ВЫСТАВКИ | СОБЫТИЯ

 

ВЫСТАВКИ | СОБЫТИЯ

ХУДОЖНИКИ

КОНТАКТЫ

Login

Картина и автор

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Первая выставка 2019 года в Приморском краевом отделении Союза художников России «Картина и автор» откроется 16 января в 17 часов по адресу ул. Алеутская, 14а.

Выставка посвящена одному из самых сложных жанров живописи – тематической картине. Этому жанру особое место отводит один из самых авторитетных теоретиков искусства Б. Виппер, открывая им главу о живописи в программном труде «Введение в историческое изучение искусства», размышляя о форме и содержании, в которых отображается сложная картина мира.

Художники разных эпох и стран писали масштабные полотна с определенной фабулой, сюжетным действием, запе­чатленным, как правило, в многофи­гурной композиции. Мифологические, исторические, библейские темы, сюжеты, наделенные гражданским пафосом, жизнь простых людей – разнообразие сюжетов не поддается описанию.

На художественных выставках жанр картины считался особо престижным (в отличие от натюрморта или пейзажа), так как по большому счету объединял в себе черты всех жанров. Ведь для того, чтобы «изобразить жизнь в форме самой жизни», нужно было быть и портретистом, и пейзажистом, и владеть искусством изображать мир предметов.

В 1930-е годы в отечественной художественной практике окончательно сложилось понимание сюжетно-тематической картины, как формы, в которой отображалась жизнь советской страны и человека, живущего в ней. Заказ на этот жанр поощряло государство, наиболее состоявшиеся полотна закупались для художественных музеев.

Понятие «художник-картинщик» означало наивысшую профессиональную квалификацию. В Приморском крае жанр тематической картины появился во второй половине ХХ века: исторические сюжеты легли в основу полотен И. В. Рыбачука «С. Макаров и В. Верещагин на крейсере «Петропавловск» и С.Ф. Арефина «Пржевальский в Уссурийском крае». Особое место картина заняла в творчестве художников Шикотанской группы. К 1970-м годам жанр тематической картины прочно занял свое место на краевых художественных выставках. К. Шебеко, А. Телешов, К. Коваль, С. Литвинов, Н. Жоголев и другие мастера писали полотна, которые надолго оставались в сердцах зрителей.

После 1990-х в художественной жизни произошли кардинальные перемены, в связи с которыми жанр картины практически стал исчезающим, как и герой социалистической эпохи. Художникам нужно было определиться в новых общественно-политических условиях и найти новые ориентиры и мотивы, нового героя.

Выставка «Картина и автор» включает тематические картины как советского, так и современного периодов. Это дает возможность увидеть жанр в его развитии. В экспозицию включены произведения из коллекций семей А. Телешова, К. Шебеко, С. Литвинова, Н. Жоголева, О. Никитчик, Е. Пихтовникова, а также коллекции галереи «Раритет».

 

Выставка продлится по 4 февраля 2019 года


Картина и автор тематическая картина коллективная выставка Владивосток

Персональная выставка Заслуженного художника РФ Николая Большакова

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

Персональная выставка Заслуженного художника РФ Николая Большакова, посвященная 80-летию художника, откроется в залах Приморского отделения Союза художников России 7 декабря в 17 часов.

Стаж в искусстве Николая Большакова более пятидесяти лет. И это делает его сегодня исторически интересной и значимой фигурой. Ведь его поколению судьба предписала творить в двух разных исторических эпохах - в советской и постсоветской.

Более сорока лет своей художественной деятельности Большаков связан с Приморьем. В нём показательно проявилась родовая черта наших живописцев, начиная с 1960-х годов, а именно, порыв поколения художественно осваивать Дальний Восток в творческих путешествиях. На многих выставках он вместе с товарищами расширил представление о советской родине за счёт никогда невиданных до этого в национальной живописи территорий -  Курил, Камчатки, БАМа. В то же время на фоне множества наших художников Н.Е. Большаков при общих с ними чертах «дальневосточности» выделялся на выставках коренными «большаковскими» свойствами своей живописи. Это обнаружилось в решительной склонности к весомой содержательности полотен, в желании нечто высказать в них через столь же содержательную живописную выразительность. Трудного единства формы и содержания классического образца он добивался целеустремлённо и успешно.

А за такой преданностью идеалу стоит незаурядный характер, уходящий корнями в древнюю почву. Большаков русский из русских по происхождению – он новгородский. Через почву его новгородской родины, веяния её древней истории, через её неистребимый дух христианства, – благодаря этому сложился духовно здоровый, нравственно крепкий внутренний мир Николая Большакова. А это могло повлиять на образы мира, творимые его кистью, особенно в пейзажах. Это не пейзажи настроения с их капризной переменчивостью эмоциональных мелодий, стенографией движения души живописца. Нет, что шикотанская панорама Тихого океана, что интимный уголок русской провинции – всё рождается из наслоений продолжительных созерцаний, из сосредоточенных любований избранных мотивов природы. В результате они очищаются на холсте от привкуса импрессионистической одномоментности «здесь и сейчас».

Пейзажное творчество Большакова отмечено следующей особенностью. Тематически оно распадается на две равные половины. Сначала он отдался с полной выкладкой общению с Дальним Востоком в первые двадцать лет творчества. А затем он сменил курс своих поездок на прямо противоположный. Последовали многомесячные выезды по городам средней полосы России, по Беломорскому Северу, на Соловки. И так год за годом, проявив одержимую целеустремлённость, богатырскую выносливость в полевых условиях многотрудных путешествий. Эти перемещения по лицу русской земли оказались по внутреннему своему смыслу паломничеством, откровением и открытием Святой Руси. На этот смысл непосредственным образом указывают холсты Большакова.

Его повлекло «на корень», в земли, на территории которых началось историческое бытие русского народа. Именно в такой большой содержательный контекст включены картины цикла, который по-горьковски можно было бы назвать «По Руси». Поразительно, что в таком содержательном ключе он начал работать ещё в советские, а значит – непримиримо атеистические времена.

Необъятный космос природы и столь же неисчерпаемый микромир человеческой души всегда были равно интересны Николаю Большакову. Пейзажист и портретист сосуществовали в нём на одинаково высоком уровне мастерства и своеобразия. Переходя от природы к человеку, Большаков никогда не ограничивался пейзажно-внешним взглядом на модель. Вы не встретитесь у него с персонажем, который «строился» бы извне, на чисто живописном впечатлении от человека. Его портретные герои являются в полотнах «весомо, грубо, зримо» с отчётливо выраженной телесной и душевной осязательностью. Это человечески самодостаточные люди, а не фантомы, производные из самовольных живописных концепций.

В своих циклах Н. Большаков обращается к теме средневековой истории (триптихи «Художники-иконописцы» и «Детство»), к острой теме русской деревни ХХ века, подвергшейся укрупнению («Брошенные деревни»), теме Гулага, непосредственно связанной с его собственной семьей.

Н. Большаков относится к числу дальневосточных художников, которых называют классиками на все времена. Его творчество олицетворяет время.

 

Релиз подготовлен по тексту Виталия Кандыбы

   

Выставка продлится до 23 декабря 2018


Николай Егорович Большаков персональная выставка Владивосток

Николай Егорович Большаков

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Любая персональная выставка живописца, независимо от его возраста, исподволь

подводит итоги. Но в молодости, в зрелости эти итоги промежуточные, уходящие

в прошлое. Художник не зацикливается на минувшем. Он весь устремлён в будущее,

заочно влюблён в свои ещё ненаписанные полотна. Живёт их предвкушением. Другое

дело – экспозиция, связанная с бриллиантовым юбилеем жизни. Именно такую

представил в Доме художника Николай Егорович Большаков. Из семидесяти пяти лет

прожитой жизни пятьдесят связаны с активной творческой и выставочной работой.

Полвека деятельности в изобразительном искусстве делают его сегодня исторически

интересной и значимой фигурой. Как, впрочем, и любого его сотоварища – ровесника

по Союзу художников. Ведь этому поколению судьба предписала творить в двух разных

исторических эпохах, которые взаимно соотносятся как эпохи до новой эры и нашей

эры. В советской и постсоветской. И оба эти периода есть общая для всех нас история.

Её частью является история художественной жизни России, Дальнего Востока,

Приморья.

Вокруг Большакова за полвека откристаллизовалось столько характерных

событий этой жизни, что он мог бы стать олицетворением типичной биографии

русского художника за указанный период. Давайте пройдёмся по его «бриллиантовой»

и по возрасту, и по историко-художественной ценности юбилейной выставке.

Воспользуемся её напоминаниями и проследим этапы поистине большого творческого

пути.

Вот уже сорок лет своей художественной деятельности Большаков связан

с Приморьем. А раз так, его однозначно можно определить как художника

дальневосточного. Тем более что в нём показательно проявилась родовая черта наших

живописцев, начиная с 1960-х годов, а именно, порыв поколения художественно

осваивать Дальний Восток в творческих путешествиях. Мы тогда наблюдали массовый

исход по всем направлениям Дальнего Востока и Сибири. Приморье будто стало

плацдармом в художественном освоении грандиозного региона Советской страны.

Именно тогда, в 1960-1980-х годах, произошёл поворотный момент внутри искусства

России вот в каком отношении. На всесоюзных, республиканских выставках навсегда

утвердилось творческое представительство художников-дальневосточников, образов

социума и природы Дальнего Востока как неотъемлемой части нашего Отечества.

В этом выдающемся по значимости процессе Большаков принял активное и самое

непосредственное участие. На многих выставках он вместе с сотоварищами расширил

представление о советской родине за счёт никогда невиданных до этого

в национальной живописи территорий. Кто в те времена не слышал о Курилах,

Камчатке, БАМе? Но одно дело отвлечённо знать. Другое – увидеть их воочию глазами

художника Большакова в красочных полотнах, в полнокровных образах его творческого

видения. Зрение, такова природа человека, в первую очередь удостоверяет для него

правду жизни, насыщает переживаниями её подлинности. Далёкое делает близким,

одухотворяет его, делая знакомым, потом привычным и наконец дорогим и близким

массам зрителей.

Сегодня, с расстояния пятидесяти лет, повседневная работа тогдашних

художников выглядит выполнением культуртрегерской миссии государственного

масштаба, сравнимой по значению с легендарными «стройками коммунизма»,

научными центрами Сибири и Дальнего Востока и т. п. Всем этим мы сегодня

пользуемся так, как дышим воздухом, не замечая, принимая как вечную данность.

Поистине, большое видится на расстоянии. И за этим большим открывается мощная

креативная сила Советского государства. Каждый тогда жил под давлением его

авторитарной мощи в статусе служения, кем бы он ни был, будь то на посту у Мавзолея или живописцем Большаковым в мастерской Союза художников в далёком Приморье.

Эта приобщённость к «общему делу» страны не была чем-то одинаковым для всех

до одного вроде работы на конвейере. Выстраивались и вполне индивидуальные

отношения художников с их единственно возможным работодателем – Советским

государством.

Заоблачные по своей отвлечённости постулаты социалистического реализма

содержали идеи безжизненные, недейственные. Они декларативно обращались ко всем

и никому в частности. Тысячи и тысячи, становясь членами Союза художников СССР,

обязывались тем самым по уставу исповедовать соцреализм. Но за всю жизнь,

сотрудничая с массой художников, я не встретил ни одного, кто бы сказал одно

или хоть полслова о соцреализме в связи со своей творческой практикой. Он выглядел

как привидение. Все знают, что оно существует, но никто не видел его воочию.

Разумеется, советские художники воздавали «кесарю кесарево». Кто же будет

отрицать, что у нас существовала и здравствовала прослойка официального искусства:

картины к красным датам календаря, историческим юбилеям великих достижений,

событий и великих людей Страны Советов? Но ведь в многократно большей степени

наши художники воздавали «Богу Богово» в искусстве. В этой области возникли

музейные шедевры русского искусства ХХ века на все времена. И это под эгидой

авторитарного Советского государства! На фоне такой коллизии – возможности

сосуществования официального (по госзаказу) и неофициального (от себя) искусства –

рушатся домыслы о сплошной идеологической завербованности художников,

об обязательности реализма для них, от оторванности от процессов развития мирового

искусства и т. д. и т. п. Так говорят люди, путающие научно-объективное исследование

с либерально-погромной публицистикой.

На фоне множества наших художников Н. Е. Большаков при общих с ними чертах

«дальневосточности» выделялся на выставках коренными «большаковскими»

свойствами своей живописи. И настолько, что на фоне сотен полотен зональной

выставки или экспозиции в Манеже он узнавался издалека, что называется, «с лёту».

Божий дар самобытного «своего» стиля при нём был изначала. Он сразу же заставил

воспринимать молодого живописца как оригинальную величину. И это впечатление

особости, единичности так и осталось навсегда попутным впечатлением,

сопровождавшим встречи с живописцем Большаковым.

Одним из составляющих элементов подобного впечатления для меня, тогда

молодого зрителя, было то, что он выглядел не усреднённым представителем некоего

направления в советской живописи, а выразительно русским художником. Это

обнаружилось в решительной склонности к весомой содержательности полотен,

в желании нечто высказать в них через столь же содержательную живописную

выразительность. Трудного единства формы и содержания классического образца

он добивался целеустремлённо и успешно. Мы любовались не просто одной живописью,

но и полнотой жизненности, которую она выражала.

Это остро чувствовалось на фоне массового жертвоприношения натуры ради

самоцельной формально-обострённой живописности, которому предалось поколение

шестидесятников. Появился своего рода модернистский реализм, замешанный

на посылах субъективизма. Молодые живописцы переживали детскую болезнь

левизны. И как её последствия возникали образы природы схематичные,

препарированные. Живопись для многих стала умозрением в красках, умением

абстрагировать природу. Этот обездушенный реализм не соблазнил Большакова. И это

был не консерватизм, а неколебимость убеждений. Роскошь иметь убеждения

и руководствоваться ими он позволил себе с творческой молодости. Он никогда не

приспосабливался к конъюнктурам творческой моды. Всегда выглядел «степным

волком», то есть держался в одиночку даже среди коллектива, а не стадно. Если плыл

в составе флотилии, то на своём корабле.

А за такой преданностью идеалу стоит незаурядный характер, уходящий корнями в древнюю почву. Он не просто россиянин по гражданству. Он русский из русских

по происхождению – он новгородский. И я подозреваю, что прозвание новгородца

для него равносильно аристократическому титулу. Это гордое, без гордыни,

самоощущение причастности к Великому Новгороду, к Новгородщине исподволь всю

жизнь духовно и творчески организовывало, внутренне направляло его.

Он сформировался как личность в искусстве изначала с Россией в сердце,

с творческими обязательствами перед нею. Он двинулся вперёд не налегке, а с грузом

императивов, а именно – пожизненно быть реалистом и, значит, служить народу и,

следовательно, быть гуманистом. Говорить в искусстве от народного «мы».

Только работая на уровне таких установок и убеждений, Большакову было

интересно стать творческим человеком. Ни разу он не впал в соблазн самодовлеющего

«я» модернизма. Разнузданная эгоцентричность и безответственность, попирание

красоты мира, бегство в потёмки субъективизма – эти атрибуты модернизма были

для него неприемлемы в творчестве, ибо оно из-за них переиначивалось

в антитворчество.

Как мне кажется, через почву его новгородской родины, веяния её древней

истории, через её неистребимый дух христианства, – благодаря этому сложился

духовно здоровый, нравственно крепкий внутренний мир Николая Большакова. А это

могло повлиять на образы мира, творимые его кистью, особенно в пейзажах. Я не могу

для них найти более подходящего определения, как образов Божьего мира.

Они исполнены и благодарности миру со стороны художника.

Это не пейзажи настроения с их капризной переменчивостью эмоциональных

мелодий, стенографией движения души живописца. Нет, что шикотанская панорама

Тихого океана, что интимный уголок русской провинции – всё рождается из наслоений

продолжительных созерцаний, из сосредоточенных любований избранных мотивов

природы. В результате они очищаются на холсте от привкуса импрессионистической

одномоментности «здесь и сейчас». Колористическая субстанция полотна уплотняется,

становится плотной, вязкой. Скорость потока времени замедляется, тормозится

или останавливается. Солнце становится источником света особого качества –

спокойного умиротворяющего сияния. Это своего рода иконы от пейзажа. В них

природа живёт по времени души художника. В подобных временных параметрах она не

кажется тем миром, в котором «всё течёт, всё изменяется». Напротив, Большакову

по душе эпическая лаконичность, конструктивная чёткость композиции, цветовой

строй пейзажей безошибочно организован по пятну. Ему важнее выявить сущное

начало, нежели преходящее и изменчивое. В результате даже от малых по формату

работ Большакова веет если не монументальностью, то духом монументальности,

как от классических храмов Новгорода, независимо от их величины. Однако Большаков

нейтрализует возможность появления в картинах впечатлений однобокой суровости

тех же новгородских храмов с помощью своего замечательного колористического

дарования. Огромная доля выразительности и притягательности Большакова-

художника таится в его живописном даре.

Под основой его классически благородной, жизненно наполненной живописи –

способность держать тон в ходе написания холста, то есть брать цвет всех предметов

с присущим им тоном в натуре. Благодаря этому цвета дышат, живут в пространстве

пейзажа и придают впечатлению от картины ощущение утончённости и правдивой

подлинности пейзажа.

Пейзажное творчество Большакова отмечено следующей особенностью.

Тематически оно распадается на две равные половины. Сначала он отдался с полной

выкладкой общению с Дальним Востоком в первые двадцать лет творчества. А затем

он сменил курс своих поездок на прямо противоположный. Последовали

многомесячные выезды по городам средней полосы России, по Беломорскому Северу,

на Соловки. И так год за годом, проявив одержимую целеустремлённость, богатырскую

выносливость в полевых условиях многотрудных путешествий. Эти перемещения

по лицу русской земли оказались по внутреннему своему смыслу паломничеством,

откровением и открытием Святой Руси. На этот смысл непосредственным образом

указывают холсты Большакова.

Его повлекло «на корень», в земли, на территории которых началось

историческое бытие русского народа. Именно в такой большой содержательный

контекст включены картины цикла, который по-горьковски можно было бы назвать

«По Руси». В пейзажах, как правило, даёт знать о себе второй план то явно,

то подспудно. Им является соприсутствие человека, выраженное опосредованно

следами его деятельности среди природы. Но главным сквозным мотивом этих работ

является христианский храм.

Как иероглиф с чётким смысловым значением, он то вписывается в панораму

сурового Севера, то вырастает среди суеты и тесноты провинциального городка.

Церковь выглядит то как извечный соглядатай этой скромной жизни, то как твердыня,

то как приют духовный среди пустыни. Все эти храмы не выглядят картинками

для туристов, как самодовлеющие памятники. Они никогда не выпячиваются, громко

и гордо не хвалятся древностью, не щеголяют красотой форм. Через цветовые,

светотеневые, валёрные отношения они вписываются, как пятно среди других пятен,

в цельный цвето-линейный узор полотна. А из этого возникает впечатление, что храмы

живут в обнимку с окружающим их житьё-бытьём людей и природы. Прошедшее время

в настоящем, история среди нас. Крестный ход церквей по Руси, их нестареющее

присутствие, органическая связь с днём сегодняшним, с нами грешными – вот

что открыл Николай Большаков для себя и для нас в своём паломничестве по Руси

изначальной.

Поразительно, что в таком содержательном ключе он начал работать ещё

в советские, а значит – непримиримо атеистические времена. Со стороны государства

духовная жизнь общества минимизировалась до культуры, искусства как единственно

возможной формы духовной деятельности. Религия же, утвердившая в человечестве

самоё представление о Духе, о человеке как производном от Духа Святого,

объявлялась как бы не существующей, вместе с миром метафизических ценностей,

тысячи лет культивируемых в человеческой истории. Мы жили в вакууме

безрелигиозности, в обстановке духовного авитаминоза. Мы добирали дефицит кто

как мог, и лишь Большаков Николай Егорович нам в этом помогал. Было необычно

и волнующе видеть, как православные храмы предстояли лейтмотивами в этих образах

русской жизни как её органическая составляющая. Подсознанием чувствовалось,

что храмы эти – нечто большее, чем красивый антураж в интерьере русского города.

Они не только для глаза, для любования, но и на потребу души, для воскрешения

памяти о духе. В «коллективном бессознательном» русского человека и всего народа

храмы значимы как глубинные первообразы. Вокруг них тысячу лет кристаллизовалась

душа Святой Руси. Даже религиозно-равнодушный человек подсознательно

соприкасался с ней через воздух России, не говоря о верующих, жаждущих слиться

с ней.

Закономерен вопрос: не «вчитываю» ли я задним числом что-то излишнего

в творчество Большакова в обстановке совсем другой эпохи? Ведь достать и прочитать

Новый Завет тогда было так же трудно, как познакомиться с подпольными изданиями

«Самизата».

На фоне обстановки «выжженной земли» для христианства вспоминается

изречение первого века его существования: «Душа по природе своей христианка».

Отец церкви Тертулиан имел в виду, что душа человеческая самопроизвольно задаётся

«последними» вопросами бытия и открывает для себя Бога. Такое имманентно присуще

человеческой природе среди самых жестоких внешних обстоятельств. И, как мне

кажется, действие закона Тертулиана наглядно проявилось на Большакове. Поверх

советского образа жизни, советской идеологии законопослушный член Союза

художников и он и он открывает для себя небесный идеальный град Китеж. Он не видим глазами, но в качестве духовной реальности он всегда видим внутренним взором. Мы, зрители, не способны его видеть, а Большаков, как посвящённый посредник, передаёт нам его отблески, сияние, видение через вещи земного мира в своих пейзажах.

Необъятный космос природы и столь же неисчерпаемый микромир человеческой

души всегда были равно интересны Николаю Большакову. Пейзажист и портретист

сосуществовали в нём на одинаково высоком уровне мастерства и своеобразия.

Согласитесь, это не столь частое сочетание способностей в столь разнонаправленных

жанрах живописи. Уж больно разная оптика взглядов потребна в них. Образно говоря,

надо отставить пейзажный телескоп и вооружиться при портретировании

психологическим микроскопом.

Переходя от природы к человеку, Большаков никогда не ограничивался

пейзажно-внешним взглядом на модель. Вы не встретитесь у него с персонажем,

который «строился» бы извне, на чисто живописном впечатлении от человека. С лёгкой

руки импрессионистов, затем фовистов, живописное начало в портрете отменило

поиски над психологическими, портретируемый из цели превратился в повод для живописных интерпретаций. Этой широко распространившейся тенденции – растворять человека в живописном мареве – Большаков решительно противостоит. Его портретные герои являются в полотнах «весомо, грубо, зримо» с отчётливо выраженной телесной

и душевной осязательностью. Это человечески самодостаточные люди, а не фантомы,

производные из самовольных живописных концепций.

После привычки к его гармоническим пейзажам в портретах Большаков

предстоит художником иного мироощущения. В первых доминирует идеальный образ

благоустроенного мира Святой Руси. Герои же портретов несут на себе отпечаток

жизни среди юдоли печалей и страданий, искушений, сердечной смуты, с одной

стороны, и мужественного терпения, душевной выносливости, трудового творчества, –

с другой. Люди страстей долга. При этом цвет и пластика резко сдвинуты в сторону

аскетической изобразительной экспрессии значительно и сознательно повышен.

Во мне навсегда запечатлелся случай, имевший место в мастерской Большакова,

тогда ещё жившего в Уссурийске. В ней, и только в ней и ни в какой другой мастерской,

я открыл для себя невиданную, невозможную для советского искусства тему,

развернувшуюся в серии необычных портретов. В них, выражаясь языком милицейского

протокола, были представлены бомжи, маргиналы и тому подобные, социально

вывихнутые типы. Они обитали, христорадничали вокруг городского рынка неподалеку.

Живописный язык Большакова назвал их по-другому. С портретов то враждебно,

то потерянно с мертвецким безучастием на вас смотрели сирые, ожесточённые, убогие,

обделённые судьбой, раздавленные жизнью люди. Прежде всего, люди драматической

судьбы, а потом маргиналы. Я видел не любопытное разглядывание социальной

экзотики, а образы неблагополучия, даже не социального, а душевного. Людей, не

столько выкинутых из жизни, а добровольно-безвольно выпавших из нормального хода

жизни среди нормальных людей.

И в последующие годы этот «достоевский» интерес к обездоленным персонажам

не остывал в Большакове. Со временем сложилась не просто коллекция схожих картин

– обозначилась целая тема в творчестве. И она не была неврастенической «чернухой»,

диссидентским вывертом вкуса в пику советскому оптимизму, питаемому мессионской

мыслью о светлом будущем для всех и навсегда.

Если эта тема не была мотивирована политически, то чем же она была?

Большаков прошёл вузовский курс истории и сподобился обрести историческое

мышление и кругозор. Он видел жизнь не через догмы политпросвета и агитпропа

для толпы. Он воспринимал советскую действительность на фоне больших

исторических закономерностей и мирового опыта истории. Его историческая эрудиция

воспротивилась бездумно воспринимать и безоговорочно принимать утопическую

концепцию Царства Божиего на земле в виде Светлого Будущего. Утопии не однажды

околдовывали людей, вызывали упования будто для того, чтобы быть опровергнутыми

в очередной раз. И всегда и везде по одной и той же причине – заведомого

несовершенства рода человеческого. Один человек способен стать святым, а народ

в целом отторгает, не приемлет идеального состояния как стабильного состояния.

Этому мешает какая-то часть народа, олицетворяющая собой разрушительный минус,

вечно противостоящий созидательному плюсу. Этому безуспешно учит история. Это

подтверждают портреты человеческой неуправляемости кисти Большакова, чего не хотела учитывать советская идеология – одна для всех к неукоснительному исполнению.

Люди с солнечной стороны советской жизни воплощают у Большакова не только

образцы людей социалистического времени нашей родины, но и идеал человека самого

художника. При общем взгляде на портреты очевидно, что он целеустремлённо

культивирует образы близкие по духу. Ему не безразличен человеческий материал.

Немаловажно, кем станет для него визави – заказным заданием или интересным

объектом человековедения. В первом случае, то есть при отсутствии диалога,

получится вещь холодного мастерства. Во втором, то есть при разговоре по душам,

получится портрет с сильной психологической разработкой.

Последнее хочется подчеркнуть. Желать психологии, уметь её открыть

в человеке и передать как живое состояние – это мастерство высшего класса сегодня

в любой зоне России доступно единицам. Считанным единицам. В постсоветское время

на глазах происходит в массах духовное оскудение под агрессивным воздействием

массовой культуры. Ему в творческой среде сопутствует духовное обмеление

художников. Среди них идёт обесценивание классических ценностей живописи

и мастерства. Вот в чём причина дефицита психологического качества в сегодняшнем

искусстве в России. При таком состоянии вещей Николай Большаков выглядит

по типологии своего творчества классиком в эпоху антиклассического искусства.

Но кто при этом посмеет сказать, что он консерватор, что его творчество – это жизнь

взаймы у традиции? Принципиально важно то, что он вдохновляется духом, а не буквой

классики и, прежде всего, её гуманизмом, уходящим корнями в христианство с его

главной заповедью любви человека к человеку.

Для Большакова реализм ценен именно тем, что он наиболее адекватно способен

выразить в искусстве гуманистические ценности и передать их людям. Но его реализм

– это реализм самобытный, оригинальной выделки, рождённый из традиций

живописной культуры двадцатого века, чуждой позитивистской трезвости классики

XIX века. В портретах наглядно проявляется то, что психология в портретах

Большакова – это не объективистская психология, наблюдаемая, изучаемая в модели со

стороны в духе Крамского, Репина. Нет, это психология сильно активизированная. Она

выявлена вовне остротой цвета и пластики, доходящей до гиперболизма,

экспрессивности, то есть до выразительности высокого энергетического напряжения.

В результате персонажи нас эмоционально задевают, «царапают», а то и «наждаком»

проводят по нервам. Совсем как герои Достоевского, они не могут быть объектом

созерцательного любования. Слишком они психологически объёмны, эмоционально

наэлектризованы, способны к «исповеди горячего сердца», к нам обращённой.

Жизнь Николая Большакова в искусстве сопровождается служением кредо,

одним из составляющих которого является категория народности. Самосознание себя

русским художником, а своего творчества как части национальной художественной

традиции органично свойственно ему. И до такой степени, что он может

демонстративно проследовать перед публикой традиционным путём. В такой роли

он явился нам как автор исторической картины «Раскол». Она произросла в тех

пределах русского искусства, где поработали Суриков, Корин. Останавливаю

перечисление, так как эти два имени вспоминаются перед полотном Большакова.

«Боярыня Морозова», «Реквием. Русь уходящая», «Раскол» образуют в сознании

зрителя воображённый триптих. В них русские живописцы XIX, XX, XXI веков указали

на коренное свойство России – катастрофичность её исторического бытия, на обвалы,

расколы, обрывы, катаклизмы русского социума вместо его эволюционного пошагового

развития. По примеру Сурикова для воплощения этой темы Большаков обратился

к событиям злосчастного религиозного раскола XVII века. Они ещё до Петра I положили

начало конфессиональному, цивилизационному раздвоению Руси, взрывоопасной

социальной враждебности. Когда же мы смотрим на большаковский «Раскол»,

то ни для кого не секрет – перед нами актуализированная история, прошлое,

опрокинутое в настоящее. Вечно современное в своей непримиримости противостояние

власти и народа.

В самом общем настроении народно-массовой сцены на кремлёвской площади

среди храмов напоминает Сурикова. Сдержанная извне, экстатически напряжённая

изнутри толпа народа заставляет вспомнить Корина. А вот жёсткое противостояние

«стенка на стенку», лицом к лицу власти и народа – это уже от Николая Большакова.

Они разведены на две персонализированный мир сильных мира сего: Алексей Михайлович Тишайший, патриарх Никон и иже с ними. Справа – имперсональная масса безвестных людей, олицетворяющих Святую Русь, народную, которая даже когда безмолвствует,

то молчанием своим вопиет.

В картине нет сквозного драматического действа, стороны напрямую не

взаимодействуют. Внешне видимое активное действие Большаков заменил ситуацией

противостояния-предстояния в сакральном пространстве Соборной площади

перед лицом Бога. Это символическая тяжба сторон перед лицом Божьей правды,

к которой взывает народ. На другого, третейского, судью обделённый властью народ

перед земным владыкой не надеется. Но и последние властью не просто

удовольствуются, они несут ответственность за её действия перед Богом и людьми

на фоне Кремля – государственной твердыни, Успенского собора – места коронации

царей и пребывания «Владимирской Богоматери» – палладиума царства Московского,

там находящегося. Незаметно, чтобы Большаков-историк осуждал или миловал одну

из сторон. Скорее, он представляет две правды – русской власти и русского народа –

к сожалению, к его глубокому сожалению, не пересекающиеся между собой, а больше,

и привычно находящиеся веками в состоянии Раскола.

У французов в ХХ веке (Р. Дюри, П. Пикассо и др.) появился в живописи новый

жанр, названный «оммажем». Оммаж – это, когда картина классика воспроизводится

художником нашего века не в виде копии, а парафраза, не в точности, а в вольном

преломлении через новое видение художника. И, как мне кажется, Большаков

предпринял подобный эксперимент в наши дни – проверить русскую классику

на жизнеспособность, на способность быть вдохновительницей на все времена. Его

оммаж (подношение, посвящение) в честь Сурикова и Корина – это благодарное

подношение из XXI века внушает если не оптимизм, то надежду в то, что в эпоху

глобализации ещё не распалась связь времён внутри русского искусства и русского

духа. Что в рыночные времена в России, помимо цен, в ходу ещё и ценности.

В сущности, вышевысказанные мысли о «Расколе» приложимы с корректировками

для понимания других тематических картин, композиций Большакова: триптихов

«Художники-иконописцы» и «Детство». Нужно только добавить следующее.

Обращается ли он к средневековой истории или автобиографии поры своего детства,

Большаков воссоздаёт ощущение исторической дистанции, окна, распахнутого

в прошлое. Может передать ощущение временной доподлинности события, правды

времени и места, к которым прикоснулась его кисть. Он стремится осмысленно владеть

фактами истории, а не иллюстрировать их. Всё это вместе гарантирует присутствие

самого главного в полотнах – Духа Истории. Того, что делает их достижением

или недоразумением, подлинной историей или исторической беллетристикой.

В триптихе «Детство», в его боковых створках, Большаков решился

на рискованное творческое предприятие. В них смешаны разнородные феномены:

автобиографическое «я» поры отрочества; фольклорно-языческие реликты в сознании

деревни; предметно-бытовая реальность обстановки. Реалист, по преимуществу,

должен был целостно соединить в художественно-образной материи полотен

волнующие переживания детства, мистику народных магических представлений

и растворить их в реальности сельского быта. Достичь гомогенности такой смеси,

чтобы, не дай Бог, не выпер наружу китч какой-нибудь киношной страшилки, помогли

инстинктивное чутьё и художественный вкус и, конечно, всемогущий (всё-могущий)

цвет Большакова. Он стал общим знаменателем, который сотворил волшебную

атмосферу возможности чуда не как выдумки, притянутой за уши, а как естественное

проявление одной из многих тайн природы. Домовой, открывшийся отроку под сводами

рубленой северной избы, домовой в овине с козами и бурёнкой на фоне отуманенного

пейзажа выглядит кряжистыми произрастаниями из пантеистической природы,

переполненной невидимой нам жизнью. Большаков стёр по-врубелевски средостение

между миром действительности и миром метафизическим, в котором обитает

и действует извечно наше духовное «я». Это можно назвать обретением новой

авторской точки зрения, новой творческой способности, новым шагом в сторону особой

современной разновидности реализма – «магического реализма».

На фоне боковин центральное полотно триптиха, называемое «Прощание»,

возвращает нас в реальность современной деревни, при этом реальность скорбную

и жестокую. В ходе поездок по русской земле Большаков неожиданно для себя заимел

новую тему. Она, как бездомный пёс к случайному прохожему, прильнула к нему

и повлеклась за ним в чаянии жалости, сочувствия, утешения. Художника потрясли

масштабы бедствия, называемого «покинутые деревни». Из-за политики укрупнения

сёл, рационализации инфраструктуры их обслуживания появились сотни «вымерших

деревень» и, следовательно, потерянных для тысяч людей «малых родин», с любви

к которым начинается любовь к Отечеству. Без ковровых бомбардировок свершился

погром села. Культурный ландшафт земледельческой страны вне труда человека стал

принимать черты одичания, таёжного запустения, поглощения природой. Как человек

долга и служения, Большаков вменил себе в обязанность психологически тяжёлую

работу. На неё не решился ни один российский живописец – запечатлеть для народной

памяти неславную страницу истории Отечества. Сотворился сериал пейзажей

«Брошенные деревни», достойный определения художественного документа. Даже

без подсказки названия зритель уловит «верхним чутьём» в атмосфере пейзажей

глухое безмолвие, оцепенение, мертвенность проклятого места среди живой природы.

Как ни странно, в этих «негативных» видах природы Большаков достигает высшей

выразительности колористического мастерства. Цвет в них поистине драматизирован.

Это подлинно суггестивный цвет. Он способен не просто эмоционально волновать,

но и гипнотически неотразимо надолго внушать переживание увиденного, способное

стать навсегда «памятью сердца».

Вот уже больше ста лет приморскому и, шире говоря, дальневосточному русскому

искусству. Когда-то оно отпочковалось от большой традиции классической

национальной живописи. Было какое-то время её периферийным отголоском

и подголоском далеко от Москвы. А затем с 1960-х годов оно сложилось

как самодостаточное, самобытное, равнозначное по мастерству и содержательности

искусство в сравнении с творчеством в центре России. Сегодня искусство Приморья,

с его богатейшим художественным наследием, достойно большого академического

исследования. И когда на фоне этого замысла предстаёт панорама краевой живописи

в лицах художников и их творений, то подходишь к следующей мысли. Есть отчётливо

выраженный ряд художников по десятилетиям, которые олицетворяют осевое время

приморского искусства. Через их творчество прошло главное русло его развития, его

стержень. Они олицетворяют пики творческих достижений, масштаб большого

приморского искусства в контексте российского искусства в целом. Это наши классики

на все времена. Николай Егорович Большаков несомненно принадлежит к этому

отборному и памятному числу дальневосточных художников.

Виталий Кандыба, 2016

 
Большаков Николай Егорович персональная выставка Виталий Кандыба

Городская выставка-конкурс «Древний мир глазами детей»

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

 А в этих мифах грифы,

От них остались мифы,

 Кентавры, нимфы, боги

       И сказочный Пегас.  


Во вторник, 20 ноября 2018, в 15:00 в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» по адресу: ул. Алеутская, 14-а состоится открытие городской выставки – конкурса «Древний мир глазами детей». На выставке будут представлены работы учащихся детских художественных школ и художественных отделений школ искусств г. Владивостока.

Открытие выставки стало возможно благодаря поддержке Администрации города Владивостока и правления Приморского отделения ВТОО «Союз художников России».

Тема выставки «Древний мир глазами детей» - сложная, интересная и творческая, не ограничивающая яркую фантазию детей. Цель выставки - конкурса – повышение интереса к истории древности, знакомство с традициями и обычаями народов, выявление и поддержка талантливых детей. Выполняя творческие работы, учащиеся узнали много нового о прошлых цивилизациях - как они жили, как одевались, какие у них были обычаи и боги, услышали легенды и мифы о расцвете и падении культур. Эта тема очень многогранна, как и сама история, полная величественных подвигов, талантливых, гениальных личностей, удивительных фактов и загадок. Участники – ученики от 9 до 17 лет.

Работы были выполнены в техниках живописи, графики.

За время подготовки к выставке - конкурсу ребята выполнили порядка трехсот композиций, из числа которых на суд зрителей и жюри были отобраны самые яркие и удивительные произведения на темы: «Первобытно-общинный строй», «Древняя Греция», «Древний Египет», «Древний Рим», которые несомненно заставят Вас задуматься и не оставят равнодушными. Мы видим на них первобытных людей, пирамиды и фараонов, греческих скульпторов и героев, римских легионеров и рабов.

С большой теплотой и любовью рисовали девчонки и мальчишки, так трогательно, искренне и непосредственно, как могут, пожалуй, только дети.

Приглашаем всех желающих посетить нашу выставку.


Выставка продлится до 4 декабря 2018


выставка-конкурс детская выставка Древний мир глазами детей живопись графика Владивосток

ХУДОЖНИКИ ПРИМОРЬЯ-80

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Художественная выставка, посвященная 80-летию Приморского краевого отделения ВТОО «Союз художников России» и 80-летию Приморского края откроется 23 октября в 17 часов в залах на Алеутской 14а.

Будет представлено более 150 работ, выполненных в разные годы художниками Приморья. Это вторая выставка из цикла, приуроченного к 80-летию творческой организации художников. Первая открылась в галерея «Арка»: под названием «Плеяда» представлены работы таких мастеров как К. Шебеко, И. Рыбачук, С. Арефин, В. Гончаренко, Ю. Собченко, В. Доронин, В. Цой. В музее «Артэтаж» будут представлены наиболее интересные работы из фондов, собранных основателем музея Александром Городним. Приморская государственная картинная галерея представляет две выставки: «Наследие» и «Другие Курилы», в первой из которых будут показаны лучшие работы из фондов музея. Цикл выставок объединен идеей представить панораму изобразительного искусства Приморского края, которое особенно активно начало развиваться во второй половине ХХ века.

  Официальная история организации началась в октябре 1938 года по инициативе В.В. Безродного, художника, педагога и общественного деятеля, закончившего Санкт-Петербургскую академию художеств им. И.Е. Репина, факультет театрального оформления. Первым шагом по созданию организации стало собрание художников, работавших в Приморье в тот период, которое состоялось 10 октября 1938 года. Оно и стало учредительным. Искусствовед В.И. Кандыба писал: «…приморские художники…взяли за образец передвижническую «Артель свободных художников», переняв прежде всего формы творческого общения. Знаменитые «четверги» у Н.И. Крамского с рисованием, разговорами об искусстве преобразились во Владивостоке в студию повышения квалификации для художников. Были регулярные встречи, работа над собой. Здесь царил студийный, неповторимый дух товарищества, солидарности, энтузиазма и творческой устремленности».

С первых же дней существования Приморского отделения огромное внимание уделялось организации художественных выставок, хотя собственных залов тогда не было. Остро стоял вопрос профессионального художественного образования. Именно по инициативе художников-членов организации в 1944 году открылось Владивостокское художественное училище. Преподаватели училища были членами Союза художников и участниками выставок. К середине 1950-х годов организационная и творческая работа Приморской организации художников вышла на качественно новый уровень: краевые художественные выставки стали регулярными, выпускники Владивостокского художественного училища приходили в художественную жизнь. В 1959 году Приморская организация вселилась в новое здание по ул. Алеутской, 14‑а.

Новый, яркий этап начинается в жизни Приморского Союза художников в середине 1950-х. Это годы профессионального становления И.В. Рыбачука, К.И. Шебеко, К.П. Коваля, Н.А. Мазуренко, С.Ф. Арефина, Т.М. Кушнарева, В.М. Медведского, Б.Ф. Лобаса, А.В. Телешова и других авторов, принесших славу приморскому искусству. В эти годы появляются первые обзоры творчества приморских художников в журнале «Художник». В конце 1950‑х закладываются те особенности, которые позволили на последующих зональных выставках именовать искусство приморским. Это преобладающая роль пейзажа, стремление к освоению жанра сюжетно-тематической картины, связанной с историей края, характером труда в нем (Приморский край — территория моряков, рыбаков, шахтеров), интерес к теме Севера, Чукотки, Камчатки, Курил.

В 1962 году открывается Дальневосточный институт искусств, куда для преподавательской работы приезжают художники, получившие высшее художественное образование в Ленинграде и Москве. В.А. Гончаренко, К.И. Шебеко, В.И. Кандыба (искусствовед) — Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, В.Н. Доронин, В.И. Бочанцев — Московский художественный институт им. В.И. Сурикова. В 1967 году на педагогическую стезю ступили С.А. Литвинов и Ю.В. Собченко из числа выпускников института первого выпуска. В 1977 году в число преподавателей вошел Н.П. Жоголев (Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина). Их педагогическая и творческая работа, участие в выставках, творчество их учеников сделали художественную жизнь региона полноправной частью общероссийской. Поступать на живописный факультет в ДВГИИ стали не только выпускники Владивостокского художественного училища, но училищ Сибири и центральной России (Иркутское, Новоалтайское, Ивановское, Рязанское и др.).

К 1980-м годам в публикациях, посвященных Приморской организации Союза художников России, отмечают равновесие разных жанров живописи, большое количество произведений графики, скульптуры, декоративно-прикладного и монументального искусства. Художники Приморья являются участниками выставок самого высокого уровня.

Таким остается искусство приморских художников и сегодня – ярким, самобытным, обладающим своими специфическими чертами, которые делают узнаваемыми произведения приморцев на межрегиональных, общероссийских и зарубежных выставках. Сегодня партнерами Приморского отделения являются художественные институции в России и за рубежом: это Российская академия художеств, государственные художественные музеи, творческие ассоциации художников КНР, Вьетнама, Японии и других стран.

Приморское отделение ведет большую работу по воспитанию следующих поколений художников. В нынешней выставке молодые художники принимают участие вместе с состоявшимися мастерами: самому старшему экспоненту 86 лет, самому молодому нет еще 30. В их работах отражен мир во всем его многообразии. 

 

Выставка продлится до 18 ноября 2018


Художники Приморья коллективная выставка Владивосток

Персональная выставка Константина Бессмертного

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

Персональная выставка Константина Бессмертного открывается в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» 4 октября в 17 часов. Это авторский проект одного из самых востребованных и популярных художников во всей Юго-Восточной Азии. Константин назвал его ЧТО ВИНОВАТ? КТО ДЕЛАТЬ?, перефразировав известное произведение русского философа и писателя-разночинца Н.Г. Чернышевского.

Константин Бессмертный в 1992 году окончил факультет живописи Дальневосточного института искусств, практически сразу уехал в Макао. Сегодня его работы представлены не только в Азии, но и в Англии, и в Америке. В них автор создает отдельный мир с придуманными им сюжетами и персонажами.  Его мировоззрение основано на гротескном отображении того, что происходит в мире. Станковые произведения характеризуются высоким мастерством рисунка и живописи, инсталляции – оригинальной мыслью, лежащей в основе.

Во Владивосток Константин привез проект, в котором переосмыслены два исконно русских вопроса: кто виноват и что делать? Если коротко - авторская концепция заключается в следующем: «Желание найти виновного во всём, строго его наказать и тут же присоединиться к очередному шарлатану, ведущему народ в будущее, - это присуще всем народам. Но делать это в невиданно грандиозных по масштабу и экстремальному воздействию на человека давно уже стало нашей национальной чертой. Выставка в залах Приморского отделения «Союза художников России» во Владивостоке была задумана как продолжение «Ambitus» (Rossi& Rossi Gallery и London Arts Club 2017/2018), которая была посвящена параллельному анализу двух модернистских проектов столетней давности. 

Один из них был связан с восстанием дилетантов против господства художественных академий. Второй - с восстанием средних сословий и новых богатых против господства аристократий. Оба с насильственным приходом к власти и последующим уничтожением противника. Результаты этих двух экспериментов удручают: в результате - ужас и бессмысленность войн и глобальных нововведений ХХ века...

В социально-культурной сфере результат не лучше (хотя и без буквального кровопролития): с одной стороны - кто-угодно-деятель-искусств и что-угодно-искусство, с другой стороны - кто-угодно-политик и что-угодно-преобразование.

Так кто же виноват? И что делать? Не знаю. Одно знаю точно: нужно остановиться. И подумать». 

В выставке представлены живопись, графика и инсталляция.

Выставка проходит в рамках 80-летия Приморского отделения «Союза художников России».

 

Выставка продлится до 21 октября 2018


Константин Бессмертный персональная выставка живопись графика инсталляция

ВАДИМ ИВАНКИН, АНДРЕЙ МАШАНОВ, СЕРГЕЙ ЧЕРКАСОВ. АКВАРЕЛЬ, ОФОРТ, ЖИВОПИСЬ.

Ольга Зотова
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка трех известнейших художников России Вадима Иванкина (Новосибирск), Андрея Машанова (Омск), Сергея Черкасова (Владивосток) откроется 11 сентября в 17 часов в залах Приморского отделения «Союза художников России».


Их имена известны  далеко за пределами регионов, в которых они проживают. Творчество новосибирского художника В. Иванкина ассоциируется в первую очередь с библейской темой, положенной в основу цикла живописных и графических работ. Омский художник А. Машанов известен как один из серьезнейших в России мастеров офорта, немногих, кто работает в этой технике с цветом. Имя С. Черкасова сразу же вызывает в памяти образ Владивостока, ставшего главной темой, которой приморский живописец и график занимается самозабвенно и глубоко, открывая зрителю тайну души города.

Каждому из авторов жизнь подарила удивительную творческую судьбу. При всей непохожести биографий  и творческих  манер у участников выставки  есть нечто общее  -  способность следовать собственным, очень индивидуальным путем, сохраняя лучшие традиции российской художественной культуры, сформированные в советский период.

Вадим Иванкин закончил художественно-графический факультет Новосибирского педагогического института.  Социальный накал конца 1980-х, коснувшийся в том числе и сферы искусства,  обусловил критическое осмысление многого из того, что было создано в предшествующее время. Однако Вадим идет не по пути революций, а по пути определения способа самовыражения. Начавший работать после института в живописи, он постепенно, не без мучительных поисков,  приходит к технике акварели, в которой воплощает тему, ставшую центральной. Библейский цикл, начатый им в начале 1990-х, включает серии «Откровение», «Полуночный мир», «Эскизы утраченных фресок», «Лицевая книга». Обращение к византийскому, древнерусскому искусству  явилось не данью моде, возникшей в начале перестройки, а способом исследования духовной составляющей человеческого бытия (если говорить о содержательной стороне), всегда волновавшей художника. Что касается формальной стороны – это интерес к форме, цвету, пластическим возможностям, композиционным построениям, обусловленным спецификой темы. Искусство русской иконописи, основные иконографические сюжеты стали тем зеркалом, в котором В. Иванкин видит и свое искусство. Размышляющий о духовности современников  и очевидных утратах в этом  вопросе, художник приходит к выводу: ее истоки в опыте отцов.

Андрей Машанов осознал себя как художник довольно рано. По его признанию, он всю жизнь рисовал и хотел заниматься именно печатной графикой. Много читавший в детстве, внимательно относившийся к книжной иллюстрации, считал художников-графиков более интересными.  Художественно-графический факультет Омского педагогического института   был осознанным выбором взрослого человека, уже закончившего политехнический институт. Думается отсюда и удивительное упорство, проявленное в освоении техник тиражной графики – офорта, литографии.  

Эстамп (и офорт, в частности) привлекал А. Машанова широтой возможностей, эстетическими качествами. Впервые попав на творческую дачу «Челюскинская» в 1992 году, попробовал себя в офорте, литографии, монотипии. Там же началась серия офортов «Древнерусские мастера», представленная во Владивостоке.

 

Известный книжный график, в 1990-х С. Черкасов обратился к станковому искусству. И здесь вырабатывается его особый фирменный почерк - утонченный, изысканный, очень узнаваемый. Он выбирает для себя  несколько тем, в  которых работает последовательно и самозабвенно, одна из них тема Владивостока.

Художник пишет поэтический образ города, лишенный фотографически точных деталей. В его работах есть особый лирический строй, настроение.  Вместе с тем, если говорить об отношении автора к натуре – это скрупулезность и умение подметить каждую деталь, состояние. Метод С. Черкасова - фиксация натуры в карандашном рисунке, фактически скетче, когда в нескольких тонких и точных штрихах художник запечатлевает фрагмент реальности.

Что касается художественного языка С. Черкасова – он живописен и графичен одновременно. Причем графичность работ Черкасова – не столько внешняя характеристика, хотя понятно, что опыт работы в книге изваял мастера, особенно внимательного к линии. Но думается, что графичность – это проявление некоего внутреннего склада художника, в последние годы много работающего в живописи. Этот склад воплощается в соотношении пятен и масс на холсте, в особенностях техники, когда из последовательного наложения линий получается целостное полотно, имеющее объем и фактуру, в готовности к эксперименту (одна из новых работ выполнена на фанере и включает аппликацию).

Выставка трех замечательных художников дает уникальную возможность увидеть во Владивостоке в первую очередь искусство графики, которому авторы служат не только собственным творчеством. Так, В. Иванкин занимается исследовательской работой: в 2015 году вышел художественный альбом «Акварель. Традиции и современность»,  посвященный аспектам развития школы акварельной живописи с середины ХХ века по настоящее время. А. Машанов является куратором творческой дачи «Челюскинская».  С. Черкасов популяризирует графику в издательской серии календарей. А значит умное и тонкое искусство будет продолжаться.

Куратор выставки Ольга Зотова,  кандидат искусствоведения, доцент ШИГН ДВФУ, почетный член Российской академии художеств.

Выставка проходит при поддержке администрации г. Владивостока в рамках цикла мероприятий, посвященных Дням мира на Тихом океане.

 

Выставка работает с 11 сентября по 2 октября

 

Вход свободный


графика офорт акварель коллективная выставка владивосток

Выставка творческой группы «Горынычи» (Санкт-Петербург)

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка творческой группы «Горынычи» (Санкт-Петербург) «Навстречу солнцу против ветра» откроется 21 августа в 17 часов в залах Приморского отделения «Союза художников России».

Ее авторы – художники из Санкт-Петербурга Анна Щеголева и Денис Саунин, и Виктор Норкин из Пензы. Это третья по счету выставка группы, образованной в 2017 году. Сами авторы говорят о том, что идея долго витала в воздухе. И не случайно: Анна Щеголева и Денис Саунин закончили Дальневосточный институт искусств, работали творчески и участвовали в выставках во Владивостоке и Приморском крае. Несколько лет назад оба переехали в Санкт-Петербург, где успешно занимаются творческой деятельностью. Связь с любимым городом у моря, который они продолжают считать своим («Владивосток далеко, но ведь это город-то нашенский…»), не прерывалась. Однако это были в первую очередь дружеские контакты. В какой-то момент пришло осознание, что практически ни одна выставка современных живописцев Санкт-Петербурга так ни разу и не добралась сюда за последние десятилетия. К ним присоединился Виктор Норкин.

В феврале 2017 года «Горынычи» провели первую выставку группы в Москве в галерее «Визит». А летом того же года во время творческой поездки в г. Харбин, в которой участвовала искусствовед Ольга Зотова, решили показать «Горынычей» во Владивостоке, связав тем самым Санкт-Петербург и Владивосток. Арт-проект «Навстречу солнцу против ветра» заявлен как двухчастный: первая – стартовая - выставка состоялась в начале года в выставочном центре Санкт-Петербургского Союза художников.  От нее начался отсчет и подготовка к нынешней выставке в Приморском отделении. 

Каждый из художников группы обладает своим индивидуальным лицом. Вместе с тем их объединяет очень важный – общий для всех – поиск эмоции, стремление философского осмысления действительности, творческое отношение к жизни. ​

Почему «Горынычи»? Это название группы часто вызывает некоторое недоумение. На самом деле всё просто – все три художника родились в год Дракона по восточному гороскопу. А русский «дракон» - это Горыныч. И тут уж точно есть «сходство и объединяющее начало». 

   

Выставка продлится до 9 сентября 2018


творческая группа «Горынычи» коллективная выставка Анна Щеголева Денис Саунин Виктор Норкин

Выставка памяти Заслуженных художников РФ Юрия Волкова и Игоря Кузнецова

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка памяти Заслуженных художников РФ Юрия Волкова и Игоря Кузнецова откроется 6 августа в 17 часов в залах Приморского отделения Союза художников России. Представлены работы разных лет, в том числе знаковые полотна, созданные на протяжении нескольких десятилетий художниками, стоявшими у истоков основания знаменитой Шикотанской группы.

Имя Юрия Ивановича Волкова широко известно за пределами нашего края и России. Неутомимый путешественник, совершивший две кругосветные экспедиции, он прошёл с этюдником по всему Сахалину, Приморью и Курилам. В состав выставки вошли работы разных лет, произведения из фондов Приморской государственной картинной галереи, Музея Дальневосточного морского университета, а также из мастерской художника. Становление Волкова как художника связано с тем временем, когда вслед за художниками - «шестидесятниками» пришло поколение, захваченное общим стремлением изменить взгляд на жизнь, со своим мироощущением и пониманием творческих задач. Юрий Волков тоже был подвержен общему стремлению увидеть жизнь иную и настоящую, ему были близки искания «шестидесятников», но при этом творчество художника обрело свой образно-пластический язык и силу.

Юрий Иванович Волков родился в городе Александровске-Сахалинском в 1941 году. В 1962 году окончил Владивостокское художественное училище, в 1967-м –   Дальневосточный институт искусств, в том же году стал членом Приморского отделения Союза художников СССР. Отныне художник навсегда связал свою жизнь с Приморьем, но при этом никогда не забывал Сахалин, творческие поездки на остров стали для художника регулярными. Юрий Волков – один из «шикотанцев», так называли художников, объединившихся в творческую группу во второй половине 1960-х годов. Он является автором пейзажей, портретов, тематических полотен. Художественное и нравственное неразделимы в работах художника. Ему близка позиция оценивать современность, понимать её через человеческую личность.

Экстремал по характеру, с неиссякаемой энергией и силой духа, жаждущий открытий и новых впечатлений, Юрий Волков совершил несколько кругосветных путешествий. Дважды он побывал в кругосветках – на «Палладе» и «Надежде». Итогом экспедиций стали сотни работ. Девиз художника – изображение современности современными средствами. Об этом в статье к последней персональной выставке Ю. И. Волкова писала искусствовед А.А. Даценко

Вторая часть выставки состоит из произведений еще одного художника Шикотанской группы И.А. Кузнецова. Игорь Кузнецов принадлежит к поколению художников, пришедших в искусство в конце 1960-х годов. После окончания Владивостокского художественного училища он сразу же начал участвовать в больших серьезных выставках, выбрав для себя в качестве основной область графики. Он единственный из шикотанцев, кто для воплощения островной темы выбрал выразительные средства графического искусства. В его листах отражен и космический масштаб территории, и бытовые ситуации, непосредственно связанные с друзьями-художниками, и быстрые наброски карандашом.

Второй пласт творчества И. Кузнецова посвящен Приморскому краю, в разных уголках которого активно работал художник. В целом Дальний Восток – основной мотив творчества художника. Персональная выставка И. А. Кузнецова – редкая возможность увидеть работы художника разных лет и в разных техниках, собранные в едином пространстве.  

 

Выставка продлится до 19 августа


Волков Юрий Иванович Кузнецов Игорь Александрович Заслуженный художник РФ персональная выставка живопись графика Шикотанская группа

Алексей Иванович Плешивцев

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Алексей Иванович Плешивцев – живописец, художник-педагог, член Приморского отделения ВТОО «Союз художников России», заслуженный работник культуры РФ – принадлежит к числу интереснейших живописцев Приморья. Он родился 2 октября 1943 года во Владивостоке. Здесь же получил сначала среднее, а потом высшее художественное образование, здесь более тридцати лет работал директором и преподавателем в детской художественной школе №2, здесь трудится сегодня в творческой мастерской.

На отделении живописи во Владивостоком художественном училище А.И. Плешивцев учился у педагогов Ф.Н. Бабанина, Н.П. Прокурова, И.И. Васильева (1960-1965), а на художественном факультете Дальневосточного института искусств – у В.В. Бочанцева и В.И. Лытнева (1965-1970). Окончив учёбу, он не представлял будущего вне творчества и в этом пункте жизненных планов проявил настойчивость, безжалостное к себе самому упорство. С 1972 года началось участие Алексея Ивановича в художественных выставках всех рангов. В 1980-м он совершенствовал живописное мастерство на творческой даче «Старая Ладога». В 1990-м стал членом Приморского отделения Союза художников РСФСР (ныне Приморское отделение ВТОО «Союз художников России»), где неоднократно избирался членом правления.

1970-е – 1980-е годы – ранний период творчества А.И. Плешивцева, время художественных проб и создания большого запаса впечатлений на будущее. Главную роль в самоопределении его художественной культуры играли тогда постимпрессионистическая традиция и суровый стиль. В 1974 году Алексей Иванович стал членом шикотанской творческой группы художников Приморья и Москвы. Одновременно с поездками на Курилы его маршруты пролегли на БАМ. Из серьёзных пейзажей и жанровых полотен того времени нужно отметить картины «Ловцы» (1974), «У родного берега» (1974), «Тишина» (1974), «Островной рыбокомбинат» (1984), «У кромки прибоя» (1988), «Бригада» (1978), «Дусе-Алинь. Переезд» (1978), экспонировавшиеся на четырёх зональных выставках «Советский Дальний Восток» и на республиканской выставке «Мы строим БАМ».

Это на удивление крепкие, отточенные и завершённые произведения. Впечатление завершённости рождается от внутренней весомости картин, в которых нет натурной рыхлости, цветовой и композиционной случайности. Эмоциональное переживание красоты дальневосточной природы уравновешено здесь личными представлениями художника о том, что есть Курилы и БАМ. Уже тогда он больше руководствовался светоцветовым впечатлением, а не предметно-осязательным ощущением от природы. Натурные впечатления сразу перерабатывались в его сознании, освобождаясь от ненужных подробностей.

В эпоху перестройки (1990-е – 2010-е гг.) А.А. Плешивцев проявил серьёзный интерес к различным течениям модернистского и постмодернистского искусства, к экспериментальному познанию многочисленных возможностей формы и цвета. Сегодня это мастер своеобразного письма с хорошо поставленной живописной «речью», художник-философ, одержимый поисками «машины времени» – связи утраченного исторического прошлого человечества с современностью. В большинстве его ассоциативно-философских, и, как правило, символических произведений речь идёт о вечных, корневых вопросах бытия. Их предметный мир иногда абстрагируется до отвлечённой знаковости. Такие полотна действуют на зрителей как бы помимо собственно художественных приёмов – силой духовных энергий, излучаемых содержанием, качеством ищущей мысли автора. Картины как образы сознания, не обязательно буквально похожие на жизнь, картины как символ-знак, как живописные гармонии сильных цветосозвучий – вот к чему ближе всего лежит теперь душа художника.

С начала 1990-х годов зазор сдвига между реальностью и её изображением в работах А.И. Плешивцева ощущается постоянно. Теперь, в 2010-е, он рисует кистью, словно шпателем, ею формирует материально осязаемый красочный рельеф, порой абстрагируя натуру до распластанного пятна. Вместо предметов на холсте появляется их сокращённые цветовые обозначения, их маски и символы. Есть полотна, где всё это выражено с крайней определённостью, например, «Интерьер с Фрейдом» (1994), «Лифт» (1995), триптихи «Диалог», (1997), «Мастер и Матрона» (2000), «Времена» (2007), диптих «Старый мотив» (2011). Эти произведения напоминают витражные картины из отколотых кусков цветного стекла, как у фовистов, к которым А.И. Плешивцев непроизвольно близок по энергии цветоизлучения. Специфический тон его полотнам придаёт их сложная фактура. Он прокладывает цветной тон щедрыми пластами краски, оставляя затем надолго просыхать загрунтованный холст. Неровность, шероховатость грунта передаётся живописному слою написанной картины. Бугристый рельеф корпусной красочной лепки, игра фактуры вносят в картины А.И. Плешивцева ощущение динамики.

Среди наград художника – Диплом Министерства культуры РСФСР и Союза художников РСФСР (1976), Диплом ВТОО «Союз художников России» (2011), Почётная грамота Управления культуры Примкрайисполкома в связи с 40-летием Шикотанской творческой группы художников (2007); Благодарственное письмо Приморской картинной галереи (2001); Благодарственное письмо Департамента культуры Приморского края (2013) и многие другие. 

Основные произведения находятся в Художественном фонде Союза художников РФ, Москва; в Приморской государственной картинной галерее (30), Владивосток; в Бурятском республиканском художественном музее им. Ц.С. Сампилова, Улан-Удэ; в Читинском областном художественном музее; в Магаданском областном краеведческом музее, в частных собраниях в России и за рубежом. В 2013 году правление и общее собрание Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» единогласно рекомендовали Алексея Ивановича Плешивцева к представлению на звание «Заслуженный художник РФ».

 

Варламова Людмила Ивановна

заслуженный работник культуры РФ,

член Приморского отделения ВТОО «Союз художников России»

(членский билет №1212), историк-искусствовед,

ст.н. сотрудник Приморской государственной картинной галереи

 
Алексей Иванович Плешивцев персональная выставка Владивосток

Выставка «Владивосток-158»

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Выставка «Владивосток-158» в залах Приморского отделения «Союза художников России» посвящена очередной годовщине со дня основания города.   В этом году выставка объединила две самостоятельные экспозиции: в первую включены произведения художников Белоруссии, Эстонии, Литвы, Монголии, Японии, Вьетнама, КНР, Юж. Кореи, во второй представлены произведения российских художников.

По замыслу организаторов проект дает возможность увидеть искусство художников разных территорий, что соответствует сложившейся во Владивостоке ситуации: зарубежные художественные проекты стали едва ли не повседневной практикой. Это способствует созданию универсального культурного и художественного ландшафта, в котором есть место разным формам и традициям искусства.

Свой уникальный опыт организации художественных выставок накоплен и Приморским отделением Союза художников России. Первые шаги были сделаны после 1990-х годов, когда стало возможным налаживание партнерских связей с художниками разных стран.  Не первый год длится российско-вьетнамский проект «Рукопожатие», включивший несколько совместных выставок в России и Вьетнаме. Также имеет свою историю сотрудничество с художниками Японии, КНР, Юж. Кореи, воплотившееся в свое время интереснейшие совместные выставки «Радуга Востока», «Восток-Восток», «Вы свет миру», ассоциации женщин-художников «Цветы мира» и др. В последние годы это сотрудничество стало практически непрерывным.   Художники этих стран приезжают во Владивосток, российские также принимают участие в художественных событиях за рубежом. Это партнерство питается искренней взаимной симпатией художников разных стран и сравнимо с народной дипломатией, что способствует более глубокому узнаванию культуры друг друга.

Произведения, представленные художниками Вьетнама, дают прекрасную возможность увидеть уникальный синтез национальной традиции и современных тенденций, которые органично существуют в современном искусстве Вьетнама: самобытная лаковая картина, трудоемкая и кропотливая в производстве, абстрактная графика, яркая, подчеркнуто декоративная живопись.

Эстетической выверенностью, философским подтекстом, ассоциативностью отличаются произведения художников Японии. Разные по творческой манере, они говорят о многогранности японского искусства. Так, «Куклы Хина» отсылают к традиции национального праздника девочек Хинамацури, а черно-белые абстрактные графические листы с символическим названием «Дальняя мысль» говорят о глубоком внутреннем ощущении пространства как меры метафизического порядка. Свои ощущения автор этих листов художница Акико Кондо передает не только посредством художественных материалов. Так, в этом году она стала автором цикла лекций для студентов Ташикава-колледжа, одна из которых была посвящена опыту В. Кандинского и К. Малевича.     

Современным прочтением национальной живописи Китая отличаются работы Ван Сюэ Лин и Чжоу Цзюнь Чэн. Они по-новому осмысляют традиционные жанры, сложившиеся в китайской живописи столетия назад, но   остающиеся актуальными и сегодня.

Творческие контакты с Российской академией художеств отделением «Урал, Сибирь и Дальний Восток» дали возможность знакомства с искусством художников других регионов России (представлены эмали и живопись известных далеко за пределами России художников РФ С. Ануфриева и К. Кузьминых) и Монголии, а с художественным музеем г. Нарвы – с коллегами из Эстонии, Литвы и Белоруссии О. Тюриной, Э. Зеньчиком, С. Ветровой. А. Березой. Их участие в выставке символически возвращает нас к истории Владивостока периода его основания, когда город был открыт не только всем ветрам, но и всем флагам.

Благодаря работам четырех авторов из Белоруссии и Прибалтики в нынешнюю выставку включена замечательная коллекция графических листов. У каждого из художников богатая творческая биография и свое художественное видение. Ольга Тюрина – художник, дизайнер, педагог (Narva Kunstikool). В одном из интервью она говорит о творческом методе: «Чёрно-белое изображение имеет множество возможностей передать воздушность, фактурность и глубину пространства, которое бесконечно. У меня есть серия «Игра в Японию». Или серия работ со средневековыми мотивами и образами. Возможно, в этом присутствует некий уход от действительности, но это все очень искренно. А через образность и символы можно многое ощутить и почувствовать. Это как некий коллективный разум, насыщенный знаниями о мире людей разных времён и народов. Это никуда не пропадает, это всегда с нами. Люблю работать долго. Графика для меня как медитация. И это всегда сюрприз. Неясно, как себя поведёт образ, какую атмосферу создаст вокруг себя, что потребует дальше от меня. Это мне очень нравится».

Эдуард Зеньчик - живописец, фотограф, график, дизайнер, автор инсталляций, перформансов и музыкальных импровизаций. Организатор молодежных выставок и мероприятий. За годы творчества провел более ста персональных выставок. В творческой характеристике говорится: «Художник смешивает жанры и техники, реформирует традицию, попеременно играет роли, внешне несовместные. Его опыт состоит из параллельных линий, которые в конечном итоге сходятся в метафизическом измерении.  …Картины Зеньчика составляют фантастическое пространство, распахнутое во все стороны: здесь как будто есть место для любых артефактов и идей. Ни одна эпоха, ни одна культура не свободна от тактичного произвола - Дзен у Зеньчика идет рука об руку с Кришной, Христом и Олимпийцами. Однако за эклектичным фасадом стоит определенная, пусть и загадочная, система».

 

Светлана Ветрова – художник, дизайнер. Серьезное увлечение исторической реконструкцией и белорусской этнографией повлекло участие авторскими программами в крупных фестивалях и праздниках Беларуси и России. О себе Светлана пишет, что ей близки идеи сближения повседневной жизни людей и изобразительного искусства – как альтернативы и элитарности, и попсе, китчу, рекламе.

Анастасия Береза неоднократно являлась резидентом "Gjesteatelieret i Vadsø" (Норвегия), Uzupio Meno Inkubatorius (Литва). Она из ее тем посвящена Северу.

В цитируемых словах очень точно сформулировано главная идея нынешней выставки: все, что представлено, является коллективным художественным видением, наполненным опытом людей разных ментальностей.     

Вторая часть выставки, посвященной Владивостоку, традиционно включает произведения приморских авторов, большая часть из которых создана в этом году. В них улицы и уголки города, бухты и заливы, мосты, маяки, корабли, храмы.  Этот материал отражает современный облик Владивостока, стремительно меняющего архитектуру в последние годы. Высотные здания и мосты, связавшие берега бухты Золотой Рог придают городу футуристический вид. В то же время неизменно остается линия побережья, соединяющего две стихии. И трудно, а подчас невозможно провести черту, разделяющую рукотворную и природную сущности в нашем городе, ведь море является видимой частью городского пейзажа во многих точках.  Эти произведения пронизаны острым чувством, которое трудно передать словами. Пожалуй, это чувство передано в замечательном фильме кипрского композитора Мариоса Иоанну Элиа «Звуки Владивостока», премьера которого состоялась в этом году, ставшем акустическим и визуальным портретом Владивостока, созданным из множества образов и звуков. Невозможно представить этот портрет без творчества приморских художников.


Ольга ЗОТОВА,

кандидат искусствоведения,

доцент ШИГН ДВФУ,

ответственный секретарь

Приморского отделения «Союза художников России»

Владивосток-158 коллективная выставка

Владивосток-158

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка «Владивосток-158», посвященная очередной годовщине со дня основания Владивостока, откроется в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России». В этом году две даты открытия - 13-го и 22-го июня, так как выставка объединила две самостоятельные экспозиции: 13 июня в 17:00 откроется первая, в которую включены произведения художников Белоруссии, Эстонии, Литвы, Монголии, Японии, Вьетнама, КНР, Южной Кореи. 22 июня в 17:00 состоится открытие выставки работ художников России. Всего будет представлено около 200 работ.

Проект, который будет длиться в общей сложности больше месяца и даст возможность увидеть зрителю искусство художников разных территорий, имеет символическое значение. В этом году Приморское отделение Союза художников России отмечает 80-летие. Все эти годы основной состав художников-членов творческой организации живет и работает во Владивостоке.

Накоплен огромный опыт организации художественных выставок, особенно интересный после 1990-х годов, когда стало возможным налаживание партнерских связей с художниками разных стран.  Не первый год длится российско-вьетнамский проект «Рукопожатие», включивший несколько совместных выставок в России и Вьетнаме. Также имеет свою историю сотрудничество с художниками Японии, КНР, Юж. Кореи, воплотившееся в свое время в интереснейшие совместные выставки «Радуга Востока», «Восток-Восток», «Вы свет миру» и др., а в последние годы ставшее непрерывным. Художники этих стран приезжают во Владивосток, российские также принимают участие в художественных событиях за рубежом. К примеру, организаторы ежегодного фестиваля «Арт Киото» (Япония) с большим энтузиазмом встречали М. Ламзину (художественный текстиль) и О. Игнатенко (графика) из Владивостока. Благодаря этим связям зритель сможет увидеть уникальную лаковую картину (Вьетнам), самобытные, эстетически выверенные произведения из Японии, живопись художников КНР. 

Творческие контакты с Российской академией художеств отделением «Урал, Сибирь и Дальний Восток» дали возможность знакомства с искусством художников других регионов России (представлены эмали и живопись известных далеко за пределами России художников РФ С. Ануфриева и К. Кузьминых) и Монголии, а с художественным музеем г. Нарвы – с коллегами из Эстонии, Литвы и Белоруссии. Их участие в выставке символически возвращает нас к истории Владивостока периода его основания, когда город был открыт не только всем ветрам, но и всем флагам.

Вторая часть выставки, посвященной Владивостоку, традиционно включает произведения приморских авторов, большая часть из которых создана в этом году.

Выставка проводится при поддержке администрации г. Владивостока в рамках цикла мероприятий, посвященных 158-й годовщине со Дня основания города Владивостока, «Владивосток! Здесь хочется жить».

 

Выставки продлятся:

Выставка произведений художников Белоруссии, Эстонии, Литвы, Монголии, стран Азиатско-Тихоокеанского региона: с 13 июня по 20 июня

 

Выставка произведений художников России: с 22 июня по 15 июля


Владивосток-158 коллективная выставка Владивосток

Великая Победа

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Выставка «Великая Победа» посвящена очередной годовщине Победы в Великой Отечественной войне.

В экспозицию включены сюжетно-тематические полотна, основная часть которых специально была создана художниками Владивостока, Уссурийска, Магадана, Красноярска, Сахалина, Санкт-Петербурга к юбилейным торжествам, посвященным 70-летию Победы. Художники прибегли к большеформатному высказыванию, чтобы выразить весь спектр эмоций и ассоциаций, связанных с войной. Так, самое масштабное полотно «Битва», написанное художником Олегом Подскочиным, составляет 5 метров. В нем много символических образов, из которых состоит масштабная сцена сражения, включенная автором в общекультурный контекст, уничтожаемый войной, собирающей страшную жатву не только во время баталий, но десятилетия спустя.

Образ родной земли запечатлен в абстрактной работе Александра Ионченкова «Земля-шинелька», тему Родины, мирная жизнь которой нарушена, воплотили Евгений Пихтовников в работе «Осень войны» и Виталий Медведев «В преддверии». Обобщенный образ солдата дают в своих работах Александр Селиванов «Васильки», Денис Саунин «Два солдата», Сергей Горбачев в серии графических листов «9 мая». Мажорным настроением проникнуты работы Марии Холмогоровой «День Победы» и Владимира Погребняка «Победа».   При всей индивидуальности стилевых приемов – от лубка и абстракции до классического языка реалистической живописи – все произведения объединяет одна идея: мы все – дети той войны, в которой участвовали наши отцы, деды и прадеды.

В 2015 году арт-проект «Великая Победа» был поддержан администрацией г. Владивостока и Министерством культуры РФ. Первая обеспечила необычную форму проведения выставки – в штабных палатках на Корабельной набережной рядом с мемориальной зоной г. Владивостока. Второе способствовало тому, чтобы арт-проект был показан в городах, где шли непосредственные бои Великой Отечественной, - в Смоленске и Твери. Всего два полных дня картины можно было видеть во Владивостоке, после этого они отправились на Запад, а после вернулись в мастерские художников. Нынешняя выставка дает возможность вновь увидеть замечательные полотна, которые являются откликом на самую недевальвированную тему в современной России.

Свидетельство тому – набирающая обороты не только в нашей стране, но и за рубежом акция «Бессмертный полк», большое количество документальных и художественных лент, художественные выставки. Для отдельных художников эта тема – некая константа в воплощении философского образа противостояния Жизни и Смерти.

Так, в 2001 году Олег Подскочин и Сергей Дробноход в галерее «Арка» сделали совместную выставку «Когда возвратимся домой», посвященную памяти Великой Отечественной.   «В нашей жизни не так уж много тепла. Да и разве нас женщина – нас война родила», - писал один из лучших поэтов-фронтовиков Юрий Белаш. Поколение войны еще живет сегодня. И в следующих жива память о самом великом противостоянии ХХ века. В нынешнюю выставку включен триптих О. Подскочина «Брошь моей мамы», экспонировавшийся в «Арке», в котором центральным является женский образ.

Из той же выставки 2001-го года в нынешнюю экспозицию включен диптих С. Дробнохода «Когда возвратимся домой», определивший общее название проекта (сегодня находится в фондах Приморской государственной картинной галереи).

Несколькими годами спустя О. Подскочин посвятил теме войны персональную выставку «Призрак атаки». Уже в ней была сформулирована главная тема, к которой художник обратился в год 70-летию Победы в масштабном полотне «Битва»: война – это катастрофа для всех народов, которые в нее вовлечены.  В нынешней выставке это полотно является центральным и определяющим смысл всей экспозиции.

Три года назад штабные палатки на Корабельной набережной с картинами явились зоной притяжения тысяч зрителей, которые после парада стремились увидеть образы, созданные художниками. В преддверии этой акции журналист Общественного телевидения Приморья Ольга Сомкина создала проект «Краски Победы». Видео также демонстрируется в залах.

В экспозицию включены произведения из фондов Приморской государственной картинной галереи и «Артэтажа».

Ольга Зотова,

искусствовед, ответственный секретарь

Приморского отделения «Союза художников России»


       

Великая Победа коллективная выставка художники Приморья Владивосток

Сокрытое в листве

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Сергей Александрович Барсуков


«Сокрытое в листве» – третья персональная выставка приморского живописца Сергея Александровича Барсукова в залах владивостокского Дома художника (2006, 2011, 2018). Она проходит совместно с персональной выставкой заслуженного художника России Геннадия Леонидовича Кунгурова и занимает два зала их четырёх.

Основным жанром изобразительного искусства Дальнего Востока изначально был и остаётся пейзаж. Творчество Сергея Барсукова – светлый мир лирико-поэтической пейзажной живописи. Это художник пленера. Вот уже четверть века во все времена года он постоянно выезжает с этюдником в красивейшие, «пришвинские» места Приморья: в долину реки Майхэ, в бухту Сидеми, в сёла Безверхово, Анисимовка, Андреевка, на морские острова. Чаще всего это случается роскошной приморской осенью или тихой нежной ранней весной.

Природа могучий генератор нашего физического и духовного здоровья. Выезжая из города на природу, люди становятся спокойнее, мягче, добрее. Медитативно-созерцательные, камерные полотна Барсукова это живописные гармонии, в которых звучит музыка природы.  Иногда он полностью пишет этюды с натуры, иногда завершает их в мастерской стараясь сохранить для людей хотя бы часть колдовской красоты трёх постоянно меняющихся стихий: приморской земли, воды, неба.

Сергей Александрович представил вниманию зрителей 55 работ: сельские пейзажи, марины и натюрморты. Доминируют деревенские пейзажи, созданные на пленере ранней весной и осенью 2016-2017 годов в селе Анисимовка и в посёлке Безверхово. Среди них можно отметить этюды «Весенняя распутица», «Дорога в Анисимовку», «Цветы солнца». «Сентябрь. База отдыха». Есть и более ранние картины, написанные в Морском заповеднике и на Академической даче начиная с 2005 года.

Общее впечатление от выставки Барсукова – чувство восторженной радости, благодарности художника природе за счастье бытия, за лично пережитые счастливые мгновения. Пейзажи говорят со зрителем уверенно, интересно, многопланово. Они дают ощущение внутренней свободы художника, его сильно возросшего живописного мастерства. И в деревне, и на морском побережье он ищет и находит не обязательно эффектное, но непременно благодатное место, место гармонии, неброской красоты и спокойной силы. И не так уже важно, где оно находится: в Приморье или в Подмосковье. Задача у мастера одна – перенести на холст радостную, животворную музыку природы.

Сергей Барсуков – член Приморского отделения Союза художников России (с 2003 г.), член творческой группы «Дом Пришвина» (с 2004 г.), участник многочисленных художественных выставок (с 1995г.). Его произведения хранятся в Приморской государственной картинной галерее и в частных художественных коллекциях в стране и за рубежом.

Это коренной приморский художник. Он родился в 1951 году в шахтёрском городе Артёме. Одновременно с учёбой в средней и в музыкальной школе три года занимался в изостудии Дворца угольщиков у известного приморского живописца Павла Ивановича Холина, умелого педагога и талантливого художника. Обладая разноплановыми талантами: музыкальными, художественными и математическими, Сергей Александрович приехал во Владивосток, где сначала окончил горный факультет Дальневосточного политехнического института (1968-1973), а затем театральное отделение Владивостокского художественного училища по мастерской В.А. Прохоренко и Л.Т. Убираевой (1977-1981). Находясь на административной работе в институте Дальгипрошахт и в других организациях Владивостока, совмещал её с постоянными поездками на пленэр. С 2009 года – свободный художник.

           

Барсуков начал свой путь в искусстве в середине 1990-х годов. Уже тогда, работая с пейзажем, он руководствовался не столько предметно-осязательным ощущением, сколько светоцветовым впечатлением. К особенностями живописного стиля мастера можно отнести импрессионистическую интерпретацию пейзажных образов, светлую цветовую гамму, спокойное, радостное настроение. Усиливая иногда декоративные акценты, найденные в природе, художник избегает экспрессии цвета. Не любит он и многослойной живописи. Пастозной она у него бывает только чуть-чуть, в свету.

Кроме пейзажа заметное место в творчестве Сергея Александровича занимает натюрморт – самый экспериментальный жанр живописи. В экспозиции выставки «Креветки», «Вяленая рыба», «Сентябринки», «Пора цветения». Больше всего он любит писать цветы, потому, что их форма, цвет и фактура бесконечно разнообразны. Его привлекают декоративные возможности этой натуры. Ранние натюрморты выполнены в стиле, близком к традициям русского реалистического искусства, поздние – демонстрируют увлечение творческим наследием французской школы живописи.

Художники – люди очень разные и по характеру, и по стилистической манере. Их обогащает общение. С 1999 года начались ежегодные творческие поездки Сергея Александровича по Южному Приморью в сёла Безверхово, Анисимовка, Андреевка, в бухты Сидими, Спасения, Теляковского и Орла, вместе с Владимиром Олейниковым Жоржем Кочубеем, Виктором Убираевым и Геннадием Кунгуровым: членами творческой группы художников Владивостока и Артёма «Дом Пришвина». Через десять лет состоялась его первая творческая поездка и по Северному Приморью (в Ольгинский район) с заслуженным художником РФ Николаем Егоровичем Большаковым.

Если в 1990-е годы Барсуков учился живописи преимущественно у друзей, особенно у Виктора Убираева и Евгения Коржа, то в 2000-е большое влияние на него оказала дружба с народным художником РФ Иваном Васильевичем Рыбачуком (1921-2008). Художника такой величины, как Рыбачук, нельзя скрыть, его довольно одного, чтобы осветить целую культурную эпоху. Понимая это, Сергей Александрович часто бывал во владивостокской мастерской маэстро, особенно в последние годы его жизни. Общение с Рыбачуком было для него равнозначно хорошей школе.

Весной 2008 года, перед последним путешествием на Академическую дачу, Иван Васильевич, уже тяжело больной, сказал живописцу Виктору Пантелеевичу Белоусову: «На этот раз со мной поедет Серёжа Барсуков». А после возвращения тепло отозвался о Сергее: «Он умный, слушать умеет и, главное, слышит. Он много там прихватил, много почерпнул, там же разные художники работали. Он очень способный, трудолюбивый, немногословный, но дело своё стремится знать. Он будет писать, будет выставляться».

На «Академичке» Сергей Александрович оказался в совершенно другой природной среде. Там он окончательно осознал своё призвание живописца и, общаясь с большими мастерами изобразительного искусства, стал пристальнее вглядываться в окружающую природу. Сегодня мастер находится в поре расцвета творческой зрелости, которая, будем надеяться, продлится долго. Его подход к окружающему миру окончательно стал пейзажным.

                                                

                                                                        Л.И. Варламова,

Искусствовед,

Заслуженный работник культуры РФ

Сергей Александрович Барсуков Сокрытое в листве персональная выставка Владивосток

Сокрытое в листве

Katy
БЛОГ ИСКУССТВОВЕДА

Геннадий Леонидович Кунгуров


«Сокрытое в листве», персональная выставка заслуженного художника РФ Геннадия Леонидовича Кунгурова, проходит во владивостокском Доме художника совместно с   персональной выставкой его друга, приморского живописца Сергея Александровича Барсукова. Она имеет общее название и занимает два зала из четырёх. Геннадий Кунгуров, художник разносторонних интересов, представил вниманию зрителей 45 работ: живопись, станковую и книжную графику. Почти все живописные полотна мастера новые. Они были написаны в 2016-2017 годах. Зимой – во владивостокской мастерской, летом – на даче в селе Лукьяновка.

Геннадий Леонидович отказался от экспонирования пленэрного материала и дал на выставку пейзажи-картины, созданные на основе натурных впечатлений и этюдов. Это картины-воспоминания о красивейших местах Приморья, Байкала и Алтая, которые ему посчастливилось повидать во время ежегодных поездок на пленер. Среди лучших работ посвящённых Приморью – «Дом Егорыча», «Фуникулёр», «Пасмурный день», «Тигровый», «Сидими», «Стеклянуха. Верба зацвела».

Живописных портретов на выставке немного. Это портреты членов семьи: философский автопортрет «Шептуны», «Портрет дедули» (автопортрет с внучкой), «Портрет жены», «Внучка Настенька». Натюрмортов представлено только два: «Натюрморт с зелёным яблоком» и «Натюрморт с гномиком». В них художник запечатлел предметы своего дачного быта и лично выращенные тыквы.

Жанровые картины «Масленица», «Гадания на петухе» и «Коляда» – первые работы из будущей серии «Славянские народные праздники». Они созданы как театрализованная сатира на человеческие пороки под впечатлением знакомства с замечательной книгой «Обряды русского народа», кладезем интереснейших сведений о славянских языческих праздниках.

Книжная и станковая графика в творчестве Геннадия Леонидовича дополняют друг друга. Любимая графическая техника мастера – ксилография – была освоена на творческой даче «Челюскинская». Многое в ней не совпадает с классическими правилами. Технически, например, приходится работать современными материалами: не на торце твёрдых пород дерева, а на оргстекле, не древними водяными красками, а современными типографскими. Главным выразительным средством является не столько штрих, как положено, сколько декоративно-живописное пятно, позволяющее выявлять и моделировать объём.

На выставке книжная графика мастера представлена десятью гравюрами в технике ксилографии из серии «Восточно-поэтическая лирика» (1991) и двенадцатью – из серии «Волчьи гоны» (1997), созданной по мотивам сборника стихов Александра Афанасьева на гулаговскую тему.  В 2018 году Геннадий Леонидович нарезал в технике гравюры на пластике четыре портрета приморских художников из серии «Други мои». Первым он запечатлел своего учителя, Владимира Ивановича Олейникова («Володя»), потом себя (автопортрет «Знакомый»), затем Юрия Витальевича Василенко («Юра») и Сергея Александровича Барсукова («Серёжа»). Это психологические портреты. Они даны оглавно, крупным планом, почти все в фас. Взгляды друзей-художников устремлены прямо на зрителя.

Геннадий Кунгуров – заслуженный художник РФ, член Приморского отделения ВТОО «Союз художников России», график, мастер ксилографии, художник книги и полиграфического дизайна, живописец, художник театра и художник-педагог. Он родился в 1952 году в посёлке Новиково Южно-Сахалинской области, но его детство и юность прошли на Алтае. После окончания службы на Тихоокеанском флоте в посёлке Дунай Приморского края Кунгуров десять лет жил в Артёме, где работал сначала художником-оформителем на птицефабрике, потом – преподавателем в Детской художественной школе. Совмещая работу и учёбу, окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института (1984, мастерская Д.А.Романюк) и факультет художественного и технического оформления печатной продукции Московского полиграфического института, (1991, педагоги А.В. Васнецов, Н.А. Гончарова).  

            С 1992 года Геннадий Леонидович живёт во Владивостоке. Он был художником и главным художником Дальиздата (1986-1992), в 1999 году создал издательство «СВЕТЛАНАкунгурова». С 2001 по 2015 – доцент кафедры «Издательского дела и полиграфии» ДВФУ, преподаватель художественно-технического редактирования и дизайна печатной продукции. С 2017 – преподаватель спецдисциплин Владивостокского художественного колледжа.

Сотрудничая с Дальиздатом, с издательствами «Русский остров» и «Ворон» в качестве художественного редактора и дизайнера, Кунгуров оформил более 100 книг. Наиболее значительными работами для полиграфии стали книга японских сказок «Веер Тэнгу», книга Р. Киплинга «Маугли», романы С. Цвейга «Мария Антуанетта» и «Мария Стюарт», книги «Капитан Анна», «Тропою тигра», «Владивостокская крепость», «Скрепы памяти», фотоальбом «Край России – Владивосток».

Художник книги и художник театра – профессии родственные.  Оба изучают книги, оба создают режиссуру. В Академическом драматическом театре имени А.М. Горького Геннадий Леонидович оформил спектакли «Железный класс», «Моя жена лгунья», «Пять вечеров», «Трамвай «Желание» и «Московский хор» (2004-2008) как художник-постановщик.

С 1980 года Кунгуров участвует в краевых, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных выставках, с 1996 – в международных выставках графики и экслибриса. Среди его наград – Почётные грамоты Министерства культуры РФ и Министерства образования и науки РФ (2009), многочисленные дипломы на региональных книжных ярмарках-выставках «Печатный двор», проходивших во Владивостоке. Весной 1996 года на Международной книжной ярмарке в Москве за фотоальбом «Хабаровский край. Страницы истории» художник получил диплом первой степени. В 2000 году книга «Тайга у океана» там же была отмечена золотой медалью в номинации за дизайн.

Произведения Геннадия Леонидовича Кунгурова хранятся в Приморской государственной картинной галерее, в Приморском государственном объединённом музее им. В.К. Арсеньева, в Галереях современного искусства «Артэтаж» и «Арка» (Владивосток), в фонде «Современная графика» (Санкт-Питербург), в Калининградском областном музее «Художественная галерея», в музеях, галереях и частных коллекциях России, Японии, Австралии, Китая, Республики Корея, Англии, Франции, Италии, Чехии, Хорватии, Турции, США и Канады.

 

Л.И. Варламова,

Искусствовед,

Заслуженный работник культуры РФ

Кунгуров Геннадий Леонидович Сокрытое в листве персональная выставка Владивосток

Выставка Геннадия Кунгурова и Сергея Барсукова «Сокрытое в листве»

Katy
ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

4 апреля в 17:00 в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» состоится открытие выставки Геннадия Кунгурова и Сергея Барсукова «Сокрытое в листве». Зрителю будет представлено творчество двух авторов, наполненное цветом, светом, радостью, самой жизнью.  

Чаще всего «героем» живописных полотен как Геннадия Кунгурова, так и Сергея Барсукова становится природа, изменчивая, таинственная, подавляющая, успокаивающая, гармоничная, величественная, родная. Одухотворенные и лирические пейзажи сохраняют приверженность традициям русской школы, для которой характерно созвучие русской душе, способной сострадать, радоваться, восхищаться миром в целом и отдельными людьми в частности. Однако в экспозицию выставки вошли также и жанровые картины, портреты, натюрморты, графика.

Название «Сокрытое в листве» было выбрано неслучайно. Известный японский трактат «Хагакуре», написанный для воспитания духа воина и формирования отношения к жизни и миру, связан с учениями Конфуция и Дзен-буддизма, определившими менталитет народов, с которыми мы тесно связаны, общаемся и под влиянием друг друга до сих пор вносим коррективы в свою картину мира. Нам близко восточное стремление к размышлениям, поиск истины, которая часто скрывается за листвой повседневности. Художнику как никому другому удается ее разглядеть за видимым пейзажем и изобразить все грани жизни на своих полотнах.

В графике Кунгурова восточная литература занимает особое место. Так, японская любовная поэзия неоднократно ложились в основу серий графических работ, выполненных в любимой технике художника - ксилография. Примечательно, что большая часть картин художника наполнена духом романтики, стремлением соединить философию с искусством, выражением свободы, ощущением чувств. В то время как для Сергея Барсукова важны и принципиальны вопросы, относящиеся к области реалистической эстетики – верность изображению природы, способности художника подчеркнуть поэтичность и красоту самых прозаических предметов.

Совместная выставка двух живописцев станет замечательным подарком всем ценителям живописи.

 

Выставка пройдет с 4 апреля по 17 апреля 2018 года

Вход свободный


Геннадий Кунгуров Сергей Барсуков Сокрытое в листве Владивосток

Однокурсники

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ

Выставка «Однокурсники» откроется в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» 20 марта в 17:00.

Свои работы представят Сергей Бурдыков, Наталья Калина, Олег Ким, Петр Мястовский, Николай Тимофеев – художники, обладающие индивидуальным почерком, хорошо узнаваемым в коллективных выставках. Все они учились в Дальневосточном институте искусств у Василия Никаноровича Доронина, которого вспоминают и чтят все эти годы. Творческая судьба каждого сложилась по-разному: С. Бурдыков и П. Мястовский свободные художники, Н. Калина много лет успешно преподает во Владивостокском государственном университете экономики и сервиса, Н. Тимофеев долгое время был директором Владивостокского художественного колледжа, в настоящее время преподает в нем, О. Ким меценат и инициатор идеи создания художественного музея в г. Уссурийске. Все они авторы персональных выставок, постоянные участники коллективных. Но именно в едином проекте четко просматривается лицо поколения, пришедшего в искусство в самом начале 1980-х. Искренние, веселые, полные творческих замыслов они не сломались в 1990е, а сегодня, в эпоху новых технологий в искусстве, продолжают оставаться художниками в традиционном понимании этого слова, чей инструмент – холст и кисти.

В выставке представлено более 90 работ разных периодов.       

 

Выставка продлится с 20 марта по 2 апреля 2018 года


Однокурсники Сергей Бурдыков Наталья Калина Олег Ким Петр Мястовский Николай Тимофеев живопись Владивосток

ОНА

Katy
КОЛЛЕКТИВНЫЕ ВЫСТАВКИ