Белоруссии, Эстонии, Литвы, Монголии, Японии, Вьетнама, КНР, Южной Кореи. 22 июня в 17:00 состоится открытие выставки работ художников России. Всего будет представлено около 200 работ.

Проект, который будет длиться в общей сложности больше месяца и даст возможность увидеть зрителю искусство художников разных территорий, имеет символическое значение. В этом году Приморское отделение Союза художников России отмечает 80-летие. Все эти годы основной состав художников-членов творческой организации живет и работает во Владивостоке.

Накоплен огромный опыт организации художественных выставок, особенно интересный после 1990-х годов, когда стало возможным налаживание партнерских связей с художниками разных стран.  Не первый год длится российско-вьетнамский проект «Рукопожатие», включивший несколько совместных выставок в России и Вьетнаме. Также имеет свою историю сотрудничество с художниками Японии, КНР, Юж. Кореи, воплотившееся в свое время в интереснейшие совместные выставки «Радуга Востока», «Восток-Восток», «Вы свет миру» и др., а в последние годы ставшее непрерывным. Художники этих стран приезжают во Владивосток, российские также принимают участие в художественных событиях за рубежом. К примеру, организаторы ежегодного фестиваля «Арт Киото» (Япония) с большим энтузиазмом встречали М. Ламзину (художественный текстиль) и О. Игнатенко (графика) из Владивостока. Благодаря этим связям зритель сможет увидеть уникальную лаковую картину (Вьетнам), самобытные, эстетически выверенные произведения из Японии, живопись художников КНР. 

Творческие контакты с Российской академией художеств отделением «Урал, Сибирь и Дальний Восток» дали возможность знакомства с искусством художников других регионов России (представлены эмали и живопись известных далеко за пределами России художников РФ С. Ануфриева и К. Кузьминых) и Монголии, а с художественным музеем г. Нарвы – с коллегами из Эстонии, Литвы и Белоруссии. Их участие в выставке символически возвращает нас к истории Владивостока периода его основания, когда город был открыт не только всем ветрам, но и всем флагам.

Вторая часть выставки, посвященной Владивостоку, традиционно включает произведения приморских авторов, большая часть из которых создана в этом году.

Выставка проводится при поддержке администрации г. Владивостока в рамках цикла мероприятий, посвященных 158-й годовщине со Дня основания города Владивостока, «Владивосток! Здесь хочется жить».

 

Выставки продлятся:

Выставка произведений художников Белоруссии, Эстонии, Литвы, Монголии, стран Азиатско-Тихоокеанского региона: с 13 июня по 20 июня

 

Выставка произведений художников России: с 22 июня по 15 июля


Владивосток-158 коллективная выставка Владивосток

Великая Победа

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Выставка «Великая Победа» посвящена очередной годовщине Победы в Великой Отечественной войне.

В экспозицию включены сюжетно-тематические полотна, основная часть которых специально была создана художниками Владивостока, Уссурийска, Магадана, Красноярска, Сахалина, Санкт-Петербурга к юбилейным торжествам, посвященным 70-летию Победы. Художники прибегли к большеформатному высказыванию, чтобы выразить весь спектр эмоций и ассоциаций, связанных с войной. Так, самое масштабное полотно «Битва», написанное художником Олегом Подскочиным, составляет 5 метров. В нем много символических образов, из которых состоит масштабная сцена сражения, включенная автором в общекультурный контекст, уничтожаемый войной, собирающей страшную жатву не только во время баталий, но десятилетия спустя.

Образ родной земли запечатлен в абстрактной работе Александра Ионченкова «Земля-шинелька», тему Родины, мирная жизнь которой нарушена, воплотили Евгений Пихтовников в работе «Осень войны» и Виталий Медведев «В преддверии». Обобщенный образ солдата дают в своих работах Александр Селиванов «Васильки», Денис Саунин «Два солдата», Сергей Горбачев в серии графических листов «9 мая». Мажорным настроением проникнуты работы Марии Холмогоровой «День Победы» и Владимира Погребняка «Победа».   При всей индивидуальности стилевых приемов – от лубка и абстракции до классического языка реалистической живописи – все произведения объединяет одна идея: мы все – дети той войны, в которой участвовали наши отцы, деды и прадеды.

В 2015 году арт-проект «Великая Победа» был поддержан администрацией г. Владивостока и Министерством культуры РФ. Первая обеспечила необычную форму проведения выставки – в штабных палатках на Корабельной набережной рядом с мемориальной зоной г. Владивостока. Второе способствовало тому, чтобы арт-проект был показан в городах, где шли непосредственные бои Великой Отечественной, - в Смоленске и Твери. Всего два полных дня картины можно было видеть во Владивостоке, после этого они отправились на Запад, а после вернулись в мастерские художников. Нынешняя выставка дает возможность вновь увидеть замечательные полотна, которые являются откликом на самую недевальвированную тему в современной России.

Свидетельство тому – набирающая обороты не только в нашей стране, но и за рубежом акция «Бессмертный полк», большое количество документальных и художественных лент, художественные выставки. Для отдельных художников эта тема – некая константа в воплощении философского образа противостояния Жизни и Смерти.

Так, в 2001 году Олег Подскочин и Сергей Дробноход в галерее «Арка» сделали совместную выставку «Когда возвратимся домой», посвященную памяти Великой Отечественной.   «В нашей жизни не так уж много тепла. Да и разве нас женщина – нас война родила», - писал один из лучших поэтов-фронтовиков Юрий Белаш. Поколение войны еще живет сегодня. И в следующих жива память о самом великом противостоянии ХХ века. В нынешнюю выставку включен триптих О. Подскочина «Брошь моей мамы», экспонировавшийся в «Арке», в котором центральным является женский образ.

Из той же выставки 2001-го года в нынешнюю экспозицию включен диптих С. Дробнохода «Когда возвратимся домой», определивший общее название проекта (сегодня находится в фондах Приморской государственной картинной галереи).

Несколькими годами спустя О. Подскочин посвятил теме войны персональную выставку «Призрак атаки». Уже в ней была сформулирована главная тема, к которой художник обратился в год 70-летию Победы в масштабном полотне «Битва»: война – это катастрофа для всех народов, которые в нее вовлечены.  В нынешней выставке это полотно является центральным и определяющим смысл всей экспозиции.

Три года назад штабные палатки на Корабельной набережной с картинами явились зоной притяжения тысяч зрителей, которые после парада стремились увидеть образы, созданные художниками. В преддверии этой акции журналист Общественного телевидения Приморья Ольга Сомкина создала проект «Краски Победы». Видео также демонстрируется в залах.

В экспозицию включены произведения из фондов Приморской государственной картинной галереи и «Артэтажа».

Ольга Зотова,

искусствовед, ответственный секретарь

Приморского отделения «Союза художников России»


       

Великая Победа коллективная выставка художники Приморья Владивосток

Сокрытое в листве

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Сергей Александрович Барсуков


«Сокрытое в листве» – третья персональная выставка приморского живописца Сергея Александровича Барсукова в залах владивостокского Дома художника (2006, 2011, 2018). Она проходит совместно с персональной выставкой заслуженного художника России Геннадия Леонидовича Кунгурова и занимает два зала их четырёх.

Основным жанром изобразительного искусства Дальнего Востока изначально был и остаётся пейзаж. Творчество Сергея Барсукова – светлый мир лирико-поэтической пейзажной живописи. Это художник пленера. Вот уже четверть века во все времена года он постоянно выезжает с этюдником в красивейшие, «пришвинские» места Приморья: в долину реки Майхэ, в бухту Сидеми, в сёла Безверхово, Анисимовка, Андреевка, на морские острова. Чаще всего это случается роскошной приморской осенью или тихой нежной ранней весной.

Природа могучий генератор нашего физического и духовного здоровья. Выезжая из города на природу, люди становятся спокойнее, мягче, добрее. Медитативно-созерцательные, камерные полотна Барсукова это живописные гармонии, в которых звучит музыка природы.  Иногда он полностью пишет этюды с натуры, иногда завершает их в мастерской стараясь сохранить для людей хотя бы часть колдовской красоты трёх постоянно меняющихся стихий: приморской земли, воды, неба.

Сергей Александрович представил вниманию зрителей 55 работ: сельские пейзажи, марины и натюрморты. Доминируют деревенские пейзажи, созданные на пленере ранней весной и осенью 2016-2017 годов в селе Анисимовка и в посёлке Безверхово. Среди них можно отметить этюды «Весенняя распутица», «Дорога в Анисимовку», «Цветы солнца». «Сентябрь. База отдыха». Есть и более ранние картины, написанные в Морском заповеднике и на Академической даче начиная с 2005 года.

Общее впечатление от выставки Барсукова – чувство восторженной радости, благодарности художника природе за счастье бытия, за лично пережитые счастливые мгновения. Пейзажи говорят со зрителем уверенно, интересно, многопланово. Они дают ощущение внутренней свободы художника, его сильно возросшего живописного мастерства. И в деревне, и на морском побережье он ищет и находит не обязательно эффектное, но непременно благодатное место, место гармонии, неброской красоты и спокойной силы. И не так уже важно, где оно находится: в Приморье или в Подмосковье. Задача у мастера одна – перенести на холст радостную, животворную музыку природы.

Сергей Барсуков – член Приморского отделения Союза художников России (с 2003 г.), член творческой группы «Дом Пришвина» (с 2004 г.), участник многочисленных художественных выставок (с 1995г.). Его произведения хранятся в Приморской государственной картинной галерее и в частных художественных коллекциях в стране и за рубежом.

Это коренной приморский художник. Он родился в 1951 году в шахтёрском городе Артёме. Одновременно с учёбой в средней и в музыкальной школе три года занимался в изостудии Дворца угольщиков у известного приморского живописца Павла Ивановича Холина, умелого педагога и талантливого художника. Обладая разноплановыми талантами: музыкальными, художественными и математическими, Сергей Александрович приехал во Владивосток, где сначала окончил горный факультет Дальневосточного политехнического института (1968-1973), а затем театральное отделение Владивостокского художественного училища по мастерской В.А. Прохоренко и Л.Т. Убираевой (1977-1981). Находясь на административной работе в институте Дальгипрошахт и в других организациях Владивостока, совмещал её с постоянными поездками на пленэр. С 2009 года – свободный художник.

           

Барсуков начал свой путь в искусстве в середине 1990-х годов. Уже тогда, работая с пейзажем, он руководствовался не столько предметно-осязательным ощущением, сколько светоцветовым впечатлением. К особенностями живописного стиля мастера можно отнести импрессионистическую интерпретацию пейзажных образов, светлую цветовую гамму, спокойное, радостное настроение. Усиливая иногда декоративные акценты, найденные в природе, художник избегает экспрессии цвета. Не любит он и многослойной живописи. Пастозной она у него бывает только чуть-чуть, в свету.

Кроме пейзажа заметное место в творчестве Сергея Александровича занимает натюрморт – самый экспериментальный жанр живописи. В экспозиции выставки «Креветки», «Вяленая рыба», «Сентябринки», «Пора цветения». Больше всего он любит писать цветы, потому, что их форма, цвет и фактура бесконечно разнообразны. Его привлекают декоративные возможности этой натуры. Ранние натюрморты выполнены в стиле, близком к традициям русского реалистического искусства, поздние – демонстрируют увлечение творческим наследием французской школы живописи.

Художники – люди очень разные и по характеру, и по стилистической манере. Их обогащает общение. С 1999 года начались ежегодные творческие поездки Сергея Александровича по Южному Приморью в сёла Безверхово, Анисимовка, Андреевка, в бухты Сидими, Спасения, Теляковского и Орла, вместе с Владимиром Олейниковым Жоржем Кочубеем, Виктором Убираевым и Геннадием Кунгуровым: членами творческой группы художников Владивостока и Артёма «Дом Пришвина». Через десять лет состоялась его первая творческая поездка и по Северному Приморью (в Ольгинский район) с заслуженным художником РФ Николаем Егоровичем Большаковым.

Если в 1990-е годы Барсуков учился живописи преимущественно у друзей, особенно у Виктора Убираева и Евгения Коржа, то в 2000-е большое влияние на него оказала дружба с народным художником РФ Иваном Васильевичем Рыбачуком (1921-2008). Художника такой величины, как Рыбачук, нельзя скрыть, его довольно одного, чтобы осветить целую культурную эпоху. Понимая это, Сергей Александрович часто бывал во владивостокской мастерской маэстро, особенно в последние годы его жизни. Общение с Рыбачуком было для него равнозначно хорошей школе.

Весной 2008 года, перед последним путешествием на Академическую дачу, Иван Васильевич, уже тяжело больной, сказал живописцу Виктору Пантелеевичу Белоусову: «На этот раз со мной поедет Серёжа Барсуков». А после возвращения тепло отозвался о Сергее: «Он умный, слушать умеет и, главное, слышит. Он много там прихватил, много почерпнул, там же разные художники работали. Он очень способный, трудолюбивый, немногословный, но дело своё стремится знать. Он будет писать, будет выставляться».

На «Академичке» Сергей Александрович оказался в совершенно другой природной среде. Там он окончательно осознал своё призвание живописца и, общаясь с большими мастерами изобразительного искусства, стал пристальнее вглядываться в окружающую природу. Сегодня мастер находится в поре расцвета творческой зрелости, которая, будем надеяться, продлится долго. Его подход к окружающему миру окончательно стал пейзажным.

                                                

                                                                        Л.И. Варламова,

Искусствовед,

Заслуженный работник культуры РФ

Сергей Александрович Барсуков Сокрытое в листве персональная выставка Владивосток

Сокрытое в листве

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Геннадий Леонидович Кунгуров


«Сокрытое в листве», персональная выставка заслуженного художника РФ Геннадия Леонидовича Кунгурова, проходит во владивостокском Доме художника совместно с   персональной выставкой его друга, приморского живописца Сергея Александровича Барсукова. Она имеет общее название и занимает два зала из четырёх. Геннадий Кунгуров, художник разносторонних интересов, представил вниманию зрителей 45 работ: живопись, станковую и книжную графику. Почти все живописные полотна мастера новые. Они были написаны в 2016-2017 годах. Зимой – во владивостокской мастерской, летом – на даче в селе Лукьяновка.

Геннадий Леонидович отказался от экспонирования пленэрного материала и дал на выставку пейзажи-картины, созданные на основе натурных впечатлений и этюдов. Это картины-воспоминания о красивейших местах Приморья, Байкала и Алтая, которые ему посчастливилось повидать во время ежегодных поездок на пленер. Среди лучших работ посвящённых Приморью – «Дом Егорыча», «Фуникулёр», «Пасмурный день», «Тигровый», «Сидими», «Стеклянуха. Верба зацвела».

Живописных портретов на выставке немного. Это портреты членов семьи: философский автопортрет «Шептуны», «Портрет дедули» (автопортрет с внучкой), «Портрет жены», «Внучка Настенька». Натюрмортов представлено только два: «Натюрморт с зелёным яблоком» и «Натюрморт с гномиком». В них художник запечатлел предметы своего дачного быта и лично выращенные тыквы.

Жанровые картины «Масленица», «Гадания на петухе» и «Коляда» – первые работы из будущей серии «Славянские народные праздники». Они созданы как театрализованная сатира на человеческие пороки под впечатлением знакомства с замечательной книгой «Обряды русского народа», кладезем интереснейших сведений о славянских языческих праздниках.

Книжная и станковая графика в творчестве Геннадия Леонидовича дополняют друг друга. Любимая графическая техника мастера – ксилография – была освоена на творческой даче «Челюскинская». Многое в ней не совпадает с классическими правилами. Технически, например, приходится работать современными материалами: не на торце твёрдых пород дерева, а на оргстекле, не древними водяными красками, а современными типографскими. Главным выразительным средством является не столько штрих, как положено, сколько декоративно-живописное пятно, позволяющее выявлять и моделировать объём.

На выставке книжная графика мастера представлена десятью гравюрами в технике ксилографии из серии «Восточно-поэтическая лирика» (1991) и двенадцатью – из серии «Волчьи гоны» (1997), созданной по мотивам сборника стихов Александра Афанасьева на гулаговскую тему.  В 2018 году Геннадий Леонидович нарезал в технике гравюры на пластике четыре портрета приморских художников из серии «Други мои». Первым он запечатлел своего учителя, Владимира Ивановича Олейникова («Володя»), потом себя (автопортрет «Знакомый»), затем Юрия Витальевича Василенко («Юра») и Сергея Александровича Барсукова («Серёжа»). Это психологические портреты. Они даны оглавно, крупным планом, почти все в фас. Взгляды друзей-художников устремлены прямо на зрителя.

Геннадий Кунгуров – заслуженный художник РФ, член Приморского отделения ВТОО «Союз художников России», график, мастер ксилографии, художник книги и полиграфического дизайна, живописец, художник театра и художник-педагог. Он родился в 1952 году в посёлке Новиково Южно-Сахалинской области, но его детство и юность прошли на Алтае. После окончания службы на Тихоокеанском флоте в посёлке Дунай Приморского края Кунгуров десять лет жил в Артёме, где работал сначала художником-оформителем на птицефабрике, потом – преподавателем в Детской художественной школе. Совмещая работу и учёбу, окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института (1984, мастерская Д.А.Романюк) и факультет художественного и технического оформления печатной продукции Московского полиграфического института, (1991, педагоги А.В. Васнецов, Н.А. Гончарова).  

            С 1992 года Геннадий Леонидович живёт во Владивостоке. Он был художником и главным художником Дальиздата (1986-1992), в 1999 году создал издательство «СВЕТЛАНАкунгурова». С 2001 по 2015 – доцент кафедры «Издательского дела и полиграфии» ДВФУ, преподаватель художественно-технического редактирования и дизайна печатной продукции. С 2017 – преподаватель спецдисциплин Владивостокского художественного колледжа.

Сотрудничая с Дальиздатом, с издательствами «Русский остров» и «Ворон» в качестве художественного редактора и дизайнера, Кунгуров оформил более 100 книг. Наиболее значительными работами для полиграфии стали книга японских сказок «Веер Тэнгу», книга Р. Киплинга «Маугли», романы С. Цвейга «Мария Антуанетта» и «Мария Стюарт», книги «Капитан Анна», «Тропою тигра», «Владивостокская крепость», «Скрепы памяти», фотоальбом «Край России – Владивосток».

Художник книги и художник театра – профессии родственные.  Оба изучают книги, оба создают режиссуру. В Академическом драматическом театре имени А.М. Горького Геннадий Леонидович оформил спектакли «Железный класс», «Моя жена лгунья», «Пять вечеров», «Трамвай «Желание» и «Московский хор» (2004-2008) как художник-постановщик.

С 1980 года Кунгуров участвует в краевых, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных выставках, с 1996 – в международных выставках графики и экслибриса. Среди его наград – Почётные грамоты Министерства культуры РФ и Министерства образования и науки РФ (2009), многочисленные дипломы на региональных книжных ярмарках-выставках «Печатный двор», проходивших во Владивостоке. Весной 1996 года на Международной книжной ярмарке в Москве за фотоальбом «Хабаровский край. Страницы истории» художник получил диплом первой степени. В 2000 году книга «Тайга у океана» там же была отмечена золотой медалью в номинации за дизайн.

Произведения Геннадия Леонидовича Кунгурова хранятся в Приморской государственной картинной галерее, в Приморском государственном объединённом музее им. В.К. Арсеньева, в Галереях современного искусства «Артэтаж» и «Арка» (Владивосток), в фонде «Современная графика» (Санкт-Питербург), в Калининградском областном музее «Художественная галерея», в музеях, галереях и частных коллекциях России, Японии, Австралии, Китая, Республики Корея, Англии, Франции, Италии, Чехии, Хорватии, Турции, США и Канады.

 

Л.И. Варламова,

Искусствовед,

Заслуженный работник культуры РФ

Кунгуров Геннадий Леонидович Сокрытое в листве персональная выставка Владивосток

Выставка Геннадия Кунгурова и Сергея Барсукова «Сокрытое в листве»

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

4 апреля в 17:00 в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» состоится открытие выставки Геннадия Кунгурова и Сергея Барсукова «Сокрытое в листве». Зрителю будет представлено творчество двух авторов, наполненное цветом, светом, радостью, самой жизнью.  

Чаще всего «героем» живописных полотен как Геннадия Кунгурова, так и Сергея Барсукова становится природа, изменчивая, таинственная, подавляющая, успокаивающая, гармоничная, величественная, родная. Одухотворенные и лирические пейзажи сохраняют приверженность традициям русской школы, для которой характерно созвучие русской душе, способной сострадать, радоваться, восхищаться миром в целом и отдельными людьми в частности. Однако в экспозицию выставки вошли также и жанровые картины, портреты, натюрморты, графика.

Название «Сокрытое в листве» было выбрано неслучайно. Известный японский трактат «Хагакуре», написанный для воспитания духа воина и формирования отношения к жизни и миру, связан с учениями Конфуция и Дзен-буддизма, определившими менталитет народов, с которыми мы тесно связаны, общаемся и под влиянием друг друга до сих пор вносим коррективы в свою картину мира. Нам близко восточное стремление к размышлениям, поиск истины, которая часто скрывается за листвой повседневности. Художнику как никому другому удается ее разглядеть за видимым пейзажем и изобразить все грани жизни на своих полотнах.

В графике Кунгурова восточная литература занимает особое место. Так, японская любовная поэзия неоднократно ложились в основу серий графических работ, выполненных в любимой технике художника - ксилография. Примечательно, что большая часть картин художника наполнена духом романтики, стремлением соединить философию с искусством, выражением свободы, ощущением чувств. В то время как для Сергея Барсукова важны и принципиальны вопросы, относящиеся к области реалистической эстетики – верность изображению природы, способности художника подчеркнуть поэтичность и красоту самых прозаических предметов.

Совместная выставка двух живописцев станет замечательным подарком всем ценителям живописи.

 

Выставка пройдет с 4 апреля по 17 апреля 2018 года

Вход свободный


Геннадий Кунгуров Сергей Барсуков Сокрытое в листве Владивосток

Однокурсники

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка «Однокурсники» откроется в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» 20 марта в 17:00.

Свои работы представят Сергей Бурдыков, Наталья Калина, Олег Ким, Петр Мястовский, Николай Тимофеев – художники, обладающие индивидуальным почерком, хорошо узнаваемым в коллективных выставках. Все они учились в Дальневосточном институте искусств у Василия Никаноровича Доронина, которого вспоминают и чтят все эти годы. Творческая судьба каждого сложилась по-разному: С. Бурдыков и П. Мястовский свободные художники, Н. Калина много лет успешно преподает во Владивостокском государственном университете экономики и сервиса, Н. Тимофеев долгое время был директором Владивостокского художественного колледжа, в настоящее время преподает в нем, О. Ким меценат и инициатор идеи создания художественного музея в г. Уссурийске. Все они авторы персональных выставок, постоянные участники коллективных. Но именно в едином проекте четко просматривается лицо поколения, пришедшего в искусство в самом начале 1980-х. Искренние, веселые, полные творческих замыслов они не сломались в 1990е, а сегодня, в эпоху новых технологий в искусстве, продолжают оставаться художниками в традиционном понимании этого слова, чей инструмент – холст и кисти.

В выставке представлено более 90 работ разных периодов.       

 

Выставка продлится с 20 марта по 2 апреля 2018 года


Однокурсники Сергей Бурдыков Наталья Калина Олег Ким Петр Мястовский Николай Тимофеев живопись Владивосток

ОНА

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка произведений приморских художников «Она», посвященная женскому образу, откроется 27 февраля в 17:00 в залах Приморского отделении «Союза художников России» (Алеутская. 14а).

Тема выставки навеяна наступающей весной, особым настроением, связанным с Женщиной, чей праздник отмечается по традиции в начале марта. В разные эпохи, при любом социальном порядке. Ей отводилось особе место: в Нее влюблялись, для Нее слагали стихи, ради Нее сражались на рыцарских турнирах, Она становилась причиной войн…

Женщине посвящали произведения великие художники разных времен. В стилистике и образной структуре произведений А. Дюрера, Рембрандта, Д. Веласкеса, В. Тициана, Ф. Гойи, О. Ренуара, П. Гогена, И. Крамского, Валентина Серова, Н. Фешина, А. Дейнеки и других художников, в портретном изображении и жанровой сцене проявлен дух времени, мода на образ, социальный запрос.

ХХ век – век великих социальных перемен кардинально изменил образ женщины. Вчерашняя Прекрасная Дама превратилась в эмансипированную личность.  В отечественном искусстве был создан целый ряд типизированных портретов Комсомолок, Работниц и т.д. Вместе с тем в основе отношения к женщине остался все тот же поиск прекрасного, загадочного, рождающего порывы сердца.  Художники Приморского края внесли в эту тему свой вклад. Внимательный зритель помнит выставки: «Ню», «Женщина-цветок», «Кое-что о Еве». Нынешняя выставка объединила художников разных поколений, из более 180 произведений были отобраны лучшие: детский портрет, обобщенный женский образ, ню, эскизные зарисовки… Один из участников Виктор Пиперов сопроводил свою работу поэтическими строками, которые свидетельствуют о настроении:   

 

Закатное солнце пульсирует

Сквозь промежутки столбов

Бликуя

На красной обшивке плацкарта

 

Проходит дама в красном

Пульсируя

Бликуя

Выставка «Она» посвящена девочкам, девушкам, женам, женщинам, загадочным, прекрасным, любимым и любящим.

 

Выставка продлится с 27 февраля по 18 марта 2018 года


     

Пресс-служба ПКО ВТОО

«Союз художников России»

241-11-94; 241-44-03

prim-shr@inbox.ru


Она коллективная выставка живопись графика декоративно-прикладное искусство художники Приморья женский образ Владивосток

Путешествие по России

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Это вторая выставка из цикла, посвященного путешествиям, который был начат приморскими художниками в прошлом году проектом «Путешествие по Азии». Тема малой и большой Родины отчетливо звучит в произведениях, включенных в выставку. Северные территории, Камчатка, Курильские острова, Приморье, Хабаровский край, Байкал, Алтай, Бурятия, Суздаль, Новгород, Санкт-Петербург, Подмосковье, Крым – география выставки отражает масштаб большой страны.

Вообще говоря, начать следовало бы с философского аспекта русского пейзажа, сформировавшегося как жанр в конце 18 века. От первых классицистических произведений Семена Щедрина, Федора Матвеева, Федора Алексеева, Андрея Мартынова, до романтических пейзажей Сильвестра Щедрина, Григория Сороки, Алексея Венецианова, Ивана Айвазовского и других художников к повествовательным, сказочно-поэтическим, эпическим, лирическим, декоративным пейзажам Ивана Шишкина, Виктора Васнецова, Михаила Клодта, Алексея Саврасова, Виктора Борисова-Мусатова, Исаака Левитана и ряда других серьезных живописцев 19 века протянута нить жанра, в котором воплотились искания особой эстетической концепции, связанной с национальной идеей. Историк и писатель Феликс Разумовский попытался кратко сформулировать задачу, стоявшую перед русской культурой 19 века: «… вспомнить и вернуться к тем идеям, к тем понятиям, которые были потеряны в результате неудачной русской европеизации. Вот это шла колоссальная работа по самопознанию, по проникновению в то, что является сутью России. И конечно на этом пути изучение и попытка постижения того, что называется русской землей и русским «пространствопониманием» - это были важные вещи».

При всем множестве художественных направлений и выразительных средств именно в пейзаже раскрывался смысл русского пространства при всей условности определения «русское» в многонациональном государстве. Именно в пейзаже загадочная русская душа могла проявиться в щемящее-пронзительном настроении, навеянном сменой времен года, погодными условиями, мгновенным состоянием природы. Природные образы приобретали символическое звучание, становились определяющими для художников-представителей региональных художественных школ. Широкое поле, дорога, храмы, а в 20 веке индустриальные объекты, отдаленные, вновь обживаемые территории выходили за рамки художественного образа и превращались в фрагменты бытийной картины.

 Советский период содружества республик раздвинул понимание территории, мыслимой как пространство общего существования: Прибалтика или Грузия были одинаково советскими, если не вдаваться в тонкие нюансы взаимоотношений. К тому же культивировался опыт совместных пленэров для художников разных республик, поездки в Дома творчества Академическая дача им. И. Е. Репина в Вышнем Волочке, «Челюскинская» в Подмосковье, «Сенеж», им. К. Коровина в Гурзуфе. Это были возможности не только профессионального обмена опытом, но и постижения специфики конкретного места, на время поездки становившегося общим домом. В работах художников разных поколений воплощались специфика конкретной местности: особые свет и цвет, характер природы, детали, определяющий уклад жизни, особенности истории.

Позже впечатления от поездки ложились не только в основу пейзажей, но определенных творческих линии и метода. Так, в приморской живописи после поездок на Академическую дачу им. И. Е. Репина в 1960-х годах появилась тема села и особого уклада жизни, связанного с традиционным крестьянским опытом, тема пейзажа материковой части Приморского края, отличной от экзотической природы побережья. Строительство Байкало-Амурской магистрали, освоение северных территорий, поездки на Курильские острова на рыбообрабатывающие заводы дали линию эпического пейзажа в приморском искусстве.

Ситуация 1990-х, казалось бы,  в корне изменила понимание единой страны. К тому же, в искусствоведении сформировалось определение региональных художественных школ, развившихся во второй половине 20 века и воплотивших  специфические черты, связанные с характером конкретной территории: живопись Приморского края – в этом ряду. Художник Побережья, ощущение причастности к дальневосточным рубежам, отдаленность от центра России и в то же время близость азиатских стран… Казалось бы, акценты сместились бесповоротно… Однако, художественный опыт последних лет говорит об обратном. И нынешняя выставка – красноречивое тому подтверждение.

Так, в ходе недавней творческой поездки в Санкт-Петербург начата серия работ Е. Макеева, посвященная Невскому «пятачку», плацдарму, находившемуся на левом берегу Невы, политому кровью воинов, защищавших родную землю. В серии работ А. Эпштейн запечатлена экзотика Баргузинской долины. В крымских пейзажах Е. Пихтовникова явлен неповторимый цвет этих мест. В материале, созданном в последние годы, не звучит тема имперского величия страны, занимавшей одну шестую часть суши. Есть отчетливое ощущение надвременности, которое рождается от пейзажей средней полосы России с маковками церквей, излучинами рек, неброскими перелесками.

Вместе с тем, произведения выставки, созданные в 1960-2017 годах, объединяет одухотворенность чувством и размышлениями, ощущением причастности к России.

   

Ольга ЗОТОВА,

кандидат искусствоведения,

член «Союза художников России»

Путешествие по России коллективная выставка Владивосток

Рождественская выставка

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Рождественская выставка 2017 года является совместным проектом Приморского отделения Союза художников России и выставочного центра Администрации Владивостока «Артэтаж» и откроется 26 декабря 2017 в 17 часов в залах Приморского отделения Союза художников России по адресу: Алеутская, 14а и 29 декабря в 17 часов в залах выставочного центра «Артэтаж» (Океанский проспект, 9).

Рождественская выставка является традиционной. Она открывается в конце года, чтобы подарить зрителям праздничное настроение в канун самых ожидаемых праздников – Нового года и Светлого Рождества Христова и всего периода новогодних каникул.

В живописи, графике, декоративно-прикладном искусстве авторы воплощают всеобъемлющую идею обновления, с которой всегда связаны наступление следующего года и Рождество. Она прочитывается и является объединяющей в произведения разных жанров, выполненных в различной стилистике. 

Этой выставкой художники продолжают традицию, заложенную в Приморском крае мастерами кисти еще в дореволюционный период. В это же время подводятся итоги года уходящего. Этот год был для Приморской организации Союза художников России интересным и насыщенным арт-проектами в России и за рубежом. В их числе большая международная выставка «Художественный текстиль», выставка-конкурс «Арт-Владивосток», объединившая молодых художников разных стран, межрегиональная выставка «Урал, Сибирь, Дальний Восток», прошедшая в Новосибирске и выставка, посвящённая 85-летию Драматического краевого театра им М. Горького. «Артэтаж» представил зрителю не менее интересные проекты, ряд которых был осуществлен в рамках Владивостокской международной биеннале визуальных искусств.

 

Выставка продлится:

по 14 января 2018 года (в залах ПО «Союз художников России»)

по 21 января 2018 года (в залах «Артэтажа»)



Рождественская выставка Приморское краевое отделение ВТОО "Союз художников России" Артэтаж Владивосток

Персональные выставки Владимира Олейникова и Виталия Медведева

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

Персональные выставки Владимира Олейникова (акварель) и Виталия Медведева (живопись) проходят в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» по адресу: Алеутская, 14а

Экспозиции разных двух удивительно одаренных приморских художников самостоятельны и в то же время объединены общей идеей, которую один из авторов, известный мастер акварели, Владимир Олейников определил как «Земля художников». Это абсолютно логичная формулировка для основателя известного в Приморском крае творческого движения «Дом Пришвина», основной задачей которого является формирование чувства причастности к родной земле. 

Это чувство побуждает Владимира Олейникова вновь и вновь отправляться знакомым ему маршрутом по пригородам Артема, Шкотовскому району, Приморскому краю. Красота приморской земли, поразившая в свое время М. Пришвина, отображена в изящных акварелях, полных созерцательного настроения и глубокой любви к малой Родине.  В. Олейников пестует это чувство, бережно прикасаясь к истории этих мест, что проявляется в названии работ: «Небо над Батальянзой», «Высокое небо Майхэ». Старые имена рек, использующиеся сегодня только старожилами, отсылают к прошлому, включающему опыт поживавших на этой территории людей. Художник пишет морозное утро, речные перекаты, покрытые инеем поля, деревенские дома, мартовские проталины - любой мотив у него приобретает поэтичность. Воздушность, прозрачность, чувство формы и цвета – качества, которыми отличаются работы В. Олейникова.

В живописи В. Медведева также большое место занимает пейзаж. Но в новую выставку, которая приурочена к 50-летнему юбилею художника, включены сюжетные композиции, в которых нашла отражение жизнь человека глубинки, связанного с трудом на земле, с особым мироощущением, рождаемым связью со своим домом, со сменой времен года, с натурой, которая является не постановкой для очередного натюрморта, а привычной для художника средой. В этой ситуации абсолютно логичным является следование художника традициям русской школы живописи.   

 

Выставка продлится до 24 декабря


Владимир Олейников Виталий Медведев акварель живопись Владивосток

«Страна Фантазия»

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

В среду, 15 ноября в 15-00 в здании Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» по адресу: ул. Алеутская, 14-а, состоится открытие городской выставки – конкурса «Страна Фантазия». На выставке будут представлены работы учащихся детских художественных школ и художественных отделений школ искусств г. Владивостока.

Открытие выставки стало возможно благодаря поддержке Администрации города Владивостока.

 Тема выставки «Страна Фантазия» - свободная, интересная и творческая, не ограничивающая яркую фантазию детей. Участники – ученики от 5 до 11 лет. Дети способны создавать особый мир Фантазии – красочный, образный, восхитительно целостный и выразительный. В нем – невиданные растения, здания, животные; в нем – буйство красок и трогательное, нежное отношение к окружающему.

 Мир детской фантазии огромен и многообразен. Из мечтателей о розовых слонах вырастают художники, скульпторы, писатели, дизайнеры, ученые, режиссеры и многие другие. Маленькие художники изобразили все, что волнует их сердца. Работы были выполнены в различных техниках: живопись, графика, есть коллективные работы.

За время подготовки к выставке - конкурсу ребята выполнили порядка трехсот композиций, из числа которых на суд зрителей и жюри были отобраны самые яркие и удивительные произведения.

Несомненно, эта выставка - конкурс для многих наших участников станет первой ступенькой в волшебный мир изобразительного искусства, подарит уверенность в своих силах, волю к победе, и, конечно, первую награду! Приглашаем всех желающих посетить нашу выставку.

 

Выставка продлится по 3 декабря 2017


Страна Фантазия маленькие художники Владивосток

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО ДАЛЬНЕГО ВОСТОКА

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Исключительно важной является проблема значения прошлого для настоящего. Полнота жизни открывается только в неразрывной связи прошлого и будущего, в осознании себя в потоке истории.  С этой точки зрения выставка «Урал, Сибирь и Дальний Восток» имеет большое значение: с одной стороны, она дает полновесное представление о современном срезе изобразительного искусства регионов, с другой демонстрирует стремление оценить сегодняшние процессы относительно истории. Это заявлено организаторами и в посвящении выставки конкретным датам, и в материале, представленном художниками. 

Тяготение к ретроспекции, показателем которой, безусловно, можно считать и стремление к объединению художественных сил (о необходимости консолидации говорилось и на 11-й региональной выставке «Дальний Восток» в Комсомольске-на-Амуре в 2014-м, и на выставке «Сибирь-Дальний Восток» в Красноярске в 2015-м, и в связи со значительно возросшим количеством передвижных и совместных выставок художников разных регионов), свидетельствует о понимании историчности времени как эстетической категории. В прошлое  - к истории большой страны, к идее, движущей искусство, - все более внимательно вглядываются художники, желая обрести новые точки опоры. Тому есть несколько причин,  одной из которых является смена поколений в искусстве:  сегодня в художественную жизнь приходят те, чьи эстетические и ценностные мировоззрения формировались в постсоветское время (их работы представлены в экспозиции и каталоге).  Вторая причина - желание оценить с  точки зрения сегодняшней  творчество художников предшествующих поколений.  Чуть более полувека отделяет день нынешний от проведения 1-й зональной выставки «Советский Дальний Восток». Очевидно, что за этот период в отечественном искусстве сформировался  мощный  синтетический пласт, напитанный мироощущениями людей, населяющих эти земли.  

В этой ситуации материал, представленный дальневосточными авторами, интересен не только  как многогранная и сложная картина исканий, отражающих жизненные реалии, но и как модус времени. Тематический и жанровый диапазон, свобода в выборе  формы и средств воплощения  говорит  о широте  художественных интересов и возможностей.

Впервые за последние годы в искусстве Дальнего Востока, представленном на масштабной выставке, пейзажный жанр оказался отнюдь не доминирующим.  На первый план вышла сюжетная композиция, в которой отражаются и философски осмысляются и события прошлого, и современная действительность. 

Полифонично звучит тема памяти, исторических судеб России в самом широком смысле: А. Авдеев в семейном портрете продолжает тему рода, к которой уже обращался ранее. Ю. Аксенов восстанавливает драматизм предреволюционных событий в  веере лиц Николая-2, царевича Алексея, Распутина. Ю. Громова обращается к ассоциации возрождения страны через метафору «колокольный звон-слово».   Тема испытаний войной звучит у  А. Горового через мотив окна с узнаваемыми бумажными перекрестьями и охранительным символом-иконой. В. Галактионов интерпретирует тему истории как ревизию памятника вождю мирового пролетариата – символу революции, перевернувшей порядок на одной шестой части суши: буквальная проверка на предмет сохранности трансформируется в символический акт ревизии смыслов. Тема памяти о Великой Отечественной войне тонко раскрыта у  А. Жирковой в сопоставлении черно-белой  фотографии на полке, контрастирующей с ярким светом майского дня.  О. Подскочин прибег к многофигурной, сложной масштабной форме-триптиху, представив окаянные дни революции как свержение христианской идеи (идеи нравственной) и погружения мира в пучину хаоса. Фигура И. Бунина отсылает зрителя к дневнику писателя, отразившему революцию как национальную катастрофу апокалиптического масштаба. В. Хрустов обращается к теме заселения дальневосточных земель русскими, ставшего отправной точкой процесса освоения, сначала физического, а позже, в том числе через образный ряд в художественных произведениях, ментального.

Различные аспекты бытия отражены в другой группе произведений.  Бытийность здесь можно сформулировать как систему нравственных ценностей, духовную интуицию, позволяющую творческой личности быть выразителем  явлений жизни социума. Многостилевое и многосмысловое, с отсылом к различным эпохам и национальным культурам, это искусство наполнено ассоциациями и метафорами. С точки зрения формальных и  стилистических качеств это очень богатый и многогранный материал, трудно поддающийся обобщению, в котором есть место живописному эксперименту, стилевому разнообразию – от лубка и мотивов наивного искусства до фотореализма и абстракции – и их вариациям. Все это говорит о способности к интерпретации темы, фантазии, сложном  контекстном мышлении, порождающем яркий художественный образ.  В этот ряд вошли произведения К. Кузьминых, И. Бутусова, С. Горбачева, Е. Макеева, В. Антонова, А. Арсененко,  Ю. Быкова, В. Ворошилова, Н. Давыдовой,  Л. Козьминой,  А. Марченко, А. Левашова,  М.Холмогоровой, А. Павленковича, Г. Петрова, И. Обухова, О. и И. Никитчик,   Н. Саяпиной,  М. Уваровской, А. Чечуги, А. Шиверских, О. Шипиловой, Н. Вагина, О. Павленкович, В. Цапа и других авторов.

Современным парафразом темы «пляски смерти», некогда служившей лейтмотивом западно-европейской культуры, звучит триптих Е. Макеева «Тайная вечеря». Религиозный мотив прочитывается и в сюжетике – памятование о смерти, и в выборе средств воплощения: живопись на дереве, подобно иконному писанию, наделена особыми энергией и смыслом. Поисками христианских основ проникнуты «Бумажный ангел» А. Арсененко, «Спаси и сохрани» А. Павленковича.  

К теме времени обращается в «Автопортрете с жар-птицей и молодильными яблоками» М. Холмогорова, тонко обозначая фольклорный подтекст в узорочье платка и райской птице. Эту же тему  Н. Давыдова раскрывает через сопоставление возрастов ребенка и пожилого человека, в котором воздушные шары читаются метафорой летящего времени. Осень жизни подчеркнута в образе женщины в работе А. Левашова «На заслуженном отдыхе». Мотив Ars Longa  воплощен в работе «Учитель рисования» Г. Петрова, где личная судьба художника прочитывается как фрагмент истории искусства.

Наднациональный характер обретает сюжет работ С. Горбачева и И. Бутусова. Античная история похищения Европы через героев комедии дель арте трансформируется в историю утрат. Поступательное движение сезанновского Арлекина сменяется изломанностью линий персонажей в узнаваемых ромбовидных трико. Музыкальным ритмом пронизан «Тройной концерт» И. Бутусова, где обнаженность музыкантов служит метафорой обнаженности души, воспринимающей музыку как высшее откровение.    

  В неофициальных  символах территории воплощают образ места в работе «Последний шаман»  К. Кузьминых, «Камлание на удачу» И. Дункая, «По золотому песку» Л. Козьминой, «На дальних островах» И. Никитчика,  «Чайка» О. Никитчик. Если ранее в связи с этими работами было бы уместно говорить о философско-мировоззренческих особенностях дальневосточной живописи в целом, то сейчас речь идет о более конкретном прочтении понятия  genius loci. К. Кузьминых следует выбранному им ранее стилистическому решению, персонифицируя северный образ (в выставке «Сибирь-Дальний Восток» была представлена работа этого цикла «Исчезновение») через точно детализированный костюм. Один из главных атрибутов шамана  эргивлен, создающие бряцание во время камлания колокольцы, металлические диски толи, бубен  подчеркивают архетипичность фигуры шамана, являющейся главным изображением, сопровождаемым антропозооморфными фигурами. В произведении, созданном как полиптих, полифонично звучит тема исконной культуры северных народов, связанной с их традиционными представлениями  о мироустройстве, религиозными верованиями.   Смысловой парой этому произведению служит работа И. Дункая, последовательно раскрывающему в своем творчестве образ удэгейского народа.   Л. Козьмина,  И. и О. Никитчики, Е. Ткаченко  формируют другой образ – образ дальневосточного побережья, мифологизированный и приобретший устойчивые черты в региональном искусстве.     

 Теплым чувством и лирикой пронизана тема детства в работах А. Васильева, Е. Ефремовой,  В.  Ребика,  А. Марченко. В детском портрете, сюжетной композиции  воплощено хорошее,  светлое начало радостной в жизни человека поры.

Следует отметить, что в целом портретный жанр немногочислен и вместе с  тем, интересно представлен помимо уже названных выше авторов работами В. Красникова «Казак»,  В. Кравчука «В Якутске 49», Н. Николаевой «Зима. Площадь Ленина», В. Савиной «Портрет Ники», Л. Слепцовой «Портрет Анны Зверевой»,  А. Суслова «Портрет художника В. Цоя», М. Фролова «Китайская еда».   В портретном решении выражены характер и эмоциональное состояние персонажей, творчески проработан характеризующий героев антураж.

Линия, цвет, ритмика, пластические качества живописи выходят на первый план в работах С. Дробнохода, А. Филатова, В. Шапранова, Ф. Морозова, Г. Арапова, Б. Косвинцева,   В. И А. Мягковых, Н. Гончаровой, В. Ф. Косенко, В. Погребняка, А. Шалагина.  Авторы предлагают сложный ассоциативный ряд,  рассчитанный на сопереживание, диалогическое восприятие, мыслительную реакцию зрителя.  Античный мир и чувственный образ влюбленных, детский наив и зной летнего солнца,  стремительность движения и экспрессия цвета – таков живописно-образный диапазон.    

Стремление живописцев выразить свой внутренний мир через предметный ряд воплотилось в натюрморте. Удивительно разнообразными пластическими и колористические решениями отличаются работы Э. Васильева, Н. Попович,   М. Пихтовниковой, А. Деревниной,  С. Клипинина,  Б. Стародубова, В. Тришкина, Д. Шошиной. Предметный мир представлен во всем его богатстве и возможности увлечь художника в область поиска цвета и формы. Авторы прибегают к сложной композиции, расширяют привычные границы жанра, добиваясь интересных эффектов.    

Отдельно  хотелось бы сказать об ощущении, которое рождается от исключительно самобытного, яркого, обладающего специфическими устойчивыми чертами  искусства Якутии.  В этом тексте уже были названы отдельные авторы  в связи с той или иной темой или жанром. Но в данном случае подчеркнем национальный колорит, отраженные в произведениях искусства особенности культуры и жизненного уклада. Это выражено в том числе и вербально: в названиях ряда работ используются якутские слова:  «алгыс», «мунха», «суор уоруутэ», «кыдымаhыттар». В произведениях А. Бочкаревой-Иннокентьевой, Д. Бойтунова, Н. Иннокентьева, М. Иннокентьевой, М. Захарова,  С. Колесова, И. Корякина, М. Лукиной, И. Николаева, Г. Окоемовой, О. Скориковой,  Э. Степановой, Ю. Спиридонова, М. Старостина, А. Ушницкой, А. Чикачева проявлен особый мир человека и окружающей его среды, находящихся во взаимосвязи. Использование авторами фольклорных мотивов выдает глубокое знание национального эпоса, символических знаков, сформированных многовековой традицией. Даже модернистская линия отдельных произведений опирается на национальный эстетический опыт уникальной культуры.

 Развитие пейзажного жанра в дальневосточном искусстве отличается определенными закономерностями. Этот жанр имеет свою специфику, связанную с особенностями территории  и поразительным своеобразием природы. Регулярные пленэрные поездки в разные места – от морских заповедников до самых отдаленных таежных уголков, островные территории – дают богатейший материал, который говорит об особой ментальности живописцев, так называемом пейзажном мышлении эпического характера, свидетельствующем о способности увидеть, прожить и художественно осмыслить окружающее пространство. Для них пейзаж - это возможность самовыражения, демонстрации профессиональной состоятельности, путь для проверки творческих методов и поиска новых. Живописная свобода, широкий диапазон колористических решений, художественных приемов, композиционных построений – эти качества отличают пейзажный жанр, отражающий масштаб огромной территории и передающий ощущение космоса тайги и океана.

В произведениях живописцев старшего поколения А. Афанасьева, В. Серова, В. Торгашина,  П. Елизова, В. Лаханского, А. Плешивцева, Ю. Степанова и более молодых авторов А. Антипиной, С. Базовкина, В. Белых,  В. Близнюка, А. Галинова,  Де Сон Ен, С. Казаряна, Л. Кореневой, С. Крюковой, О. Папузина, Н. Троегубовой, П. Степанова, Ю. Степанова, И. Федтова открываются панорамы заливов, сопки, вулканы, островные леса с узнаваемыми по характерному рисунку ветвей хвойными деревьями. Художники запечатлевают космический масштаб природы. В 1970х годах термин «космизм» употреблялся в региональном искусствоведении применительно к творчеству художников Шикотанской группы (к слову говоря, в этом году отметившей свое 50-летие). Тогда это был хоть и многочисленный, но отдельно стоящий отряд художников, чье творчество объединялось первичным опытом переживания впечатлений от натуры, приведшим к устойчивым образам и стилистическому единству. Их эмоциональный и художественный  опыт был переработан следующими поколениями. Сегодня этот космос, рассматриваемый в античной эстетике как мировой порядок, как совершенная форма, ощущается домом,   обустраиваемым художниками сообразно своему видению и подчас принимающим вполне камерные формы.

Материковая  природа открывается в пейзажах А. Братухина, В. Гуенка, В. Демченко, В. В. Косенко, В. Коровина, В. Кондратьева, Ф. Макарова, Г. Палкина, Ф. Павлова, Е. Пихтовникова, А. Петренко, С. Попова, В. Серебрякова, В. Сорокина, А. Тахаева, А. Ткаченко, И. Кочергиной. Надо сказать, что не всегда запечатлен Дальний Восток: творческие поездки в другие регионы России также дают богатый материал, который дает возможность сравнения с природой родного края.   

Отдельные работы вносят особую ноту в общее звучание. На протяжении многих лет С. Черкасов в живописи и графике работает в жанре городского пейзажа, посвященного Владивостоку. Его работы, благодаря изящным композиционным решениям и колориту, отличаются индивидуальным почерком.  А. Блажнов и П. Трач прибегают к картинному решению. Е. Демченко, О. Раевская пишут  пластически выразительный образ города. Ю. Наконечный  воссоздает фрагмент города, не существующий в настоящее время. Его образ вызывает ассоциации со старой открыткой.  Работающих в разной стилистике авторов объединяет  знание особенностей городской среды, внимание к деталям, тонко уловленное настроение.

В целом отряд живописцев на Дальнем Востоке  самый многочисленный, а их творчество является многоплановым и интересным явлением, отражающим синтез культур региона.

Дальневосточные скульпторы сегодня вынуждены работать в условиях минимизации этой области искусства. Практически не встречается скульптура монументальная. В основном художники обращаются к жанровой городской скульптуре, к камерным формам, находящим место в интерьере. Представленные произведения подчеркивают эту тенденцию. Работы из бронзы М. Ананеко, С. Казаряна с использованием камня, стекла, смолы отличаются эстетикой формы, пластической выразительностью. Скульптурные портреты В. Медведева и В. Чеботарева характеризуютсяя емкостью образа, тщательностью проработки формы.  В отсутствии  притока новых творческих сил и отсутствии генерального заказа состояние этой области искусства на Дальнем Востоке довольно сложное.

Разносторонне и интересно представлен раздел декоративно-прикладного искусства: керамика, изделия из кости и рога, дерева, кожи, бересты, художественные текстиль и стекло, эмали, ювелирные изделия и глиптика.

Косторезное искусство представлено изделиями таких мастеров как В. Вихлянцев, А. Вербицкий, А. Дикарев, С. Манига, Т. Олейникова, В. Похилюк (Магадан), Ф. Марков, В. Амыдаев, В. Капустин, Г. Родионов, М. Слепцов, Л. Соловьев, В. Соловьева (Якутия). Авторы  используют бивень мамонта, кость кита, клык моржа, рог лося, оленя, снежного барана, их сочетания с другими материалами. Представленная коллекция (фигурки рыбаков и охотников, животных,  персонажи японской мифологии, тематические композиции, предметы христианской символики)  отличается пластической убедительностью, выразительностью образа, знанием особенностей материала и умением их использовать. В жанровых скульптурных композициях присутствует сюжет, проработка деталей, психологическая достоверность.

Разнообразием авторских замыслов и высокой исполнительской культурой  отличаются произведения других групп декоративно-прикладного искусства. Керамика представлена произведениями М. Гуляевой, К. Гречанова, О. Николайчук, Ш. Шахназарова.  Ручная лепка, декорирование поверхности изделия, приемы обжига дают представление о полифоническом пространстве, соединяющем традиции разных территорий.

 Яркой образностью отличаются декоративные панно Н. Акишкина, Т. Погребняк, Е. Демиховой и Е.Шлык. Уникальны по сюжетике и колористическому решению батики Н. Хрустовой,  В. Захаренко и Л.Ожигановой.  Разнообразие в использовании материалов характерно для малой пластики М. Гуляевой, С. Прокопьева.  В эмальерном искусстве наряду с состоявшими мастерами работает новое поколение: глубина творческого замысла свойственна произведениям В. Леватаева, Е. Найденовой, М. Снигарь.

Удивительное разнообразие материалов и художественных решений, авторской фантазии (отражена даже тема революции)   отличает коллекцию ювелирных изделий, представленных А. и В. Бабуровыми, В. Волошенко, Н. Ермолаевой, Д. Москвиным, Н. Новиковым, А. Манжурьевым, А. Номар, Н. Пермяковой, И. Ткачевой. Драгоценные и полудрагоценные камни, дерево, жемчуг, стекло, полимерную керамику, золото, серебро используют авторы для создания высокохудожественных, обладающих индивидуальным стилем ювелирных изделий.

Подводя черту, хотелось бы заметить, что в кратком обзоре невозможен подробный анализ всей картины изобразительного искусства Дальнего Востока. В настоящий момент характерной тенденцией является обобщение приобретенного опыта, превращенное в многообразный и яркий язык, которым дальневосточные художники говорят со зрителем. Художественный горизонт этой территории широк: здесь есть сложившиеся традиции, славные имена, и в то же время стремление к новым открытиям, обусловленным свободой и жаждой творчества.  


Ольга Зотова,

кандидат искусствоведения, ответственный секретарь

Приморского отделения ВТОО «Союз художников России»,

доцент Дальневосточного федерального университета                                                                                                  


изобразительное искусство дальнего востока Урал Сибирь Дальний Восток

ПЛАСТИКА ВЕЧНОСТИ

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

В качестве девиза 1-го Международного фестиваля косторезного искусства—2017 в Магадане можно взять фразу из русского былинного эпоса «…дорог рыбий зуб, мудрены вырезы вырезано». Около тысячи произведений мастеров России, Казахстана, Китая, Украины, Белоруссии, Финляндии позволяют увидеть современное искусство резьбы по кости во всем его многообразии. Множество тем, мотивов, стилей и техник, соединение традиционных подходов и новых художественных трактовок говорит об эклектике в этом виде декоративно-прикладного искусства, оправданной временем и трансграничностью культур. С одной стороны, в ряде работ современных мастеров сохраняются традиции территорий, в которых косторезный промысел складывался столетиями, с другой – очевидно стремление к индивидуальному авторскому высказыванию, не связанному с определенным культурным кодом, к поиску новых тем и приемов, эксперименту.  В этой ситуации нельзя не отметить систематическую, целенаправленную работу магаданских художников по сохранению, развитию и популяризации косторезного искусства, воспитанию молодого поколения резчиков (в этом году в Магаданском колледже искусств открылось косторезное отделение), особую открытость и чуткость к новым тенденциям и профессиональным связям. Расширение в 2017 году масштаба фестиваля, состоявшегося в прошлом году в статусе всероссийского, до международного – еще один шаг в этом направлении.

Наиболее широко, ярко и разнообразно представлено косторезное искусство Магадана. Объединившая черты чукотско-эскимосской и европейской культур, Магаданская косторезная школа сформировалась в 1960-е, ее отличает узнаваемый стиль, заключающийся в пластической убедительности, законченности произведений, выразительной деталировке. Широта в выборе тем и персонажей, авторских приемов, владение материалом (резчики используют бивень мамонта, кость кита, клык моржа, рог лося и снежного барана, зуб кашалота, комбинируя их для создания целостных композиций с деревом, кожей, янтарем, агатом, кварцем, халцедоном, вулканической друзой), говорят о высоком профессионализме магаданских мастеров, хорошо знающих быт и культуру народов Крайнего Севера - чукчей, эскимосов, эвенов.

Представленные произведения магаданцев можно разделить на несколько групп по форме и содержанию. Тематически это фигурки животных и обитателей моря, пеликенов, образы коренных жителей Севера, сюжетные композиции, в том числе включающие сюжеты северного фольклора. Они воплощены в произведениях малой пластики, декоративных резных панно, вписанных в рог лося, рельефных композициях на клыке моржа. Работы А. В. Вербицкого, В. М. Вихлянцева, С. Ю. Воронова, А. Н. Губарева, А. С. Дикарева, А. П. Донца, А. А. Комарова, С. В. Мацокина, В. Н. Панкратова, Л. В. Пащенко, В. С. Пендюкова, Ю. В. Ханькана, В. Г. Шешукова, Л. Р. Щербакова отличаются цельностью, удивительно разнообразной пластикой, выявленной фактурностью материала.  Авторы тонко чувствуют его, используют особенности строения кости, комбинируя полированные и резанные поверхности, воссоздавая структуру шерсти животных, оперения птиц, одежды оленевода. Резчики добиваются особой выразительности: фигурки совушек, белых медведей (с традиционной подачей медведя, держащего в зубах пойманную рыбу), моржей, кабанов, оленей и других представителей земной и морской фауны дают представление о поистине безграничных фантазии и мастерстве авторов.

Малая пластика – и в отдельных предметах, и в объединенных сюжетом группах – позволяет художникам импровизировать и экспериментировать. В результате наряду с традиционными персонажами, пришедшими из чукотско-эскимосской культуры, появились фигурки львов, носорогов, дельфинов, драконов и других животных, что демонстрирует не столько восприятие художником окружающего мира, сколько способность эстетического освоения материала и использования его свойств. Так, в композициях А. П. Донца, А. С. Дикарева, С. В. Мацокина природный рисунок камня, используемого в качестве постамента, вызывает ассоциацию с поверхностью океана или льда, В. М. Вихлянцев тонко акцентирует янтарной вставкой выразительную по пластике скульптуру «Хариус», вводит цвет в фигурку «Ожидание», С. Ю. Воронов сочетает в одной композиции «Хариус» несколько видов кости, добиваясь высокохудожественного результата.

Убедительны, психологически точны, характерны образы охотников, оленеводов, чукчей (В. М. Вихлянцев, А. С. Дикарев, А. П. Донец, В. Г. Шешуков, С. И. Манига). Резчики избегают излишней деталировки, через обобщение черт давая представление о характере и жизненном укладе коренных жителей Севера. Исключение составляет персонифицированный образ представителя известной семьи оленеводов Ивана Коркопского (С. И. Манига). Отдельно хотелось бы отметить коллекцию работ этого автора, отсылающих к японской традиции миниатюрной скульптуры окимоно. Дайкоку, Шоки, Они, Эбису, Дарума и другие персонажи погружают зрителя в мир японской мифологии. Автор внимателен к особенностям мимики персонажей, к предметам одежды, орнаментике, и, вместе с тем, не вдается в подробную детализацию.

В. В. Похилюк обращается к европейской культурной традиции. В его произведении воплощен мотив христианской культуры. Тема распятия, трактованная как сцена, наиболее полно описанная в Евангелии от Луки и известная под названием «меж двух разбойников», решена в выразительной многофигурной композиции.

Особо хотелось бы отметить рельефную резьбу магаданских резчиков (А. С. Дикарев, В. Б. Духонин, А. А. Комаров, В. В. Московченко Т. П. Олейникова, Л. В. Пащенко, З. И. Эттувги), представленную серией выразительных, эмоционально окрашенных сюжетов. Рельефы отличаются продуманной композицией, грамотным разделением полей и острой характерностью, продиктованной сюжетом. Чаще всего это сцена с динамичным движением персонажей, организованным ритмом.

В целом магаданскую косторезную школу отличают уверенное развитие и способность к восприятию современных тенденций в этом виде искусства с направленностью к человеку, его внутреннему пространству.  В настоящий момент ее традиции продолжены в Москве такими мастерами как С. В. Логунова, И. П. Корченков, Н. В. Похилюк, В. А. Яценко. Они демонстрируют рельефную резьбу на бивне мамонта, гравировку на кости моржа, серию эстетичных, отточенных по форме фигурок животных и птиц.   

На протяжении нескольких столетий происходило развитие яркого, самобытного, обладающего уникальными чертами искусства холмогорской резьбы по кости. Ее отличают миниатюрность, тщательная проработка деталей, любовь к узорочью, удивительно тонкие ажурные орнаменты с традиционным цветочным мотивом, многократно варьируемым мастером, внимание к традициям европейского декоративного искусства. Холмогорская школа широко известна ларцами, шкатулками, настольными секретерами, рельефами, в основу которых легла книжная гравюра, и другими предметами роскошного обихода, декорированными костяными пластинами, сквозной резьбой, рельефными орнаментами. Традиции этой школы стремятся сохранить и развить в современных условиях мастера, в числе которых участвующие в фестивале М. Ю. Богомолов, В. Н. Воронков, Э. Л. Гурьева, С. Н. Катарин, А. А. Конан, А. В. Лысова, А. Б. Машина, О. В. Федухина.

В их работах акцентирована тема христианской резной иконы, имеющей глубокие традиции на русском Севере. Решение образа отличается строгостью, лаконизмом, проработанностью форм в «Пресвятой Богородице Казанской», «Николае-чудотворце», «Спасе» (М.Ю. Богомолов). Ажурный орнамент с растительным мотивом в «Георгии-Победоносце», «Соловецких чудотворцах» (С.Н. Катарин), «Образе пресвятой Богородицы Страстной» (О. В. Федухина) придает произведениям особую нарядность. 

Не меньший интерес представляет малая пластика («Лось», «Сова», «Лягушка», «Мышь», «Пудель» и др.) и декоративные изделия – бусы, кулоны, подвески, колье, броши. В первом случае авторы демонстрируют широчайший диапазон профессиональных приемов работы с материалом, дающих представление о ювелирном мастерстве. Во втором – в буквальном смысле приближают косторезное искусство к ювелирному, создавая коллекцию высокохудожественных украшений.

Несколько неожиданным продолжением традиций холмогорской резьбы является творчество резчика из Владивостока В. В. Хижняка. Он создает миниатюры из кости, работая в русле традиций сквозной резьбы, делая акцент не на приемах орнаментации, а на подчеркивании структуры произведения, что и продемонстрировано в представленной коллекции. Следует отметить, что Владивосток в нынешнем фестивале представляют 5 авторов. Их творчество развивается в русле интернациональной ментальности, соответствующей духу города.  Сложную, детализированную, тщательно выполненную гравировку по кости представляет А. И. Доленко, неоднократный участник международных выставок скрим-шоу. В своем творчестве он последовательно развивает тему истории парусного флота. В этой же технике гравировки по кости А. А. Горев разрабатывает серию экзотических образов (шаман, охотник) и животных. Также во владивостокской коллекции хотелось бы отметить миниатюры-нэцке А. С. Кузнецова и ювелирные работы И. Б. Обухова, отличающиеся цельностью формы и художественностью решения.

Белорусские мастера представили произведения, интересные с точки зрения современной интерпретации мотивов доисторического искусства. Декорирование рукоятей ножей гравировкой, рельефом отсылает к мезолитическим культурам Маглемозе, Комарницкой, когда человек впервые начал декорировать предметы обихода. Разнообразнейшая по тематике коллекция ножей (в числе прочих представлены ножи «Чкалов», «Байкер»!)  говорит о творческом потенциале А. А. Корзуна. К портретному жанру в малой пластике обращается А. Л. Сагалов: он создает образы конкретных личностей и типизированные изображения (вождь, мореплаватель), отличающиеся тщательной проработкой пластики портретируемых.

Интернациональным по тематике выглядит искусство резчиков Украины. Возникает мысль о присутствии здесь дихотомии «Восток-Запад», актуальной в современном глобальном культурном контексте. Мотивы европейской декоративной малой пластики (Г. П. Мудровская), персонажи фольклора (С. А. Полунин), серия окимоно, навеянная жанром сюнга (О. В. Стокоз), и японской мифологией (А. В. Шилов).  В целом авторов отличает профессионализм и фантазия в выборе темы.  

Мастера из Дудинки В. А. Бети, А. А. Поротов, О. А. Марченко, В. В. Ямкин представили косторезное искусство, имеющее на таймырской земле свои традиции. Утилитарные вещи для домашнего хозяйства, игрушки и украшения из рога и кости мамонта, а в советский период массовую сувенирную продукцию изготавливали таймырские резчики. На современном этапе они с одной стороны являются продолжателями сложившихся традиций (этому способствует Дом народного творчества в Дудинке, где в 1990-х была организована учебно-производственная мастерская резьбы по кости), с другой – находятся в поисках выражения авторской идеи. Так, в произведениях В. А. Бети воплощена эвенкийская тема. Им свойственно сюжетное начало («В западне», «Неопознанный объект», «Сезон зимней рыбалки»), некий психологизм образа («Неудачная охота»), чистота формы. Традиционным укладом жизни эвенов навеян ряд работ А.А. Поротова. Автор использует прием сквозной резьбы, ярусного построения в композиции «Беззаботное детство», прорабатывает детали костюма в фигурках «Молодой эвен», «Охотник». Коллекция работ О. А. Марченко интересна тем, что в ней представлены традиции разных школ. Период работы в Архангельске после окончания Ломоносовской художественной школы дал опыт усвоения черт косторезной традиции этой земли. Шкатулка, брошь, игольница отличаются ажурной резьбой, пластикой линии в орнаменте. «Заарканил», «Олень», «Рыбак» выполнены в другой стилистике: им свойственны лаконизм и чувство формы. Ажурность, чистота рисунка, сложная композиция, интересный сюжет отличают работы В. В. Ямкина.

Национальным колоритом насыщены работы мастеров из Казахстана. Представленные работы отсылают к древней истории этноса. Этимология названия нации, означающего «свободный, вольный, независимый», отражена в произведениях С. М. Баширова «Ветер-дерево», «Седло», «Млечный путь». Автор органично сочетает кость с металлом, добиваясь этим синтезом изысканного звучания материала. К. Бектас использует мотивы доисторического искусства в декоративном панно «История», также прибегая к сочетанию материалов, используемых в традиционной культуре казахов. Интересной орнаментикой и фантазией замысла отличается сувенирная серия К. Махамбета, изысканность художественного решения присуща ювелирным предметам А. Мукажанова.

Серия произведений из рога оленя камчатского резчика А. К. Адуканова отличается гармонией пластики, в которой передано движение танца, ход рыбы. Хорошо зная свойства материала, автор использует естественный рисунок фрагмента рога, что делает каждую скульптуру неповторимой.

Имеющее древние традиции, вобравшие культуру коренных народов Ямало-Ненецкой земли, современное косторезное искусство демонстрирует тенденции синтеза черт других сложившихся школ (чукотской, якутской, тобольской). Изделия мастеров отличаются достоверностью, следованием жизненной правде, этнографической точностью. Общей характеристикой представленного на фестивале материала является жанровое начало, яркая образность персонажей.  С. В. Аляба, Р. К. Бекшенев, А. А. Сотруев, С. М. Севли наделяют своих героев некоей повествовательной линией, в которой прочитывается веками сложенный образ жизни, связанный с охотой, рыболовством, ведением домашнего хозяйства. Персонажам присущи особая пластика, некоторая условность в проработке объемов. Орнаментация сувенирной продукции (С. В. Корольков) отсылает к традиционным древним орнаментам, напоминающим петроглифы. Обобщенный образ территории проявлен в серии фигурок «Сихитря» (Е. В. Салиндер). Маленькие люди Сихитря – герои ненецких преданий, живущие под землей, чьи голоса можно услышать в ночной тишине, олицетворяют национальную традицию.

Обобщенный образ современной территории заключен в работе «Земля Тюменская»: нефтяная вышка символизирует специфику промышленного развития региона, но вместе с тем сохраняется ощущение коренного уклада жизни за счет обращения к фольклорной линии.  Это решение лежит в русле художественных традиций тобольской школы косторезного искусства. К ним относятся продуманная деталировка, проработанность формы, определенное изящество, тяготение к северной тематике. Известная с XVII века, эта школа претерпела несколько стадий формирования, и сегодня в новых условиях сохраняет наработанное ранее. Одна из распространенных тем – камлания – воплощена в композиции С. М. Тимергазеева «Поющий бубен». Этот сюжет погружает в культуру исконных народов, населявших тюменскую часть Сибири, хантов, манси и ненцев. Форма бубна состоит из стилизованных птиц, задающих ритмическое движение. Сюжеты работ М. В. и С. М. Тимергазеевых, Н. В. Сониной, М. А. Кульмаметьева, И. В. Вишняковой свидетельствуют о знании авторами народного быта, о мягком юморе, с которым воспринимаются жизненные ситуации («Снежный бильярд», «Вороний праздник»). Связь с праисторией, в качестве которой в том числе может восприниматься народная сказка, намечена в работе М. В. Турышева «Чудо-юдо рыба-кит». Работы резчиков отличаются стильностью и высоким профессионализмом. В целом сегодня тобольские мастера стремятся сохранить самобытные черты косторезного искусства своей территории.

Большой самобытностью отличается искусство мастеров-косторезов Чукотки. Уникальность чукотской национальной культуры, круг традиций, мифологических и фольклорных сюжетов, верований воплощается в резной кости и гравировке. Это мелкая пластика из рога лося, клыка моржа и кости кита, гравировка на клыке моржа, пеликены, композиции в технике объемной резьбы и др.предметы, лаконичные и выразительные, в которых авторы используют обобщенную форму, нерасчлененный объем, основываясь на традициях национального художественного промысла. Фигурки животных и людей (шаман, пастух, мальчик с собакой), сцены из повседневной жизни, созданные мастерами-косторезами, погружают в особый мир образов, отличающихся достоверностью, дающих представление о жизни охотников и оленеводов. В этих образах органично связано прошлое и настоящее. Так, малую пластику А. И. Дьячкова и В. Е. Манасбаева отличает непосредственность, яркая образность, исполнительская культура малой формы. Сюжетная гравировка на клыке моржа, тонированная цветом (С. К. Комиссаров, Т. А. Печетегина) – одна из интереснейших страниц чукотского косторезного промысла. Своеобразный отсыл к ритуальным рисункам древности, которые являли собой рассказ в картинках, это искусство сегодня дает представление о самобытных композиционных приемах, которыми пользуются чукотские мастера, об интуитивном чувстве пропорций, о разнообразии тем и сюжетов, о стилистическом единстве с искусством предшествующих поколений. «Чукотка. Жизнь в тундре», «Чукотка. Удача морских охотников», «Сын чукотского народа», «Композиции-I, -II» можно назвать современным изобразительным эпосом, дающим понимание мира, в котором остается незыблемым сложившийся уклад жизни, хорошо известный авторам. Гравированные изображения отличаются прекрасным знанием пропорций, ритмическим построением общего композиционного решения.  В целом представленная чукотскими косторезами коллекция дает интересный срез современного состояния художественного промысла, в котором работают и опытнейшие мастера, и молодые авторы.

Косторезное искусство Якутии сюжетно, здесь часто происходит действие, что побуждает исследователей причислить ее к жанровой скульптуре малых форм. Продолжает оставаться актуальной тенденция тяготения к станковизму, скульптура компактна, не сильно расчленена, отличается вниманием к проработке лиц и элементов национальной одежды. Творчество авторов – представителей разных поколений резчиков дает понимание синтеза классической линии якутского искусства резьбы по кости и новаторских приемов, используемых молодыми художниками. К национальным мотивам обращаются в своих работах Ф. И. Марков, К. М. Мамонтов, В. Н. Амыдаев, А. В. Андреев, М. И. Аргунов, А. А. Винокуров, Д. Е. Ксенофонтов, Г. Н. Родионов, М. Н. Слепцов, воплощая образы национальных героев, типических представителей народа. «Танец солнца», «Чудовища озера Лабынкыр», «Удачливый рыбак», «Духи Саха», «Байанай», «Путь Айыы», «Хозяйка очага», «Конь у коновязи», «Рыбак Севера», «Лики весны» и другие произведения отличаются светлой эмоциональностью, ясностью композиции. Жанровая трактовка характерна для скульптурных групп «Подледная рыбалка», «Звездопад», «Дети Севера», «По родным просторам». В сценах использованы мотивы народного искусства, что делает композиции подкупающе искренними. Использование авторами гладкой шлифовки придает произведениям необычайное изящество. В ряде работ звучит тема национальных праздников – «Встреча солнца», «Чорон Ысыах», «Тюсюлгэ» и тема национального эпоса Олохно. Коллекцию, представленную якутскими мастерами, дополняют изящные украшения Н. С. Баишева, А. В. Боескоровой, А. А. Поноховой,

Дальнее зарубежье представлено авторами Финляндии и Китая, что, безусловно, делает визуальное лицо фестиваля более интересным. Серия работ из Финляндии (И. О. Лехтинен) отсылает к предельно обобщенным формам доисторического искусства, в которых несколькими штрихами совершенно точно передается образ и сущность животного.

Абсолютно иную линию представляют резчики из Китайской Народной Республики. Искусство резьбы и гравировки по кости в этой стране имеет глубокие корни. Это одно из самых ранних   направлений декоративно-прикладного искусства Китая, истоки которого уходят в неолитическую эпоху. Использование кости в изготовлении утилитарных и ритуальных предметов, украшений, кубков, малой пластики использовали мастера следующих поколений, достигнув в этом виде искусства необычайных высот. Блистательные шедевры резьбы по кости относятся к периоду Сун и Мин. Тонкая, подробная деталировка, рельефная резьба, гравировка по кости, тонированная цветом – эти и другие приемы используются и современными авторами. Ван Сяншань, Лю Фэнхай, Лю Цзэцзюнь, Хэ Дзинкай, Джоу Линюн представили коллекцию малой пластики, плакеток с рельефом на темы буддистской религии и гравированных плакеток с сюжетами традиционной китайской живописи.   

 

Подводя итог, хотелось бы сказать о том, что, современное косторезное искусство является тем уникальным пластом художественного материала, который дает возможность наблюдать развитие национальных традиций, идущих из глубокой древности. Не смотря на вызовы современной массовой культуры, оно развивается и наполняется новыми импульсами. Это особенно ценно, когда все более актуальным становится неповторимый опыт конкретной территории, ее этноса, ведь именно они делают культуру уникальной. Фестиваль в Магадане дает возможность наблюдать тенденции косторезного искусства во всем его многообразии и богатстве.

 

Ольга Зотова

кандидат искусствоведения,

доцент Школы гуманитарных наук ДВФУ,

член ВТОО «Союз художников России»


Косторезное искусство Международный фестиваль Магадан

ЖЕНЩИНА КАК ЗНАК БЕСКОНЕЧНОСТИ

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА
   

    Последние лучи империи, как свидетельствуют предания, гаснут на океанских берегах. Солнце новых варварских времен уже стояло над руинами столиц, а отблеск былой славы все еще мерцал и не хотел угасать на окраинах, где трагическое величие и ясная красота империи превращались в пепел воспоминаний. Но смерть империй освобождает место для мифов, им суждено пережить поколения и поколения, чтобы однажды – кто знает - вновь обернуться настоящим. Именно с дальневосточных берегов, где обрывается христианский мир и дотлевает советский, если встать лицом к закатному западу, можно отчетливей всего увидеть багровые очертания великих цивилизаций, империй и эпох: Рим, Византию, Средневековье, Возрождение…. И Олег Подскочин, пожалуй, единственный художник русского Дальнего Востока, наделенный подобным зрением.

   Вот уже на протяжении нескольких десятилетий он с поразительной энергией и фантазией создает створки своего живописного алтаря, где мировая история, религия и культура интерпретируются в самых причудливых формах и образах. При беглом взгляде на его работы, где рядом с героями античной мифологии соседствуют ветхозаветные пророки и цари, а также реальные персонажи европейской истории, может появится впечатление, что художник попросту эскапист, без оглядки бегущий от современности и усердно воздвигающий вокруг себя башню из слоновой кости. Может быть это и так, только с этой самой башни открывается вид на ландшафт, доступный, пожалуй, только с Вавилонской башни Питера Брейгеля, - это ландшафт мировой культуры. Так что в случае с Подскочиным речь идет, скорее, не о бегстве, а о возвращении, путешествии по магической карте искусства, которая разворачивается накрывая и современность тоже.

    По словам самого художника, в Иркутское художественное училище он попал случайно, потому поначалу все не ладилось – ни подлинной страсти к рисованию, ни хоть каких-то успехов. Озарение пришло во время обязательного копирования античных гипсовых слепков – и это удивительно, поскольку штудирование гипсов - всякий художник это подтвердит - самое ненавистное занятие. В судьбе и творчестве есть моменты, которые невозможно объяснить внятно и логично, но, видимо, именно тогда произошел его контакт с параллельной вселенной, где воедино слиты история, миф и искусство. Историю он любил с детства, и до сих пор она остается для него заветным Эльдорадо, а мифология и искусство – те маршруты, по которым он совершает свои экспедиции, чтобы вернуться оттуда с новыми произведениями и замыслами.

    Как-то в интервью он так сказал об этом: «Одно из важных качеств художника — отпускать свое сознание гулять по страницам истории…» И добавил: «А вообще, современность как таковая меня не интересует. Мне больше интересны слова «Клавдий, я тебя люблю», которые нашли на стенах Помпеи». За этими иронично-высокомерными словами скрывается ясная мысль о том, что художника вдохновляют экзистенциальные герои и вечные их роли: любовь, смерть, предательство, верность, жертвенность… Или, выражаясь языком аналитической психологии Карла Юнга, Подскочин в своем творчестве имеет дело с архетипами, которые в истории всего лишь меняют формы и обличья, но не исчезают никуда, то есть всегда остаются современными.

    Но серьезная работа – с полным погружением в историю искусства, с поиском предшественников, на мировоззрение и творчество которых можно опереться, с обретением собственных сюжетов и личной манеры рисования и письма, началась в Дальневосточном институте искусств. Художник двигался в разных направлениях - от искусства Возрождения до мастеров маньеризма и высокого модерна, где его в равной мере могли притягивать и французские символисты, и немецкие экспрессионисты, и метафизическая живопись итальянца Джорджо де Кирико.  

    В сохранившихся картинах второй половины восьмидесятых годов прошлого века – уже сюжетных, с персонажами и сложной композицией, выразительно воплотились технические навыки и художественные пристрастия автора, в частности, его увлечение живописью Ренато Гуттузо. Глядя, например, на «Автопортрет» 1988 года, лишний раз подивишься изобретательности и энергии, с какой написана вещь. Да и сам облик тридцатилетнего в ту пору художника вполне под стать манере письма – нервный, порывистый, в полном смысле слова мятущийся, как это и присуще романтическому герою, а качество живописи только подтверждает всю плодотворность этих метаний.

    Надо сказать, что Подскочин во все времена работал интенсивно, но никогда не торопился с персональными выставками, хотя произведения его выставлялись от Японии до Германии. Примечательно, что первая из них называлась «Постклассика» (1997) и напрямую заявляла о его преданности заветам классики, хотя сам темперамент автора, да и время перемен, грянувшее в стране в конце прошлого века, придавали его стилю экспрессивность, сюжетам – фантастичность, а в самом произведении всегда прочитывался философский подтекст, внутренне связанный с политическими катаклизмами и социальными судорогами современности.

    Впечатляющей по творческому накалу, широте исторического взгляда на Вторую мировую войну стала выставка «Призрак атаки» (2010), посвященная 65-летию Великой победы. Сам факт, что силами одного художника в новом веке была создана экспозиция, отражающая событие такого эпического и трагического масштаба, многое говорит об авторе. Любовь к истории и мифу, стремление осмыслить реальность именно в категориях классического искусства, причем в его имперском варианте, всегда подвигали его к живописи, которая была бы одухотворена философией и музыкой высокой трагедии.

    «Искушение святого Антония» -  пятая по счету персональная выставка художника, над которой он работал около десяти лет, и она стала на сегодняшний день самой масштабной, концентрирующей в себе многие мотивы и сюжеты автора, разработанные им исторические и мифологические метафоры, найденные композиционные и живописные приемы. Оглядывая в целом творческий путь Олега Подскочина, рискну сказать, что эта выставка, если и не opus magnum, то решительное движение в сторону самого грандиозного произведения художника. «Главное – это величие замысла» однажды сказал Иосиф Бродский Ахматовой, и это стало для них паролем. Величие замысла, похоже, вообще не оставляет Подскочина, когда он работает над холстами, форматы которых становятся все крупнее, темы пытаются охватить века человеческой истории, а сюжеты картин зачастую напоминают пьесы, где действует множество персонажей.

    Как это ни странно на первый взгляд, но именно академичность Подскочина, его вызывающая приверженность классическому канону на рубеже веков, когда постмодернизм, по сути, превратился в агрессивную идеологию и катком прошелся по современной культуре, его твердая позиция постклассика выглядели весьма экстравагантно. Он и вправду – художник эксцентричный, и главная тема новой выставки только подтверждает это.   

    Искушение святого Антония, начиная со средневековья, стало одним из самых популярных христианских сюжетов в европейском искусстве. История раннехристианского монаха и отшельника Антония Великого, испытуемого в пустыне дьяволом, когда ему пришлось бороться с различными соблазнами, среди которых искушение плоти видениями женщин, пожалуй, центральное, на века и вплоть до сегодняшнего дня завладела воображением художников. Как сказано в житии: «Не ослабевал окаянный диавол, ночью принимал на себя женский образ, во всем подражал женщине, только бы обольстить Антония». Если собрать в некоем виртуальном музее произведения на эту тему, то это будет галерея, потрясающая воображение не меньше, чем Апокалипсис, то есть Откровение Иоанна Богослова: Иероним Босх и Лукас Кранах-Старший, Маттиас Грюневальд и Сальваторе Роза, Сальвадор Дали и Макс Эрнст… Десятки знаменитых имен и картин, наполненных готическим ужасом, фантасмагорическими существами, сводящими с ума, и переживанием греха в самых изощренных эротических образах.

    Подскочин выбирает из всего этого умопомрачительного сонма чудовищ именно образ женщины, но помещает его в самый широкий исторический и мифологический контекст. На выставке порядка пятидесяти работ, причем многие из них больших форматов, а сами картины, словно созвездия, образуют отдельные циклы, собираются в диптихи и триптихи, перекликаются с произведениями предшественников и друг с другом, сводят в одном художественном пространстве исторических и мифических героинь. Женщина как воплощение плотского соблазна и греха – это всего лишь один из философских и художественных аспектов выставки, хотя эротического напряжения в экспозиции хватает.

    Выразительней всего греховная суть женской природы воплотилась, пожалуй, в двух картинах: «Нянечка» и «Сестра милосердия». Эти вещи действительно источают соблазн и похоть, но поданы автором в духе пародии на клише психоанализа, где медсестра и нянечка предстают непременными фигурантками всяческих сексуальных девиаций. Ирония и гротеск, столь свойственные многих работам художника, проявились здесь в полной мере. Это не грозные женщины мифа, возникающие в других произведениях выставки, управляющие царствами и народами, распределяющие жизнь и смерть, - это марионетки современной массовой культуры. Хотя, если взглянуть на них с точки зрения общей концепции Подскочина, их можно назвать и падшими ангелами, по крайней мере, так будет милосердней и честнее, поскольку рождены эти образы, как ни крути, мужским сознанием.

   В этой Галерее цариц – именно так называется одна из работ художника – кипят поистине шекспировские страсти, совершаются подвиги верности и мужества, преступления измены и предательства, льется кровь, героини умирают в одну эпоху и возрождаются в следующей уже с другим именем, поскольку миф, равно как и архетипы, бессмертны. Выставка так плотно набита экзотическими для сегодняшнего дня персонажами, художник так неожиданно импровизирует с легендами, мифами, историческими фактами, что экспозиция превращается в настоящий интеллектуальный лабиринт, в котором и голова может закружиться.  

    А ведь зритель сталкивается еще и с необычной живописной пластикой художника, с его сложно организованной композицией картин, где одновременно могут совмещаться разные исторические эпохи и разные пространственные планы. Подскочин, словно средневековый алхимик, смешал в своем стиле приемы маньеристов, символистов, экспрессионистов, добиваясь предельного эмоционального звучания. Отсюда деформированные фигуры персонажей, схваченные автором в момент наивысшей экзальтации чувств, драматизм загадочных сюжетов, оснащенных жутковатым набором сюрреалистических деталей, взять хотя бы холст «Мать Иоанна от ангелов», наконец, экспрессивный острый рисунок и полыхающий контрастный цвет.

    Что и говорить, путешествие по выставке может превратиться в эстетическое если и не испытание, то приключение. Живопись Подскочина, прямо нужно сказать, явление часто некомфортное для зрителя, но сильно задевающее, интригующее, вызывающее сильные и сложные эмоции. Его картины избыточны для современного зрителя, они барочны и в эстетическом, и в психологическом смысле, а некоторые свои работы он вообще превращает в мрачные мистерии, обращенные к глубинным пластам человеческой памяти и души.

    И вот здесь возникает чисто искусствоведческий вопрос, если уж им задаваться: к какому направлению можно отнести то, чем занимается Олег Подскочин, есть ли у него явные сближения с каким-нибудь течением, которые существуют в сегодняшнем мультикультурном пространстве? Тут можно вспомнить многое, хотя наклеить на его искусство какой-либо определенный ярлычок вряд ли получится. Подскочин, конечно, как художник существует в тотальном пространстве постмодернизма, с которым он кровно связан и одновременно находится к нему в оппозиции. С постмодернизмом его роднит безусловная культурная цитатность его искусства, когда едва ли не каждая работа представляет собой вариацию того или иного мифа, того или иного сюжета, закрепленного в культурных пластах, импровизацию на темы какого-либо художника, а то и писателя, философа. Например, диптих «Рыцарь, смерть и дьявол» сразу же отсылает к знаменитой гравюре Дюрера, но у Подскочина сюжет о верности рыцаря христианской вере, в котором женщины нет вообще, трансформируется, по сути, в средневековую балладу, где на пути рыцаря неизбежно появляется женщина.

    Это, собственно, и есть диалог с учителями и предшественниками, который часто превращается в игру с образами, в довольно эклектичный калейдоскоп артефактов, где Медея может соседствовать с Медсестрой, что и происходит на выставке. Постмодернистская ирония у Подскочина, о которой уже шла речь, прорывается то и дело, вполне возможно, против воли автора. Посмотрите хотя бы на обнаженную фигуру Беатриче из одноименной картины, на ее торжествующе-издевательскую улыбку, столь контрастирующую с образами Вергилия и Данте… Разве такую Беатриче мы встречаем в «Новой жизни» или «Божественной комедии», когда она встречает Данте в Чистилище и ведет его в Рай – нет, там перед нами предстает идеал, воплощенный в женском облике, существо ангелоподобное. Вообще, сложная смесь иронии, сарказма и пародии отличает манеру художника в целом, а отдельные работы в особенности.

    Но вместе с тем Подскочин, вопреки стратегии постмодерна с его деконструкцией, отменой «автора» и разрушением культурных ценностей, всячески утверждает эстетический канон, иерархию в истории искусства, где существуют незыблемые имена и произведения, стоит за сохранение художественных традиций, преклоняется перед личностью художника, в чьих руках ключи от художественных сокровищ мира – он и творец, он и хранитель. Вот почему его живопись при всех метаморфозах классических образов, которые происходят в его конкретных работах, неизменно строится на вечных темах и героях.

    Тут, учитывая все вышесказанное, может возникнуть справедливый вопрос: а нет ли в таком взгляде на искусство Подскочина противоречий? Конечно, есть, как и в работах автора. Современное искусство, в каких бы формах оно не представало, пронизано противоречиями. Противоречия внутри творчества отдельного художника зачастую определяют его индивидуальность и художественные достоинства работ, что и видно хорошо на выставке «Искушение святого Антония».

     Если же сузить безразмерное поле постмодернизма, то в связи с живописью Подскочина трудно не вспомнить такие художественные направления, как сюрреализм, магический реализм и фантастический реализм. Приемы сюрреализма, работавшего с подсознанием, снами и видениями, стремившегося к иллюзорной фотографичности изображения, давно уже растасканы в разные стороны и стали уже узаконенной классикой, более того, давно превратились в массовый китч. Пользуется ими и Подскочин, но всего лишь как одним из многих приемов, какие оставила нам история живописи. Магический реализм, привносящий нечто необычное и чудесное в обыденную действительность, тоже весьма далек от его творческого мировоззрения – Подскочин никогда не обращается к быту, он, как правило, оперирует символическими событиями и знаковыми фигурами.

    А вот фантастический реализм, особенно родившийся в рамках «Венской школы», где во второй половине прошлого века работали такие художники, как Эрнст Фукс, Рудольф Хауснер, Арик Брауэр и другие, во многом, мне видится, ему близок. И тем, что венские мастера стремились к совершенному владению классическими техниками рисования и письма, и тем, что темы черпали из религиозных и художественных источников, а также обращались к философским символам средневековой алхимии и трудам Карла Юнга, наконец, тем, что смотрели на мир сквозь фантастическую призму воображения. Хотя подлинным ориентиром для Подскочина, если брать современность, является немецкий художник Вернер Тюбке, живший и работавший почти до конца жизни в социалистической Германии. Абсолютный наследник мастеров Северного Возрождения, виртуозный рисовальщик и «композитор», то есть в совершенстве владевший сложнейшими композиционными приемами, живший и творивший в мире мировой культуры и собственного воображения, Тюбке многое объясняет в устремлениях Подскочина.

   Но давайте поближе посмотрим на героинь художника, что не так то просто, поскольку едва ли не каждая работа на выставке требует своего ключа, по крайней мере, исторического, художественного или литературного. Здесь, пожалуй, нет центральной героини, поскольку все женщины, к образу которых обращается автор, в европейской культуре сияют звездами первой величины, каждую окружает ореол мифов, легенд, а то и просто исторических сплетен. Художник выбирает героинь роковой и кровавой судьбы, которые в равной степени могут стать или великими жертвами, или великими убийцами. Образ этих женщин зачастую отражен во многих произведениях искусства, литературы, музыки и так вплоть до кинематографа, будь это ветхозаветная Юдифь, отрубившая голову ассирийскому полководцу Олоферну, чтобы спасти родной город, или римлянка Лукреция, убившая себя на глазах мужа, чтобы смыть с себя позор бесчестия, или Папесса Иоанна, женщина, занимавшая, согласно легенде, в IX веке папский престол и разоблаченная только после родов.

    Понятно, что художника привлекает не столько женский образ сам по себе, сколько тот культурный контекст, в который этот образ погружен. Ему нравится окутывать своих героинь в культурный шлей